Спектакль “Бич Божий”. Фото: Фоат Гарифуллин
Корреспондент Театра. — о программе IV-го Международного фестиваля-форума «Науруз», прошедшего в Казани.
Фестиваль «Науруз» в Татарском театре имени Г. Камала устроен так: один год он проходит в формате ежедневного смотра спектаклей, другой — в формате образовательной программы. В этом году «Науруз» состоял из шести лабораторий, каждая из которых предлагала слушателям, съехавшимся из множества городов и республик (сфера интереса «Науруза» — тюркоязычные театры России и СНГ), по несколько ежедневных семинаров и тренингов от ведущих зарубежных и отечественных специалистов.
Афиша и сам принцип организации «Науруза» обозначил проблемы и противоречия современной театральной жизни постсоветского пространства и предложил способы их решения. Один из главных вопросов — вопрос о балансе уникального и универсального в национальном театре. Образовательная программа «Науруза» ответила на него своим содержанием. Семинары по сценической речи и движению, предлагающие участникам с разным опытом и школой академические и авторские способы развить те или иные способности, соседствовали с демонстрацией национальных традиционных искусств, берущих свое начало в ритуальной, народной, культуре.
Семинар Юрия Альщица, основателя берлинского центра театрального образования AKT-ZENT, был адресован, в первую очередь, театральным педагогам, и посвящен проблеме композиции — композиции роли и композиции театрального урока, структуре передачи знания. Семинар, рассчитанный и на предварительную домашнюю работу студентов, и на непосредственный тренинг во время занятий, совмещал в себе теоретическую и практическую составляющие. Речь шла и о понятийном аппарате, и о типологии композиций, о жестких и хаотичных структурах, о взаимоотношениях памяти и чувственного аппарата актера, готовящего роль. Участники тренинга, взаимодействуя друг с другом, осваивали понятие композиции, пытаясь организоваться в простейшие структуры по произвольно волюнтаристски выбранному признаку. Говоря о свойствах театра, педагог рассказывал об отличии чувства художника и человеческого чувства, о важности паузы и пустоты, о возможной множественности композиций в рамках одного монолога, и даже — о пользе растерянности, возникающей иногда у слушателей в финале урока.
Участники семинара-тренинга Клаудио де Мальо постигали секреты комедии дель арте — техники, доступной далеко не каждому российскому актеру; техники, предусматривающей молниеносную реакцию, пластическое совершенство, умение вылепить безупречную форму — из собственного тела и лица. Из занятий де Мальо явствовало: техника комедии дель арте — далеко не частное знание, необходимое для работы с соответствующей драматургией, но и универсальный метод в актерской практике — на занятиях итальянца студенты постигали взаимосвязь походки и характера, основы мгновенной импровизации в ситуации партнерства, взаимосвязь индивидуального и типичного. Каждое из занятий было посвящено процессу создания той или иной из основных масок венецианской комедии — от дзанни до Панталоне.
Лаборатория, посвященная традиционным театрально-музыкальным формам тюркских народов, состояла из трех мастер-классов, посвященных искусству якутов, хакассов и татар. Певец и музыкант-мультиинструменталист Рустам Маликов продемонстрировал технику игры на курае, духовом инструменте, ранее изготавливаемом из растения семейства зонтичных, а ныне — из шпона; рассказал о традиции татарского протяжного пения, исполнив не только народные песни, но и современные фантазии на тему национальной музыки. Важно, что мастер-классы по традиционным музыкально-песенным техникам в программе «Науруза» не проходили по разряду декоративно-прикладного искусства: каждое из занятий связывало историю с современностью, и подобная связь находит свое подтверждение в практике национальных театров последних лет, актуализирующих старинные жанры. Так, Ирина Михайлова, актриса Саха театра и Театра Олонхо, обучавшая студентов «Науруза» традиционному якутскому пению тойук, рассказала о недавней премьере китайской оперы 16 века «Пионовая беседка» в постановке Степаниды Борисовой.
Вторым принципом, заложенным самой драматургией «Науруза»-2016, стало тесное сплетение теории и практики, погружение практической основы театра в исторический и современный контекст. В рамках лаборатории, посвященной текущему театральному процессу, состоялись лекции театроведов Анны Степановой, Кристины Матвиенко и Алены Карась. Занятия театроведческой секции обрисовали изменчивые очертания сегодняшнего театра, наметили основополагающие тенденции последних десятилетий. Особенно ценно — индивидуальный, авторский, концептуальный взгляд каждого, отказ от некоего обобщающего, обезличенного, ракурса. Сегодняшнее гуманитарное знание — это сумма многих концепций, на диалоге которых и основываются представления об изучаемом предмете во всем его многообразии. Курс Анны Степановой был посвящен понятию героя в контексте современной режиссуры: на примере спектаклей Юрия Бутусова, Константина Богомолова, Дмитрия Волкострелова, Семена Александровского она говорила о вариативности термина: герой-одиночка, коллективный герой, режиссер или автор — герой спектакля, текст как главное действующее лицо. Современный театр, откликаясь на социокультурную ситуацию сегодняшнего дня, экспериментирует с базовыми понятиями, меняя начинку старых слов. Кристина Матвиенко рассказывала о пути, проделанном театром за несколько последних десятилетий. Обращаясь к советскому опыту, она подробно остановилась на том эволюционном сломе, который пережил театр на рубеже 80-90-х, когда прежняя иерархия была поставлена под сомнение: в театр пришли «дилетанты», «подпольщики», сцена соприкоснулась с современным искусством, а чуть позже появилась драматургия, описывающая меняющийся мир. Речь шла и об изменившихся отношениях сцены и зала, о современной тенденции, когда театр фокусируется на частном высказывании, на презентации личного опыта. Курс Алены Карась, на стыке театроведения и культурологии, сосредоточился на вопросе общественно-исторических травм и их преломления в спектакле. Обращаясь к спектаклям Кантора («Мертвый класс»), Марталера, Кляты, к новым российским опытам («Молодая гвардия» Дмитрия Егорова и Максима Диденко, «Джут» Башкирского театра им. Гафури), Карась анализировала возможности театра в модерировании общественной дискуссии на болезненные темы прошлого.
Театроведческий блок создал общегуманитарный контекст образовательного форума; впрочем, помимо теории, была и практика: Александр Вислов провел обширный мастер-класс для журналистов, завлитов и критиков, предложив своим слушателям практические задания по написанию рецензий и обсуждению недавно увиденных спектаклей. «Науруз» предложил и объект для театроведческого внимания: гостем фестиваля-2016 стал венгерский режиссер Аттила Виднянский со спектаклем «Бич Божий», а одним из событий «Науруза» стал показ спектакля Театра имени Г. Камала «Дон Жуан» (режиссер Фарид Бикчантаев).
Спектакль Виднянского основан на написанной в начале двадцатого века Миклошем Банфи пьесе — о завоеваниях Аттилы, легендарного правителя гуннов. В основе сюжета — мелодрама: христианская пленница Микольт убивает Аттилу на брачном ложе. На самом деле, «Бич божий», несмотря на постоянное движение на сцене (основа сценографии — деревянный круг карусели), — произведение статичное, а все повороты сюжета лишь акцентируют тему сложной взаимосвязи Востока и Запада. Обращаясь к историческим мотивам, Виднянский размышляет о новом витке «великого переселения народов». Вводя в спектакль сатирические образы будущей Европы (один из них — могучий трансвестит в юбке, разговаривающий то на немецком, то на английском), Виднянский, испытывающий заметное презрение к общеевропейским ценностям, вроде толерантности, превращает свой спектакль в яркий, но весьма спорный антиглобалистский манифест.
«Дон Жуан» Фарида Бикчантаева трактует пьесу Мольера как историю отчуждения и одиночества сильного и талантливого человека. Знаменитый разговор Дон Жуана и Сганареля о вере звучит с неподдельной горечью и мужеством: полный агрессивного ханжества мир выталкивает, исторгает из себя неординарное. При таком раскладе мистика неуместна: и Командор здесь совсем не страшный, предельно приземленный мужичок, по-деловому протягивающий Дон Жуану руку. Одна из лучших сцен — флирт с рыбачками на берегу: смешная женская свара, комедийная суматоха вдруг затихает; две зачарованные женщины застывают, околдованные голосом и словами Жуана. Они не обмануты, они просто соприкоснулись с чем-то иным, странным, как будто их мир из маленькой деревушки превратился в безбрежный космос.
В программе «Науруза» было еще несколько спектаклей, один из них — «Собачье сердце», студенческий спектакль курса Сергея Женовача (ГИТИС) в постановке Айдара Заббарова: неожиданно жесткое, без сантиментов, со сдержанным сарказмом, прочтение повести Булгакова. Встреча с Сергеем Женовачем стала одним из главных событий фестиваля: речь шла и о педагогике, о смысле совместного обучения актеров и режиссеров, о тех опасностях, которые грозят творческим ВУЗам в связи с увеличением платных мест и отменой бесплатного второго высшего образования. И о судьбах репертуарных театров, потерявших творческого лидера, о том, как современному театру коммуницировать с реальностью, не впадая ни в ханжество, ни в спекуляцию. Женовач рассказал и о своем увлечении современной российской прозой — о ее огромном театральном потенциале.
«Науруз» этого года — о стремлении театра избежать самоизоляции, черпая новые силы и знания в любых смежных и сторонних областях. Целая лаборатория, посвященная менеджменту, маркетингу, фестивальному делу, напоминала о том, что художественное явление нуждается в информационном контексте и в правильном «адресе».
Последние годы доказывают: практика обгоняет теорию, школа не поспевает за театром, а площадь гуманитарного разговора (свежий пример — попытки министерства культуры отказать в финансировании «Петербургскому театральному журналу») угрожающе сужается. На этом фоне «Науруз», позволивший себе недельный педагогический фестиваль, нацеленный не на скорый результат, но на перспективу, кажется утопией наяву, но именно дерзость размаха внушает надежду.