Петербург в театральном плане – локация уникальная. Ни в одном другом городе страны вы не найдете cтолько независимых театров, в которых буквально бурлит разнообразная творческая жизнь. Их расположение обнаружить непросто. Гид журнала ТЕАТР. рассказывает про 26 театральных структур, образовавшихся в XXI веке – о том, кто их создал, где их искать и что в них смотреть.

«Такой театр»

Самый популярный независимый театр нулевых, недавно переживший апгрейд

Год создания – 2001. Создатель: Александр Баргман. Руководитель: Александр Баргман. Арт-директор: Игорь Сергеев (2016 – настоящее время).
Спектаклей в репертуаре: 17 (один из них – детский). С театром сотрудничает около 40 артистов.

«Такой театр» родился из спектакля «Черствые именины», который поставила как дипломный актриса и певица, создательница группы «Колибри» Наталья Пивоварова (погибла в сентябре 2007 года) с актерами Александром Баргманом, Ириной Полянской и Александром Лушиным. Тотальный стеб над жанром мелодрамы и всеми театральными штампами, в который превратилась пьеса Г. Соколовой (по жанру – как раз кондовая мелодрама), был сразу же номинирован на «Золотую маску». Именно эта постмодернистская ирония, которой не избежали и классики, стала фирменной интонацией театра.

Почти все спектакли «Такого театра» до 2016 года ставились самим Александром Баргманом (иногда в соавторстве с актрисой Анной Вартаньян, активно сотрудничавшей с театром) и становились настоящими хитами городской афиши: «Жан и Беартис», чеховский «Иванов», «Каин» по текстам Байрона и Клима, «Время и семья Конвей», «Человек случая» по пьесе Ясмины Реза. Всего спектаклей за баргмановский период вышло более 20, все они шли в камерных пространствах – на площадках «Особняка», музея-квартиры Достоевского и других, и в каждом из них, кроме ощутимой доли театральной иронии, направленной на театр традиционно-нафталинный, в той или иной мере присутствовали элементы игры в театр и лихая актерская импровизация, местами граничившая с капустником. Фантазия создателей театра сильно превосходила его финансовые возможности – грантов комитета по культуре хватало только на постановки, актеры и сотрудники цехов получали копейки от билетных продаж после арендных выплат. В конце концов финансовый кризис превратился в творческий. Единственный поставленный Баргманом спектакль для большой сцены именно с целью финансовой стабилизации театра, «Тестостерон», походил на большинство антрепризных созданий и положения не спас.

Кроме того, за 15 лет существования «Такого театра» его основатели повзрослели, стали востребованными артистами в крупных петербургских театрах, а Баргман и вовсе превратился в одного из самых востребованных режиссеров страны: с 2011 по 2014 годы в Петербурге даже проходил «Такой фестиваль», афиши которого состояли из спектаклей Баргмана, поставленных им в театрах Омска, Тюмени, Новосибирска и других городов. В 2016 году Александр Баргман принял решение передать «Такой театр» в управление молодому режиссерскому дуэту – Игорю Сергееву и Варваре Светловой. Они пришли не с пустыми руками, а с готовым спектаклем «Эффект Чарли Гордона», который сразу полюбился публике.

С сезона 2017/18 годов «Такой театр» впервые за все время своего существования обрел нечто вроде постоянной прописки: он стал одним из основных резидентов площадки «Скороход». Здесь Сергеевым и Светловой были выпущены еще две премьеры: «Мария Стюарт» и «Билли Миллиган» (пьесу об одном из самых известных в истории психических больных, чье сознание вместило в себя 24 личности, написали сами режиссеры, деньги на него почти полностью собрали путем краудфандинга, и этот спектакль вошел в лонг-лист «Золотой маски»). Менеджментом здесь стали заниматься сначала Давид Жарницкий, потом Стас Белозеров. Осенью 2016 году команда «Такого театра» организовала ежегодный форум независимого театра «Площадка vol.2», объявив своей целью «создание единой платформы для поддержки актуального альтернативного театра в Санкт-Петербурге». Круглый стол о проблемах современного театра собрал ведущих театральных деятелей страны: Дмитрия Волкострелова, Бориса Павловича, Евгению Шерменеву, Дмитрия Мозгового и многих других. На втором форуме была организована еще и режиссерская лаборатория: автор лучшего эскиза «Мой дядя Ваня» Филипп Виноградов доделает и выпустит спектакль в «Таком театре» в ноябре 2018 года.

О. К.

Kukfo (Театр «Кукольный формат»)

Авторский кукольный театр, работающий с петербургским мифом

Год создания: 2003. Создатель и руководитель: режиссер и художник Анна Викторова.
Спектаклей в репертуаре: более 20 для детей от 3 лет и взрослых. С театром сотрудничают 15 актеров.

К моменту создания Kukfo у Анны Викторовой было образование художника-кукольника в Театральной академии и опыт работы с Резо Габриадзе над легендарной «Песней о Волге» 1996 года (в качестве мастера по куклам и актрисы). Первый же спектакль в собственном театре, «Всадник Cuprum», где прекрасная чухонка Нева, покинутая Петром, бросалась в реку, а потом, чтобы дотянуться до любимого всадника, устраивала лютое наводнение 1824 года, которое сводило с ума «маленького человека» Евгения, начал собирать аншлаговые залы, а кроме того, получил две «Золотые маски». Родной дядя Анны Викторовой, известный режиссер и продюсер Тимур Бекмамбетов, увидев, что племянница, катая коляску с новорожденной дочерью, вырезает кукол, решил ей помочь материально – и не только деньгами: первые 10 лет существования Kukfo и декорации хранились, и репетиции велись в пустующей квартире Бекмамбетова на той самой Галерной улице, что воспета Ахматовой в «Поэме без героя». В 2007-м изобретательное кукольное шоу для детей «Робин-Бобин» получило еще две «Маски». Потом появился образовательный хит «Микробус и Бактериус», на котором до сих пор питерская детвора учится мыть руки и чистить зубы.

В 2013 году город предложил пространство: 160 кв.м в бывшем каретном сарае во дворе на Пушкинской улице, 19 – практически в тени знаменитого памятника Александру Сергеевичу и в двух шагах от памятника Достоевскому. В театре, каждая постановка которого в той или иной мере исследует петербургский миф, это было воспринято как добрый знак. Ремонт, как обычно и бывает с независимыми театрами, делали сами. На новом месте Анна Викторова, режиссер-постановщик, художник, автор кукол и сценограф в одном лице, продолжила прогулки с классиками. Обновленный спектакль 2007 года «Преступление и наказание» теперь называется «Ошибка студента Раскольникова», но в нем та же точная и остроумная генетическая связь между Аленой Ивановной и старухами Хармса. Этот опыт, а также готический анекдот «Пиковая дама» и по-прежнему актуальный «Всадник Cuprum» эффектно сложились в мистическую петербургскую трилогию. Премьера начала 2018 года «Птифуры» (от 7 лет) – скетчи про стариков и старушек – тоже развивает хармсовскую тему, но для детей. Изящество сценических решений, юмор (в том числе и черный, дерзкий), привычная городу ирония и дух здравомыслия – такова формула этого маленького, но гордого петербургского театра.

А. К.

Театр-студия Karlsson Haus

Кукольный театр от 2+ с европейской атмосферой и образовательными проектами

Год создания: 2006. Директор: Анна Павинская.
Спектаклей в репертуаре: 15 для детей и взрослых. В постоянной труппе 14 актеров.

У театра Karlsson Haus четыре резиденции в центре города: две на набережной реки Фонтанки (на 45 и 70 мест), одна на улице Ломоносова (два зала по 35 мест) и еще одна, новая, на 45 мест с входом прямо через окно с тротуара Фурштатской улицы – она открылась в 2017 году. Karlsson Haus последовательно создает на своих площадках атмосферу европейского театра для всей семьи – без классических рядов, с паллетами, коврами или разноцветными подушками, на которых детвора с удовольствием рассаживается, оставив родителей сидеть на стульях в задней части зала.

Первая команда театра была сформирована группой петербургских кукольников на базе танцевального коллектива Людмилы Павинской: шесть лет театром руководили то скопом, то по одному Борис Константинов (с 2013 – главный режиссер Центрального театра кукол им. Образцова), Денис Шадрин и Алексей Шишков. Хитами той поры стали «Мой Карлсон» и «Ленинградка», нежная сказка о блокадной девочке и домовенке с удивительными спецэффектами.

Нынешний директор Анна Павинская (по первому образованию – врач-реаниматолог), дочь Людмилы Павинской, пришла в театр в 2007 году подработать. Сначала занялась прессой, а потом постепенно и всем остальным. В 2008 году стала директором, параллельно получая второе высшее образование – театроведческое, и проявила редкие способности налаживать контакты как с режиссерами, так и с чиновниками: площадка на Фурштатской появились в результате многократных походов Анны в смольнинские комитеты – по культуре и по управлению госимуществом. Полученное от города «пустое пространство» надо было еще обустраивать, превращать в театр – и эту науку Анна тут же освоила. Не найдя кандидатуры на пост худрука, директор Павинская приняла решение работать без постоянного творческого лидера, приглашая в театр разных режиссеров. Первым из них стал мэтр кукольного театра Алексей Лелявский, он поставил взрослые спектакли Karlsson Haus: «Ваня» (две «Золотых маски»), «Одиссей», «Биография» и Wanted Hamlet. Молодых режиссеров Анна тоже привлекает: например, спектакль «Цыпленок», номинант «Маски», поставила актриса театра Катя Белевич-Ложкина. В отличие от постоянного главрежа, постоянная труппа в театре имеется, чего практически не случается в независимых театрах: артисты здесь работают с трудовой книжкой и постоянной зарплатой. И деньги на это Karlsson Haus зарабатывает сам, давая в неделю 15-18 детских, 1-2 взрослых, а в год – около 960 спектаклей.

Кроме того, Павинская с коллегами инициирует образовательные проекты для актеров, режиссеров и художников театра кукол (летом 2016 года в Karlsson Haus прошла первая летняя лаборатория фигуративного театра – ЛЛФТ: мастер-классы с финальными открытыми показами режиссеров Лелявского, Анны Ивановой-Брашинской, Яны Туминой и Евгения Ибрагимова) и молодых продюсеров (осенний 2017 года Форум театральных менеджеров). В планах у театра – третья ЛЛФТ летом 2018 (на сей раз мастер-классы дадут авторитетные зарубежные режиссеры – Филипп Жорд, Полина Борисова, Рене Бейкер и Давиде Джиовандзана), фестиваль маленьких зарубежных театров кукол (Guest programm), продолжение сотрудничества с Лелявским, Ложкиной, Ибрагимовым, а также проект с одним из самых известных в мире режиссеров театра теней итальянцем Фабриццио Монтекки.

А. К.

Театр Поколений

Театр, ориентированный на современную зарубежную драматургию и зрителей 18+

Год создания: 1990. Создатель и первый художественный руководитель: Зиновий Корогодский. Перезагрузка: 2006. Худрук: Данила Корогодский.
Спектаклей в репертуаре: 11. Актеров в постоянной труппе: 17.

Театр поколений создал на проспекте Обуховской обороны легендарный главреж ленинградского ТЮЗа Зиновий Яковлевич Корогодский после его изгнания из ТЮЗа: за эту позорнейшую страницу отечественной театральной истории ответственности до сих никто на себя не взял. На новом месте Корогодский продолжил прежнее дело: строил семейный театр – от театральных тренингов для всех поколений семьи до спектаклей, на которые ребенок приводит за руку родителей, а не наоборот. В Театре поколений, как и в ТЮЗе, играли ученики мастера, исповедующие его театральную философию. После его смерти актеры предложили возглавить театр сыну Корогодского, театральному художнику Даниле Корогодскому, который художественную политику изменил радикально. В 2006 году Даниле удалось договориться с руководством Петропавловской крепости, и театр четыре года жил в Нарышкином бастионе. В 2010 году труппа переоборудовала в театр бывший заводской цех на Лахтинской, 25. Здесь играют спектакли два раза в неделю по субботам и воскресеньям. Театр живет на доходы от продажи билетов, а также гранты комитета по культуре и СТД РФ.

При Даниле Корогодском и в его сценографии вышло уже 20 спектаклей. На первую же постановку новый худрук пригласил американского режиссера Адриана Джурджа. Его спектакль «Болезни молодости» о потерянном поколении в Австрии начала XX века стал манифестом обновленного Театра поколений и держится в репертуаре до сих пор: здесь говорят о сексе, наркотиках, суициде и манипуляции людьми. Заданный Данилой Корогодским вектор развития продолжают немецкий режиссер Эберхард Кёлер и режиссер и актер труппы Валентин Левицкий. В театр пришла новая публика – люди до 30 лет.

В репертуаре театра преобладают европейские пьесы XX века, которые никогда не ставились в России:    кроме «Болезней молодости» Фердинанда Брукнера, Blackbird Дэвида Харроуэра, «Моя любимая 2soffka» Лауры де Век, «Всего лишь конец света» Жана-Люка Лагарса и «Урод» Мариуса фон Майенбурга (был упомянут в лонг-листе «Золотой маски» за 2015-2016 годы). При этом основа труппы – по-прежнему ученики Зиновия Корогодского. Сочетание новой европейской драмы с актерской школой присвоения и подробного проживания ролей – таков эстетический кодекс Театра поколений нового образца.

В 2017 году театр впервые обратился к документальной драме и пригласил Елену Гремину поставить спектакль о блокаде «67/871» совместно с Эберхардом Кёлером. В тексте спектакля есть не только свидетельства оставшихся в живых блокадников, но и воспоминания немецких солдат, воевавших на Ленинградском фронте. Премьеру сыграли в Берлине 8 сентября 2017 года, в день, когда в 1941-м замкнулось кольцо блокады вокруг Ленинграда. Российская премьера намечена на лето 2018-го.

С. К.

Театр Lusores

Маленький антропологический театр

Год создания: 2007. Создатель и руководитель: Александр Савчук.
Спектаклей в репертуаре: 10. Артистов в постоянной команде: 8.

В 2007 году недавний выпускник режиссерского курса Геннадия Тростянецкого Александр Савчук вместе с однокурсниками сочиняет спектакль с вызывающим названием «Luser XP. Самый плохой спектакль в городе», который представлял собой набор этюдов, абсурдных сценок, скетчей о человеке XXI века и походил на обаятельный «курсовик», соединенный из студенческих работ по актерскому мастерству. На афише спектакля значилось: Театр Lusores (с латинского – игроки), но созвучие названия театра и названия первого спектакля обрекло коллектив на прозвание «Лузеры» в театральной среде, хотя неудачниками их никто не считает – скорее философами-чудаками. Lusores, будучи независимым театральным объединением, с первого спектакля обосновались в гостеприимных стенах бывшей дворницкой в одном из двориков Петроградской стороны – в театре «Особняк», а со второго, третьего, четвертого спектакля проступила истинная суть независимого театрального объединения Александра Савчука. Его театр, так вписавшийся в концепцию «Особняка», – действительно отдельный, не похожий ни на какие другие театральный коллектив, последовательный в своем антропологическом театральном поиске. Савчук с равным интересом превращает в объект исследования поэзию Елены Гуро («Небесные верблюжата») и русские апокрифы, Хармса («Синфония № 2») и гигантский эпос о Гильгамеше (его сценическая интерпретация – целых пять полноценных частей-спектаклей), Заболоцкого («Школа жуков») и Хлебникова («Зангези»). Его интересует звучащее слово, текст, исполненный как ритуал, и ритуал, просвечивающий сквозь древний эпос и сквозь обэриутскую заумь.

Савчук использует артиста (Александр Кошкидько, Виктория Евтюхина, Виталий Гребенщиков и другие) как инструмент для извлечения звуков и форм. И настраивает этот свой небольшой, но постоянный оркестрик на единое звучание. И все же лучший артист для театра Александра Савчука – сам Савчук. В его исполнении даже импровизированный монолог о выборе нового сотового телефона (сайт-специфик спектакль «Гамлет», показанный на фестивале «Точка доступа») выходит за границы повседневного в сторону трансцендентного.

И режиссер Савчук, и театр Lusores будто бы не стремятся к широкой известности, их существованию свойственна негласно провозглашенная аскеза и лабораторность, не требующая зрителя широкого, а требующая зрителя специального, такого, который и ходит в театр «Особняк» – пусть в совсем небольшом количестве, но регулярно и преданно.

О. К.

Театро ди Капуа

Экстравагантный театр швейцарского итальянца, осевшего в Петербурге

Год создания: 2008. Создатель и художественный руководитель: Джулиано ди Капуа.
Спектаклей в репертуаре: 6. С театром сотрудничают: 13 актеров.

Режиссера и актера Джулиано ди Капуа в Петербурге знает все театральное сообщество – лично, а горожане – наверняка визуально. Он выглядит так, как выглядел в своих мечтах Остап Бендер: везде носит непрактичный белый костюм, словно он перемещается не по дождливо-слякотному Питеру, а по Рио-де-Жанейро. Выпускник Вениамина Фильштинского (однокурсник Ксении Раппопорт и Тараса Бибича) он через восемь лет после выпуска из Театральной академии открыл собственный независимый театр и занялся его продюсированием. С самого начала ему во всем помогает актриса армянских кровей Илона Маркарова. Она  же играет ведущие женские роли.

Первая же постановка по документально-свидетельской пьесе американской феминистки Ив Энслер «Монологи вагины» спровоцировала не только волну обсуждений о допустимом в театре, но и взбудоражила чиновников вплоть до тогдашнего губернатора Валентины Матвиенко. В итоге театру сначала запретили писать слово «вагина» на русском на афише, а затем его пришлось и вовсе сократить до одной большой латинской буквы «V». Не сказать, чтобы спектакль совершил открытия в эстетическом плане, но его создатели точно уловили важную социальную тенденцию современности задолго до появления флешмобов #янебоюсьсказать и дела Харви Вайнштейна.

Джулиано ди Капуа проявляет склонность более к эффектам, чем к поискам новых форм. Он ставил спектакли с инженерным театром АХЕ и выдающимися музыкантами – основателем Филармонии джазовой музыки Давидом Голощекиным (спектакль «1900»), аргентинской певицей Габриелой Бергалло (танго-опера на музыку Астора Пьяццоллы «Мария де Буэнос Айрес») и панком Лехой Никоновым и его группой «Танки в Париже» (зонг-опера «Медея. Эпизоды»). Чаще всего сценографию для спектаклей Капуа создает Максим Исаев из театра АХЕ.

Свою первую и пока единственную «Золотую маску» театр получил за камерный спектакль «Жизнь за царя» по документальным свидетельствам, оставленным членами революционно-террористической организации «Народная воля». Сначала его играли на «конспиративных квартирах», договариваясь с дружественными хозяевами, и лишь позже перенесли на сцену. Найденный в сотрудничестве с профессиональными музыкантами метод работы позволяет обычные тексты – воспоминания и официальные бумаги – проговаривать речитативом или пропевать, сажать на ритм, создавая нужное остранение. Это направление развития театра продолжает спектакль «Слово и дело» по документам XVII века.

Театр ди Капуа живет без постоянного помещения и искать его не планирует: спектакли идут, как правило, на сцене музея современного искусства «Эрарта». Именно здесь театр отпраздновал свое десятилетие большим фестивалем, на котором показал весь репертуар.

На осень 2018 года Джулиано ди Капуа запланировал премьеру моноспектакля Илоны Маркаровой «Персефона», сценографию к которому, по традиции, сочиняет Максим Исаев.

С. К.

Лаборатория On.Театр

Первая петербургская режиссерская лаборатория, совершившая в городе театральную революцию

Год создания: 2009. Идеологи: Милена Авимская, Дмитрий Егоров. Руководитель: Милена Авимская.

Режиссерская лаборатория On.Театр заявила о себе весной 2009, когда под крышей Театра им. Ленсовета были показаны 19 эскизов по современным пьесам молодых петербургских режиссеров, которых собрали и организовали недавняя выпускница продюсерского факультета ГИТИСа Милена Авимская и молодой петербургский режиссер Дмитрий Егоров. Благословил лабораторию тогдашний главреж Театра им. Ленсовета Гарольд Стрелков, финансово поддержал комитет по культуре под руководством Антона Губанкова. Спустя два года Милена нашла площадку со льготной арендной платой в подвале на Жуковского, 18. В процессе церемонии открытия Антон Губанков собственноручно написал и замуровал в одну из стен письмо к потомкам. Казалось, все застроено как минимум на десятилетия – и прежде всего в творческом плане. За первые два-три года своего существования On.Театр изменил петербургский театральный ландшафт до неузнаваемости: безработных артистов становилось меньше, спектакли режиссеров Андрея Корионова, Екатерины Максимовой, Марии Романовой и других оказывались в репертуарах петербургских театров, а имена драматургов-современников Юрия Клавдиева, Натальи Ворожбит, Натальи Исаевой появились на городских афишах. Лаборатория действовала нон-стоп. Лучшие эскизы дорабатывались до спектакля и входили в репертуар подвала на Жуковского. Там же сформировалась система так называемых «свободных вторников», когда каждый самопровозглашенный режиссер мог прийти и показать свою работу худсовету, состоявшему из режиссеров, чьи имена уже попали в здешнюю афишу. При этом ежегодный фестиваль режиссерских эскизов с экспертным советом из театральных мэтров тоже продолжал существовать.

Именно на таких лабораториях удачно стартовали Дмитрий Волкострелов («Запертая дверь» по пьесе Павла Пряжко), Семен Александровский («Заполярная правда» по пьесе Юрия Клавдиева), Денис Хуснияров («Платонов. Живя главной жизнью» по пьесе Анастасии Мордвиновой). Кроме того, подвал на Жуковского, 18 стал своего рода открытой сценой для молодых бездомных независимых театров и разнообразных театральных коллабораций Петербурга: здесь играли спектакли «Этюд-театр», «Театр Тру», театр «Организмы». Казалось, любой театральный эксперимент найдет здесь пристанище. Так было до ноября 2013-го, когда Роспотребнадзор, реагируя на жалобу соседки, не запретил использовать подвал для проката спектаклей и не выселил активную и шумную лабораторию, несмотря на заступничество городского театрального сообщества и даже Смольного. На сезон 2013-2014 спектакли On.Театра приютил на «Новой сцене» Александринский театр, потом лаборатория переехала на край Васильевского острова, в кластер «Арт-муза», а Милена Авимская, отчаявшись найти помещение в центре (а это обязательное условие для экспериментальной площадки – кто ж поедет за тридевять земель смотреть то, не знаю что), перебралась в Москву: Антон Губанков, возглавив департамент культуры в Минобороны, пригласил деятельного молодого продюсера на должность заместителя директора Театра Российской армии. Бездействие властей и отъезд лидера и автора проекта предрешил его финал – режиссер Екатерина Максимова, ставшая исполнительным директором On.Театра, пыталась, но не смогла спасти положение: в 2016 году проект закрылся – формально по причине взлетевшей арендной платы. Однако не будет преувеличением сказать, что 80 процентов активно действующих сегодня 30-35-летних петербургских режиссеров вышло из подвала на Жуковского.

О. К.

«Театр Тру»

Театр, превращающий культурные мифы в современную музыку

Год создания: 2009. Создатель и руководитель: Александр Артемов.
В репертуаре театра: 7 текстов для исполнения. С театром сотрудничают: 5 актеров.

«Театр Тру» начался в 2009 году, когда из Ангарска в Петербург приехали два одноклассника – Александр Артемов и Дмитрий Юшков с собственным текстом «Нерест» и задачей «материализовать его в театре». Музыкальной сцены Артемову, сменившему немалое количество групп, стало недостаточно, но именно музыка, вернее, ее формообразующие – ритм и темп – определили эстетику возникшего независимого театрального коллектива. Артистов для первого спектакля искали долго и сложно, зато нашли сразу всех пятерых необходимых – Семена Афендулова, Андрея Панина, Евгения Сиротина, Александра Плаксина и Василия Титунина – в On.Театре на спектакле Валентина Люненко «Полковник-Птица». Сидя в зале как зритель, Артемов увидел бойз-бенд из мужчин после 30-ти, который и сегодня определяет брутальный стиль постановок театра. Премьера текста «Нерест» случилась в 2010 году в том же On.Театре – нецензурные мужские разговоры о рыбалке и секретах блеснения на глазах изумленной публики превращались буквально в песню. Хорошо темперированные тексты с метаиронией, заключенной в припеве-рефрене с матерными словами, удивительным образом вырастали до мифологического уровня размышлений о вечных вопросах бытия: кто я и что здесь делаю? «Нерест» имел четыре сценических редакции (как шутит Артемов, версий музыкального альбома) – в 2010, 2011, 2012 и 2015 годах.

Следующая постановка театра – «Так сказал Стас», спектакль, выросший из режиссерской читки на ТПАМе (ежегодная лаборатория «Театральное пространство Андрея Могучего») в марте 2010 года – монолог на основе дворовой лексики и интонаций, превращенный практически в музыкальную композицию. Могучий был очарован сибирским тандемом, увидев в них ту подлинность, которую считает главным критерием качества театра и которую молодые люди сознательно закодировали в названии (true – англ. истинный, настоящий). В каких бы жанрах ни работал театр, его основатели неизменно подчеркивают: в репертуаре театра – не спектакли, а тексты для исполнения в разных вариациях. То есть текст приоритетен, он важнее всего. Например, текст «Так сказал Стас» может быть исполнен «в полной темноте, под тромбон и под баян». Третьим и последним опытом соавторства Артемова – Юшкова в Петербурге стала героическая притча «Нет дороги назад», получившая Гран-при пермского фестиваля «Текстура».

В 2014 году для театра начался новый период – период тандема Александра Артемова и Настасьи Хрущевой – композитора, пианистки, кандидата искусствоведения, доцента Санкт-Петербургской консерватории. «Текст – некое музыкальное ритмическое полотно, которое затягивает. Как ритуал, который начался и его невозможно остановить» – так Хрущева описывает свой идеал театра. Ключевая для нынешнего «Театра Тру» постановка «Молодость жива» – его абсолютное воплощение. Наследуя Сергею Курехину и его поп-механике, Артемов и Хрущева погрузились в механику народной музыки с ее жанровыми делениями и музыкальными особенностями – и соединили ее с эстетикой бардовской песни (целью спектакля было исследовать мировоззрение поколения шестидесятников). Элементы эпоса, лирики, былины, элегии в сочетании с интонациями и романтическим посылом авторской песни создают необходимую форму для звучания текста и определяют типы героев в исполнении тех самых пяти актеров.

«Бойз-бенд» оказывался и в центре последнего на сегодняшний день спектакля «Театра Тру» – «Последний ветер Дикого Запада». Артемов и Хрущева попытались уловить в сети своих магических ритмов образы вестерна. Четверо грязных ковбоев встречаются в салуне с маятниковыми деревянными дверями и под чудовищный гнусавый перевод эпохи VHS рассказывают легенду об Алмазном быке, играющем в этой истории роль Священного Грааля. Ход «Театра Тру» снова работает: штампованный культурный миф превращается в музыку.

О. П.

Международный театральный центр «Легкие люди»

Частная актерская школа, выдающая диплом Университета кино и телевидения

Год создания: 2009. Основатели: Таня и Саша Вайнштейны.

«Легкие люди» – одна их самых крупных частных актерских школ в стране с большим выбором разных по длительности образовательных программ (курсы, мастер-классы, тренинги, интенсивы). Сначала супружеская пара Таня и Саша Вайнштейны, известные также как создатели площадки «Скороход», обустроили свою школу вблизи РГИСИ (Российская государственный институт сценических искусств, бывшая Петербургская театральная академия) на улице Белинского, затем переехали на Васильевский остров в лофт «Артмуза». За весь период существования «Легкие люди» выпустили более 4000 студентов, более 200 обучаются прямо сейчас. Основные классы – по актерскому мастерству, речи, физическому театру, драматургии и режиссуре, перформативным практикам, акробатике. В разное время с «ЛЛ» сотрудничали всем известные действующие лица современного российского театра, которых не зовут преподавать в РГИСИ: Иван Вырыпаев, Джулиано ди Капуа, Максим Диденко, Gogol School, Илья Ромашко, Илья Дель, Олег Жуковский, Семен Серзин, Денис Хуснияров, Ольга Белинская и другие.

C 2015 года по договору с СПбГУКиТ «ЛЛ» выдают студентам, полностью прошедшим программу курса «Актер театра и кино», диплом о переквалификации государственного образца; курс рассчитан на людей с высшим гуманитарным образованием. Каждая группа курса выпускает по 1-2 работы, поэтому за время существования «ЛЛ» здесь было показано не менее 200 спектаклей.

От остальных независимых образовательных проектов «ЛЛ» отличаются еще и обширной международной деятельностью. В частности, совместными проектами для представителей разных профессий в сфере искусства: например, проект для менеджеров арт-сферы Business of Art совместно с культурной фабрикой Korjamoo (Хельсинки). «ЛЛ» проводят выездную «Летнюю школу» в Италии и Испании, делают совместный проект артистов из 14 стран Европы Meeting the Odyssey. А в Петербурге устраивают мастер-классы зарубежных артистов – Дуды Пайвы и менее знаменитых.

Известность в городе получил проект «Здесь и сейчас» – встречи с трендсеттерами современного театра: Полуниным и Серебренниковым, Диденко и Вырыпаевым, театром АХЕ, Вениамином Фильштинским и другими.

А. К.

театр post

Российский постдраматический театр №1

Год создания: 2011. Создатель и руководитель: Дмитрий Волкострелов.
Спектаклей в репертуаре: 16. С театром сотрудничают: 7 актеров.

«Сближение актуального искусства и театра, поиск нового театрального языка и исследование современного мира театральными средствами» – манифест театра post, созданного в Петербурге в 2011 году выпускником курса Льва Додина Дмитрием Волкостреловым с актерами-единомышленниками. Первый же спектакль – «Запертая дверь» по пьесе белорусского драматурга Павла Пряжко, затронул ключевые позиции ментальности нулевых: получение информации о мире посредством скроллинга, социальный аутизм, реальность как симулякр. Первые спектакли театра post – «Июль» по пьесе Вырыпаева, «Хозяин кофейни» по пьесе Пряжко и уже названная «Запертая дверь» – расценивались как чрезвычайно удачные опыты в области постановок новой драмы. Но в сущности театр post с первых шагов последовательно открывает для российского театра категорию постдраматического, раз за разом доказывая, что театр может существовать без привычных категорий: конфликта, перипетий, завязки, кульминации и развязки. Даже на Марсе, куда недавно прибыли герои пьесы Пряжко «Мы уже здесь», люди живут так же бессобытийно.

Смыслообразующим в постановках театра становится не действие, а «ничто» в различных вариациях – небытие, скука, повседневная жизнь не интересных с точки зрения классической теории драмы людей.

Главная тема режиссуры Волкострелова – взаимоотношения человека с реальностью, но реальностью с маленькой буквы. Режиссеру важно воспроизвести ее формы и ритмы, услышать ее настоящий звук – и создать ее модель. Моделировать можно где угодно, поэтому театр post одинаково успешно существует на территориях сцены, бара, галереи современного искусства или городского парка. Иногда театр ставит своей целью создать такую модель в сознании зрителя – и этот процесс становится сутью спектакля (как в случае с двумя текстами американского композитора-минималиста Джона Кейджа «Лекция о ничто» и «Лекция о нечто», которые Волкострелов ввел в отечественный театральный обиход, или со спектаклем «Молчание на заданную тему», где зрители молчат вместе с актрисой Аленой Старостиной на тему, тут же придуманную режиссером). Последовательные размышления команды Волкострелова о европейских и американских авангардных течениях в искусстве восполняют этот ощутимый пробел в истории российской сцены.

«Работа мозга», стремление отразить в искусствоведческой логике художественную реальность Волкострелову не менее интересно, чем сама художественная реальность. Например, основой для спектакля «Художник извне и изнутри: Понтормо / Вазари / Ипполитов» стали соотнесенные друг с другом дневники флорентийского художника XVI века Якопо Каруччи да Понтормо, чьи фрески для церкви Сан-Лоренцо были сбиты монахами XVIII века и исчезли бесследно, биография Понтормо пера Джорджо Вазари, современника художника, и комментарии к обоим текстам нашего современника, искусствоведа Аркадия Ипполитова.

И все же главным драматургом для театра post пока остается Павел Пряжко. Последний спектакль театра «Диджей Павел», десятая по счету постановка по текстам белорусского автора – размышление о российской ментальности на материале популярных песен советской эстрады 1980-х годов.

О. П.

«Этюд-театр»

Постдипломные штудии «фильштов»

Год создания: 2011. Художественный руководитель: Вениамин Фильштинский. С 2011 по 2013 годы главный режиссер – Дмитрий Егоров, директор – Данил Вачегин. С 2013 по 2015 годы главный режиссер – Семен Серзин. 2014-2015 – директор Алексей Никитин. С 2015 года главного режиссера нет.
Спектаклей в основном репертуаре: 8. С театром сотрудничают около 30 актеров.

Создавая «Этюд-театр», Вениамин Фильштинский сделал все, чтобы у его курса 2011 года уже вне стен института появился дом и чтобы новый театр стал для вчерашних студентов вторым (практическим) университетом – чем-то вроде ординатуры у врачей. Директор Театра на Васильевском Владимир Словохотов пообещал предоставить в распоряжение нового коллектива свою малую сцену. Главным режиссером нарождающегося театра стал Дмитрий Егоров, выпускник мастерской Григория Козлова, имевший опыт руководства несколькими лабораториями и работы cо вчерашними студентами. Однако Словохотов очень быстро показал молодым, кто в доме хозяин и кто принимает окончательные решения, в том числе художественные. Так что первая взрослая премьера этюдовцев («Наташина мечта» по пьесе Ярославы Пулинович в постановке Дмитрия Егорова) вышла в пространстве On.Tеатра на Жуковского, 18. Так и не обретший обещанную площадку «Этюд-театр» стал работать на двух дружественных: в On.Tеатре и в «Мастерской» Григория Козлова. За два года руководства театром Дмитрий Егоров создал репертуар, состоящий из современных текстов («Развалины» Юрия Клавдиева, «Двое бедных румын, говорящих по-польски» Дороты Масловской, «Птица Феникс возвращается домой» Пулинович и другие), привел в театр молодых режиссеров Евгению Сафонову, Екатерину Гороховскую. И тут коллектив решил с «варягом» Егоровым расстаться, а бразды правления передать «свояку» Семену Серзину. К этому моменту On.Tеатр уже потерял помещение на Жуковского, и «этюдовцы» кочевали между площадкой «Скороход» и малой сценой Большого театра кукол. В этот период в театре ставили в основном «фильшты» (так в Театральной академии прозывают учеников Фильштинского) Забегин, Серзин, Джунтини, а постоянная группа артистов значительно уменьшилась. Лучший спектакль, выпущенный в этот период, – «Демоны» Семена Серзина – играется до сих пор, но уже в репертуаре «Невидимого театра». В период руководства театром Семена Серзина «Этюд» все больше стал прирастать актерами других театральных школ и театров, становясь мастерской не актеров, а скорее режиссеров Фильштинского. Когда в 2015 году Серзин ушел с должности главного режиссера, став просто одним из участников «Этюд-театра», «этюдовцы» под руководством директора Алексея Никитина нашли, наконец, дом – в кластере «Цархитектор» на Большой Конюшенной, 9 – площадку практически с отдельным входом, где за пару месяцев соорудили «черную комнату» и крошечное фойе с художественными портретами артистов, сотрудничающих с театром: Анны Донченко, Веры Параничевой, Филиппа Дьячкова, Надежды Толубеевой, Алены Митюшкиной, Андрея Вергелиса и других. Так что сразу стало видно, как много актерских талантов подарил городу именно «Этюд-театр». Для дома придумали имя «Площадка 51» (в честь 51-ой мастерской-аудитории РГИСИ, которую Фильштинский унаследовал у легенданого педагога Аркадия Иосифовича Кацмана) и перевезли сюда все спектакли «Этюд-театра». Здесь же стали выпускать свои театральные пробы выпускники первого чисто режиссерского курса Фильштинского: Николай Русский, Андрей Гончаров, Мария Селедец, Евгения Богинская.

Сейчас «Этюд-театр» – это спектакли Алексея Забегина («Мне мое солнышко больше не светит», «14+», «Чиполлино» – этакий театр для вечного подростка), Николая Русского («Снег любви» – театр писателя, ищущего сценическую форму для собственных литературных произведений), Андрея Гончарова («Морфий» – режиссер с медицинским образованием и практикой дотошно-физиологически воссоздает переживания наркомана и остраняет их сегодняшними аллюзиями). Но главное, что это постоянно пульсирующая, живая структура, куда выпускники Фильштинского могут прийти, чтобы сделать что-то в духе той творческой и человеческой свободы, которой учил их мастер.

О. К.

«Скороход»

Многофункциональная театральная площадка в помещении одноименной обувной фабрики

Год создания: 2012 (октябрь). Основоположники: Александр Вайнштейн, Татьяна Прияткина-Вайнштейн, Александр Кондратенко.

Площадка «Скороход» на пятом этаже здания постройки конца XIX века – это 362 квадратных метра театрального пространства и 217 – выставочного (использовалось). Фабрика на Московском проспекте, в чьей обуви, несносимой, как кирзовые сапоги, ходили многие поколения ленинградцев, теперь сдает излишки площади свободным художникам. Семейная пара Вайнштейнов (режиссер Таня и продюсер Саша) задумала свой «Скороход», вдохновившись московским проектом «Платформа». Таня Вайнштейн была и творцом, и вдохновителем – за первые три года в «Скороходе» показали 540 спектаклей (в том числе множества бездомных независимых театров), выпустили 200 премьер, осуществили 75 международных проектов. Здесь гастролировал Театр.doc, устраивались регулярные фестивали contemporary dance – фактически «Скороход» был единственным местом, где можно было увидеть наиболее полный срез этого театрального направления, отмечал 25-летие «Каравана мира» Слава Полунин. Кроме того, у «Скорохода» появился собственный репертуар, костяк которого составили работы Татьяны: с одной стороны – с акцентом на документальность, исследование социально важных тем: постродовая депрессия («Бейби-блюз»), миграция («Медовый вкус плодов»), сексуальная объективация женщины («Женщина как объект»), с другой – рожденные в поиске новых хореографических форм. Сложности наступили летом 2015 года: передача управления (Вайнштейны переехали на ПМЖ из России в Финляндию) совпала с финансовым кризисом. Пытались увеличить долю коммерческих проектов, в результате художественная жизнь площадки размылась. Новые творческие лидеры не находились, кризис не ослабевал. Летом 2017-го Татьяна выпустила тет-а-тет-спектакль для троих зрителей «Завтрак для чемпионов» – вызывающе некоммерческий проект. Возможно, название сработало как заклинание, и в начале 2018 года в «Скороход» пришла молодая команда обновленного «Такого театра» во главе с арт-директором Игорем Сергеевым и Владимиром Кузнецовым.

Однако спектаклями «Такого театра» планы Игоря Сергеева на площадку не ограничиваются. В апреле 2018 года запущен проект «Генерация», который, как планирует Игорь, значительно и быстро наполнит афишу площадки «Скороход» спектаклями молодых петербургских команд. Суть проекта в следующем: каждый месяц как минимум один молодой режиссер сможет представить свой проект с последующим профессиональным обсуждением. Авторы лучших эскизов получат возможность доделать и выпустить спектакль на площадке «Скороход». Среди участников проекта: Артем Томилов, Максим Фомин, Роман Каганович, Тимур Салихов, Галина Жданова и другие. На лето 2018 года намечена премьера Questioning / «Кто ты?» со швейцарским театром Magic Garden – совместный проект «Скорохода» и Pop-up театра Семена Александровского, а осенью здесь пройдет III форум независимого театра «Площадка vol.3», специальным гостем которого станет Иван Вырыпаев. Сотрудничество с Вырыпаевым продолжится: на апрель 2019 года намечена премьера по его новой пьесе «Иранская конференция» на тему обострившегося до предела конфликта «Восток-Запад».

А. К.

Театр ненормативной пластики

Драматический театр пластической режиссуры

Год создания: 2012. Художественный руководитель: Роман Каганович.
Спектаклей в репертуаре: 6. С театром сотрудничают более 10 артистов.

Выпускник режиссерского курса Андрея Андреева 2005 года и аспирантуры СПБГАТИ (режиссура пластики) Роман Каганович создал свой независимый театр в 2012 году. А уже в 2013-м Театр ненормативной пластики стал известен в Петербурге и за его приделами: Каганович выпустил моноспектакль «Юра» по блокадным дневникам 16-летнего мальчика Юры Рябинкина. Спектакль будто воскрешал не только блокадного призрака Юру, но и всю петербургскую чертовню, безумцев Гоголя и Достоевского. Герой рассказывал о себе, своей семье, лишениях блокады и приближающейся смерти, а его тело вело отдельный рассказ – о борьбе со смертью, о бунте против нее. Невидимая смерть бросала навзничь, спиной на пол с грохотом, а герой поднимался и снова говорил. Спектакль стал победителем Пермского «Моноfesta» и попал в список самых заметных спектаклей сезона 2013-2014 по версии экспертов «Золотой маски». Следующий спектакль «Обломов иль Я» был номинирован на премию «Прорыв».

Спектакли театра условно делятся на драматические («Юра», «Обломов иль Я») и пластические («Жисть», «ПоЗаконуЧеsти» «Ромео и Джульетта»), но и в драматических спектаклях Кагановича велика пластическая составляющая, а физическое существование артиста на сцене – сложная партитура, требующая особой телесной подготовки. И всегда именно пластическое решение становится ключевой метафорой. Так, например, в эскизе по пьесе «Каренин» Василия Сигарева режиссер заставил многочисленных лакеев престарелого Каренина прыгать, перелетая через его длинный рабочий стол как через козлы. В результате с первой сцены возникала тема старика в окружении бурной и укоряющей его молодости. Не имея ни своего помещения, ни продюсера, ни постоянной труппы (ТНП играет свои спектакли на площадке «ЦЕХа», в пространстве «Гостиной Vinci», в кластере «АртМуза», а живет в основном на личные средства режиссера и средства от продажи билетов), Театр ненормативной пластики все же обладает узнаваемым лицом, которое проявляется отчетливее всего, когда режиссерские задачи Романа Кагановича выполняет его однокурсник, актер Антон Леонов – Юра из одноименного спектакля, Захар, Ольга, Штольц и другие из «Обломов иль Я». Гротескная или естественная, но сочиненная режиссером от начала до конца, телесная жизнь присваивается этим артистом так, что это уже его пластика, его спонтанное телесное существование.

Правда, в последней по времени постановке Кагановича – «Сибирь» по пьесе австрийского драматурга Феликса Миттерера, созданной на грант комитета по культуре, – выдающимся образом существует Сергей Азеев. Произнося мучительный, но важный для слушателя монолог умирающего в приюте старика, он умудряется телом создать дополнительную реальность – и эта беспомощность, эти адские танцы с костылями и ходунками едва ли не более красноречивы, чем слова.

О. К.

Театр «ЦЕХЪ»

Компания режиссеров-праудинцев под одной крышей

Год создания: 2013. Художественный руководитель: Михаил Каргапольцев. Спектаклей в репертуаре: 13. Актеров в постоянной команде: 20.

Несмотря на то, что курс Анатолия Праудина 2013 года выпуска в Петербургской театральной академии, казалось, состоял из кардинально несхожих и самодостаточных в творческом плане личностей, большинство из них приняли решение остаться вместе и создать собственный Театр «Цехъ свободных художников».

Поначалу руководитель Камерного театра Малыщицкого Светлана Балыхина-Малыщицкая пригласила молодую яркую команду работать к себе на площадку. Объединение двух театров произошло на добровольно-неформальных началах и на взаимовыгодной основе. Сюда перекочевали некоторые учебные работы праудинцев, а в сентябре новый театр «Цехъ свободных художников» сыграл на сцене Театра Малыщицкого две своих премьеры. Но «две хозяйки», как водится, не ужились на одной кухне. И вскоре «ЦЕХЪ» оказался вынужден искать себе собственный дом. Так появилась площадка во дворе дома №2 на Конюшенной площади, на верхнем этаже, с окнами на Спас-на-Крови. Разумеется, на правах аренды.

Перестелили пол, покрасили в черный цвет стены. И даже стулья тут выглядят как арт-объекты совриска: оформлены в едином стиле с помощь проволоки красного, белого и черного цветов, но двух одинаковых вы не найдете. И стали ставить и играть спектакли – отчасти на гранты комитета по культуре, отчасти – на заработанные средства.

Уникальность этого объединения в том, что под одной крышей свободно работает целый ряд интересных молодых режиссеров, причем, когда один ставит, другие у него в спектакле играют, а потом он сам играет у остальных. В «ЦЕХЪ» надо идти, чтобы увидеть «Неизлечимых» по произведениям Тэффи и Аверченко в постановке Александры Мамкаевой, «Нос» по Гоголю Виктора Бугакова, «Любовь к трем апельсинам» Михаила Каргапольцева, «Анну Франк» Виталия Дьяченко по пьесе Аси Волошиной. Это очень разный, но всегда игровой театр с оригинальными находками, с чувством стиля и формы.

В январе 2016 года Анатолий Праудин с невероятно органичным артистом Иваном Решетняком (выпускником того же 2013-го) и художником Игорем Каневским отправились в экспедицию на Донбасс. Устроились работать на химический завод и получили разрешения жить в рабочем поселке «Площадка №2», через который тогда проходила линия фронта. Дважды чуть не погибли. Результатом стал мощный аутентичный спектакль «Донецк. Площадка №2», который тоже играется в «ЦЕХЕ».

В феврале 2018 года прошла режиссерская лаборатория «Вторая смена», в результате в «ЦЕХЪ» влились выпускники нового курса Праудина.

В сезоне 2018 – 2019 гг. театр «ЦЕХЪ» 28 сентября обрел новый дом на Чкаловском проспекте (2 минуты от метро “Чкаловская”): пространство площадью 250 кв. м. с высокими потолками, в котором могут разместится порядка 150 зрителей.

О. К.

Театральная гостиная VINCI и Мастерская современного театра

Свободные образовательные проекты, повышающие уровень театральной культуры

Годы создания: VINCI – 2013, МСТ – 2016.

Театральная гостиная VINCI – это авторский образовательный проект тандема Марии Галязимовой (режиссер) и выпускника актерского курса Григория Дитятковского, а по первому образованию – программиста (ИТМО) Алексея Козлова: мастер-классы, лекции, а также многомесячные курсы актерского мастерства, пластики, сценической речи для профессионалов и любителей от ведущих педагогов РГИСИ и практиков театра – Юрия Васильева, Яны Туминой, Максима Фомина, Петра Семака, Михаила Каргапольцева и других. Первые два года хватало одной площадки – помещения в 150 квадратных метров в цокольном этаже с отдельным входом на Большой Пушкарской, 29. Однако проект стремительно развивается и сейчас использует также помещения театра «Цехъ», кластера «АртМуза», просветительского центра Федоровского собора, театральные залы Музея-квартиры Достоевского и Нового эстрадного театра. Проект VINCI функционирует еще и как прокатная площадка для независимых постановок. В 2017 году было 58 показов уже готовых спектаклей, реализовано 47 образовательных проектов, мастер-классы и курсы прошли 597 человек, среди которых 120 профессионалов.

В 2016 году Мария и Алексей придумали МСТ – Мастерскую современного театра: прежде всего это лаборатории молодых режиссеров, которые организуются два раза в год – в осеннюю и весеннюю сессии. В апреле 2018 года сессия прошла во второй раз на площадках шести городских театров. Главная идея состоит в том, что эскиз – это модуль, который может быть встроен в тот или иной театр. Поэтому Алексей вступил в переговоры с городскими стационарами – «Балтийским домом», ТЮЗом, «Приютом комедианта»: они предоставили свои мощности для репетиций и выразили готовность продолжить сотрудничество с создателями эскизов. Однако ни одна сессия режиссерскими эскизами не ограничивается – в апреле 2018, к примеру, по приглашению МСТ лекции о современном театре прочли Марина Давыдова и Павел Руднев, Дмитрий Волкострелов опробовал формат лекции-практикума, а мастер-классы дали Александр Андрияшкин и Борис Павлович. Как специалист по SMM-технологиям, Алексей Козлов с успехом раскручивает и продвигает свои проекты. Прежде всего с помощью созданного им в сети «ВКонтакте» самого крупного театрального паблика в России (более 160 тысяч подписчиков) – сообщества «Современный Театр», где можно найти большинство эскизов и лекций прошедшей сессии, которые уже посмотрели 125 тысяч пользователей (просмотр новостей во время МСТ имел рейтинг более миллиона). В перспективе у проекта – выход на федеральный уровень и создание интеллектуальной театральной билетной системы, функционирующей на основе анализа предпочтений пользователей.

А. К.

Новый императорский театр

Молодой театр, ищущий новые формы с оглядкой на Европу

Год создания: 2014. Создатель и руководитель: Олег Еремин. Продюсер: Мария Слоева.
Спектаклей в репертуаре: 5. Артистов в постоянной команде: 8.

Театр возник в 2014 году, потому что выпускники курса Арвида Зеланда не захотели расставаться со своим педагогом по мастерству Олегом Ереминым, а он – с ними. Однако название появилось только спустя три года, после выхода спектакля «Троянки». И чтобы понять, откуда оно взялось, стоит вспомнить, что Олег Еремин, окончив в 2006 году курс Вениамина Фильштинского и получив режиссерский диплом, был принят в Александринский театр, где ставил спектакли в камерных пространствах, а на большой сцене ассистировал Фокину, Могучему, Гинкасу, Терзопулосу, Кристиану Люпе. То есть успел хорошо узнать, что такое старинный императорский театр. В спектакле Люпы «Чайка» в 2007 году Олег Еремин даже сыграл Костю Треплева, унаследовав от героя склонность к манифестам и новым формам. Манифест Нового императорского театра декларирует подрыв театральных авторитетов, но при этом верность традициям. А один из пунктов звучит так: «Будущее – только художественное». Художественность для создателей Нового императорского театра – главный критерий и в работе с актерами, и в выборе текстов, и в сценографии, и в костюмах. Что вполне уживается с поисками новых форм. Для этой команды нормой оказалось три года репетировать программный спектакль «Троянки».

При этом команда Нового императорского может сорваться и поехать смотреть, например, немецкую премьеру Кристофа Марталера, да и вообще любит современный немецкий театр. Первый спектакль – «Холодное дитя» – создан по тексту Мариуса фон Майенбурга, постоянного автора берлинского «Шаубюне». Создавая второй свой опус – «Вон!» по произведениям Даниила Хармса, Олег Еремин и его артисты размышляли о хите театра «Фольксбюне» времен Касторфа, спектакле Murmel Murmel Герберта Фритча. Во время выпуска «Троянок» в 2017 году нашлась относительно постоянная площадка – дворец «Олимпия» на Литейном, 14: эстрадное пространство подошло тексту Еврипида – полукруглая сцена в центре превратилась в античную орхестру, а зал словно нарочно выстроился амфитеатром. «Троянки» – явный оммаж греческому режиссеру Теодоросу Терзопулосу и его актерским тренингам: работа с голосовыми модуляциями, артикуляцией, вызывающе незрелищный подход к актерской физиологии превращают просмотр спектакля в тяжелый труд, но вполне работают на историю о войне как тотально разрушительном процессе.

В том же 2017 году выпустили site-specific перфоманс «Любовь и деньги» по тексту современного британского драматурга Денниса Келли в пространстве фешенебельного универмага в центре города Au Pont Rouge. А также опробовали идею коллаборации – четыре актрисы Нового императорского театра и приглашенный режиссер берлинского Дойчес театра Йозуа Рёзинг представили спектакль «Лебеди» на Новой сцене Александринки по только что переведенной на русский язык пьесе «Лебеди капитализма» современного немецкого драматурга Маттиаса Науманна.

Новый императорский театр – один из немногих независимых коллективов, который работает с постоянным художником. Сергей Кретенчук, выпускник Ростовского художественного училища, а также курса Эдуарда Кочергина в РГИСИ, превращает каждый новый спектакль в театральное 3D-шоу с тщательно проработанным фоном – светящимся лазурью экраном с желтой объемной орхидеей в «Троянках» или стерильно-белым глянцевым полотном в спектакле «Любовь и деньги». Костюмы к спектаклям – почти подиумные: нейлоновые комбинезоны с вышивкой или кожаные галифе, латексные корсеты или белые хлопковые майки-алкоголички, меховые шубы или грубые черные кожаные ботинки. Определяющим для Кретенчука оказывается игра с тканевыми материалами, фактурой и формой. Не случайно Новый императорский мечтает о постановке по Мольеру. Но останавливает отсутствие постоянного финансирования: пока что основной источник средств для театра – краудфандинг.

О. П.

Камерный театр Малыщицкого

Авторский театр конца 1980-х, нашедший нового автора

Год создания: 1989 (как театр «Юпитер»). Создатель и первый руководитель (с 1989 по 2008 год): Владимир Малыщицкий. Художественный руководитель (с 2008 по настоящее время): Светлана Балыхина-Малыщицкая. Главный режиссер (с 2014 по настоящее время): Петр Шерешевский.
Спектаклей в репертуаре: 15. Артистов в постоянной труппе: 34.

Владимир Малыщицкий – одна из легенд неофициального театрального Ленинграда. Из его театра «Студио» в Институте железнодорожного транспорта (ЛИИЖТе) возник Молодежный театр в Измайловском саду. Он один из тех, кто ставил смелые тексты: «100 братьев Бестужевых» Голлера, «Сандро из Чегема» Искандера, спектакли по текстам Володина и Окуджавы, которые запрещались обкомом КПСС. Он первым в России в 1993 году поставил «Заповедник» Довлатова. После ухода из жизни мастера наступил период проб и ошибок: театр не сдавался, искал, здесь ставили Александр Кладько, Владимир Л. Воробьев, Ольга Самохотова, Александр Никаноров, Петр Васильев. Однако новую историю Камерного театра Малыщицкого можно отсчитывать с 2014 года, когда он соединился с режиссером Петром Шерешевским.

Театр в пространстве не то что камерном, а крошечном: пятачок фойе, узкий прямоугольник зрительного зала, три-четыре зрительных ряда, располагающиеся то по длинной, то по короткой стене прямоугольника (выходит от 56 до 96 мест), – вот и все, чем располагает Театр Малыщицкого на улице Восстания, 41 (по этому адресу он на правах аренды существует с 2002 года). К тому же он живет организационными принципами студии: артисты выполняют и работу монтировщиков, гардеробщиков, администраторов, не получая при этом зарплату, а лишь поспектакльные (только на них и хватает скромных доходов от продажи билетов). Грант, который театр получает раз в год от комитета по культуре (около миллиона рублей), целиком идет на постановочные расходы. Тем не менее, в Театре Малыщицкого есть постоянная команда артистов, как работающих в театре с его основания, так и пришедших в последние годы. И в спектаклях Шерешевского «старый» Театр Малыщицкого и молодые и приглашенные артисты соединились, наконец, в единый коллектив нового авторского, режиссерского театра. Семь спектаклей режиссера: «Конформист» по роману Моравиа, «Железные двери» по собственной пьесе Шерешевского, экшен по Шеспиру «Гамлет. eXistenZ», «Не отпускай меня» по роману Кадзуо Исигуро, «Обыкновенное чудо» Шварца, «Глаза дня/Мата Хари» по пьесе Елены Греминой и «Замок» по Кафке – это и есть лицо обновленного Театра Малыщицкого. Определенно, это театр поисковый, эстетский, театр эксцентрики и яркой театральности на расстоянии вытянутой руки, театр, словно бы игнорирующий крошечные размеры игровой площадки и всеми возможными художественными средствами размыкающий, трансформирующий ее. В репертуаре театра также идут спектакли петербургских режиссеров Дениса Хусниярова («Ч/Б»), Петра Васильева («Двенадцатая ночь», «Вечера на хуторе близь Диканьки»), Валентина Левицкого («Квартира») и других востребованных молодых режиссеров. Спустя столько лет это все еще театр, действительно независимый ни от господдержки, ни от меняющихся театральных трендов, театр своего, особого пути.

О. К.

Летний фестиваль искусств «Точка доступа»

Первый в России фестиваль театра site-specific

Год создания: 2015. Создатели и руководители: Филипп Вулах, Андрей Пронин.

«Точка доступа. Театр в городе» – так в 2015 году назывался созданный театральным критиком Андреем Прониным и продюсером Филиппом Вулахом первый в России фестиваль site-speсific theatre. Говорящее название определяло уникальную ориентированность «Точки доступа» на городские пейзажи как неотъемлемую часть спектаклей. Буклет первого фестиваля разъяснял происхождение термина site-specific и его исторические корни, называя знаковые постановки в этом направлении: «Дионис-69» Ричарда Шехнера, «Бесы» Анатолия Васильева, театральные опыты Феликса Баррета и Punchdrunk. И, конечно, проекты группы Rimini Protokoll с их экспериментами по созданию новой реальности в привычной среде улиц и площадей.

Для первой «Точки доступа» ключевым стало театральное освоение городских окраин. Постановка «В сторону белого КАМАЗа» – театральная антология микрорайона вокруг метро «Удельная», составленная Всеволодом Лисовским, Александрой Ловянниковой, Лешей Лобановым и Верой Поповой из реальных историй жителей этого северного спального района. Спектакль «Кентерберийские рассказы» Александра Артемова и Дмитрия Юшкова в гипермаркете района «Купчино» – ироничный комментарий к текстам «отца английской поэзии» Джефри Чосера, вписанный в пространство «Максидома», где сакральным значением наделялись обыкновенные бытовые вещи, выставленные на продажу. На первой «Точке доступа» показали всего пять спектаклей. Плюс к названным – спектакль Андрея Гогуна (сына Сергея Гогуна, одного из значительных персонажей первой волны независимого театра в Ленинграде-Петербурге 1990-х) «Потеря равновесия» о советских буднях российского флота на Заводе слоистых пластиков, спектакль по текстам Бродского в библиотеке и знаменитая «Мокрая свадьба» театра АХЕ на территории Старого Речного вокзала.

Но огромные перспективы фестиваля были очевидны.

В следующем году название и программу расширили. «Летний фестиваль искусств» включал в себя не только театральный лайн-ап, но и кинопоказы, и паблик-арт. Афиша интриговала материалом и именами молодых режиссеров. «Гамлет. Гаджет» Александра Савчука – спектакль в салоне сотовой связи, «Сталкер» Бориса Павловича в подвале лютеранской кирхи, «НеПрикасаемые» Михаила Патласова во дворе православного храма, «Путями Каина. Трагедия материальной культуры» Максима Диденко – театральный ритуал на набережной Невы по символистской поэме Максимилиана Волошина (первый в истории фестиваля гастрольный спектакль), «Другой город» Семена Александровского – променад по Петербургу со звуками Амстердама, Парижа или Венеции в наушниках, «Разговоры беженцев» Константина Учителя: Брехт на Финляндском вокзале («Беженцы» получили номинацию на «Золотую маску» как «Лучший спектакль-эксперимент» и впоследствии совершили гастрольный тур по стране). А на третий год фестиваль стал международным, включающим в афишу помимо Rimini Protokoll («В гостях. Европа»), еще и немецкую экспериментальную театральную труппу andcompany&Co с лекцией-перформансом «Мавзолей-буфф. Возвращение в Леннонград», и финскую арт-группу Toisissa tiloissa со спектаклем-квестом «Охота» (в котором участники примеряют на себя повадки волков). Стало понятно: «Точка доступа» не только знакомит зрителя с постановками site-speсific theatre, но, тщательно отслеживая мировой театральной контекст, исследует меняющиеся границы театра, в котором смешиваются ритуал, перформанс, иммерсивный театр и многое другое. Неизменным остается одно: точкой сборки спектакля всегда оказывается зритель.

Откуда проект берет средства? С миру по нитке: гранты комитета по культуре Петербурга и СТД, в 2017 году в силу обилия швейцарских проектов – еще фонд Pro Helvetia, с 2018 года о постоянной поддержке проекта объявил Фонд Михаила Прохорова, что отлично характеризует «Точку доступа» – организация, которой четко, внятно и уверенно руководит Ирина Прохорова, абы кого не поддерживает.

О. П.

Pop-up театр

Партизанский «театр вычитания»

Год создания: 2015. Создатель и руководитель: Семен Александровский. Продюсер: Анастасия Ким. Спектаклей в репертуаре: 5.

«Задача этого проекта – не просто создавать новые спектакли, но расширять само понятие слова «театр», выходить за рамки, разрушать границы, исследовать реальность и самому становиться объектом и субъектом изучения» – формула Pop-up театра образца 2018 года. Проект начался в 2015-м с фестиваля современных независимых театров Москвы и Санкт-Петербурга – на один месяц на одной площадке по адресу Итальянская, 17 в одну афишу были собраны спектакли Театра.doc, театра post, театра «Практика», «Театра Тру» и других независимых коллективов двух столиц. Случайность найденного пространства превратилась в принципиальный отказ от постоянной театральной площадки и стала основой концепции «партизанского театра» – именно так спустя три года станет называть стратегию проекта Семен Александровский, закончивший тот же курс Льва Додина, что и основатель театра post Дмитрий Волкострелов. Помимо очевидной тактики выживания, для театра эта стратегия – еще и возможность открывать и исследовать новые пространства: площадкой для спектаклей, помимо театральных сцен, может стать городская набережная, улица или обычный бар.

Программной для проекта оказалась постановка «Топливо», выросшая из проекта «Человек.doc», затеянного лабораторией «On.Театр» Милены Авимской. В основе – интервью с IT-предпринимателем, создателем электронных словарей Lingvo Давидом Яном, self-made story, обработанная драматургом Евгением Казачковым и рассказанная со сцены актером Максимом Фоминым. Из декораций – отсутствие декораций: спектакль может быть сыгран в любом пространстве. Из костюмов – отсутствие костюмов: Фомин одет в обыкновенные джинсы и свитер. Словосочетание «театр вычитания» и цитата Йозефа Бойса: «Каждый человек ­– художник» – определяющие для понимания режиссуры Александровского, который раз за разом пытается ответить на вопрос: без какого из обязательных театральных компонентов театр все же может существовать? В спектаклях «Другой город», «С Чарльзом Буковски за барной стойкой», «Обратная сторона вещей» режиссер вычитает актеров. Вместо них – звук в наушниках и пространство, где оказывается зритель. В первом случае – кропотливые режиссерские саундтреки, составленные из звуков трех европейских городов (для каждого зрителя на выбор) и набережные реки Фонтанки, Невы и Лебяжьей канавки (для всех). Во втором – монолог Чарльза Буковски, прочитанный самим режиссером, и барная стойка со стаканом пива. В третьем – голоса: зала, ковра или иных окружающих публику предметов – и пространство старейшего универмага Петербурга. Перемещая театральные акценты, Александровский, явно учитывая опыт швейцарско-немецкой группы Rimini Protokoll, конструирует свои спектакли так, что ставит в центр зрителя, делая именно его одновременно и главным действующим лицом происходящего, позволяя ему пережить исключительный опыт.

О. П.

Социально-художественный театр (СХТ)

Самый социально-ответственный театр Петербурга

Год основания: 2016. Художественный руководитель: Лариса Грачева. В постоянной труппе: 25 актеров. Спектаклей в репертуаре: 15.

Театр возник из выпускного курса мастерской профессора Ларисы Грачевой в РГИСИ. Своей площадки не имеет, обнаружить спектакли СХТ можно на площадках «Балтийского дома», «Театра поколений», «Этюд-театра», в «Скороходе», в театре «Цехъ». Идея создания театра возникла после первого курсового спектакля в ритме рок-н-ролла «Зло» по роману Ян Гийу: в фокусе острая тема подростковой агрессии как следствия насилия в семье. Тема изживания зла стала магистральной для молодой команды, сформировала мировоззрение, репертуар курса («Фантомные боли», «Три истории», «Сотворившая чудо» и т.д.) и дальнейшую судьбу. Одновременно у Ларисы Грачевой шла большая научная работа в возникшей по ее инициативе лаборатории психофизиологии исполнительских искусств (существует с 2004 года совместно с Институтом мозга человека РАН и РГИСИ): исследует воздействие актерского тренинга на студентов и людей с ограниченными возможностями, с различными формами зависимостей, детей из приютов и детдомов. И сегодня СХТ не только выпускает спектакли, но и проводит акции с такими людьми. Например, весной 2018 года стартовала программа «Психокоррекция эмоционально-поведенческих характеристик взрослых средствами актерского тренинга» с группой «Тренинг внутренней свободы», в которую входят люди, попавшие в трудную жизненную ситуацию и прошедшие реабилитацию после лечения от нарко- и алкозависимости. В марте 2017 года состоялась премьера проекта «Пьесы жизни» с участием актеров театра и этих людей, а в апреле 2018 в спектакль «Пьесы жизни» добавились новые участники, прошедшие тренинг в этом сезоне.

В планах театра – работа с режиссером Галиной Ждановой, репетиции «Идиота», а также новый социальный проект с детьми из детдома.

А. К.

Проект Maailmanloppu

Театр, увлеченный квир-теорией и контрасексуальностью

Год создания: 2016. Руководители: Алина Шклярская, Александра Абакшина. Постоянного репертуара нет.

Maailmanloppu – театральный проект, который ведет себя не как театр: у него нет ни постоянного места, ни команды, ни даже единой темы высказывания. Под этой маркой выпущено по меньшей мере пять спектаклей, несколько читок и полуобразовательных проектов. Эти спектакли объединяют авторы, интеллектуальный дискурс и сходная внешняя стилистика.

За длинным словом Maailmanloppu (по-фински – апокалипсис) скрываются драматург Алина Шклярская и режиссер Александра Абакшина. Для обеих это не единственное место работы (Александра, например, училась в магистратуре у Марата Гацалова и ставит спектакли в «Балтийском доме»). Поэтому события проекта нерегулярны и чаще возникают в нетеатральных пространствах, в основном в барах – Maailmanloppu существует на средства участников и стремится к самоокупаемости. Спектакли отличают нарочитая кустарность и несобранность: из вспомогательных средств – проектор и дружественный DJ, участники – сами организаторы и/или их друзья. В целом события проекта Maailmanloppu напоминают читки экспресс-лабораторий с падающими листами бумаги, неразобранным текстом и импровизациями по обстоятельствам.

Подобный импровизационный формат призван подчеркнуть идеологический посыл проекта: Шклярская и Абакшина работают с квир-теорией и киберфеминизмом – направлениями социальной философии, которые замалчиваются или мало изучаются в России. Так, вербатим «Невесомость», самый успешный среди продуктов команды (на его счету гастроли в московском Театре.doc и участие в Квир-фесте), посвящен людям, чья гендерная идентичность нестабильна или неконформна – спектакль выводит своих героев из «серой зоны». Последний из выпущенных спектаклей – «Семь предикатов Саломеи/OYAGG», который играется в небольшом питерском баре Unterwelt на Конюшенной, 9, – вводит в отечественный театральный обиход «Контрасексуальный манифест» профессора политической истории тела Поля Пресьядо (до 2014 года известен как Беатрис Пресьядо и открытая лесбиянка). Текст 2000 года говорит о социальных перформансах, навязывающих обществу гетеросексуальность как биологическую истину. Контрасексуальная теория Пресьядо предлагает уход от противопоставления маскулинности и феминности за счет изъятия из центра сексуального поведения пениса и вагины и помещения в него ануса и дидло, роль которого может играть любая часть тела.

Т. Б.

Городской театр

Театр профессиональных наблюдателей

Год создания: 2016. Художественный руководитель: Наталья Лапина.
Спектаклей в репертуаре: 10. Актеров в постоянной команде: 16.

Городской театр, как и многие независимые театры Петербурга, вылупился из курса РГИСИ. Это курс Сергея Черкасского, который, сам исследуя с научной точки зрения Первую студию МХТ, заразил интересом к ней своих учеников. В результате учебный процесс шел таким образом, что каждый из студентов-актеров, выбрав себе персонажа из Первой студии, исследовал его творчество, а на каком-то этапе чуть ли не отождествлял себя с ним. Один был Гиацинтовой, другой Готовцевым, третий Михаилом Чеховым, четвертый Серафимой Бирман, пятый Вахтанговым и так далее. Разумеется, среди выпускных спектаклей появились и «Гибель «Надежды» Гейерманса, и «Сверчок за очагом» Диккенса.

Как известно, Станиславский несколько раз предлагал артистам Студии влиться в МХТ, но те наотрез отказывались, отстаивая свою творческую независимость. Выйдя из стен РГИСИ, их наследники, за исключением нескольких человек, которые показались и были приняты в труппу Льва Додина, тоже решили идти своим путем. В худруки ребята позвали молодого режиссера Наталью Лапину, которая работала с ними на курсе. В репертуар новорожденного театра, названного Городским, перетекли «Сверчок за очагом» и «Двойное непостоянство», спектакль – речевой аттракцион, поставленный педагогом курса Валерием Галендеевым. За первый сезон было выпущено пять премьер. «ЖЗЛ: Жизнь замечательных людей» – спектакль по документальным историям о родственниках создателей спектакля. «Жители разных планет» (совместно с Социально-художественным театром) – квартирник по текстам Володина и других писателей второй половины XX века о человеческих несовпадениях. «Моя жизнь» по рассказу Чехова, спектакль-оммаж Зиновию Корогодскому. «Не я», основанный на наблюдениях за жизнью города. И спектакль «Вахтангов_Чехов.docx», сочиненный из 8 автобиографий, 4 учебников по актерскому мастерству, 30 статей, а также писем, лекций и многочисленных архивных материалов про Первую студию. В текущем сезоне вышли «Левша» по Лескову и первый детский спектакль Городского театра «День, когда я проснулся» по мотивам сказок Туве Янссон о муми-троллях. Почти все спектакли поставила сама Наталья Лапина.

Команда Городского театра не раз декларировала желание стать государственным театром, но поддержки у чиновников не встретила. Несмотря на то, что умудрилась получить несколько профессиональных наград, а спектакль «ЖЗЛ» вошел в лонглист самых заметных спектаклей сезона 2016/17 годов премии «Золотая маска». В результате, помыкавшись два года, молодая команда отыскала помещение с посильной арендной платой на Литейном проспекте, 46 в знаменитом садике Сен-Жермен – и 12 мая открыла здесь Камерную сцену премьерой «Пикника на обочине», сообщив своим поклонникам, что это будет дилогия по Стругацким: вторая часть – «Понедельник начинается в субботу» – выйдет в ближайшее время. Здесь, по словам Натальи Лапиной, планируется не только играть спектакли, но и устраивать мастер-классы, кинопоказы, открыть актерскую студию для детей и взрослых, основанную на принципах поколенческого воспитания Зиновия Корогодского, к которому худрук Городского театра, выросшая в ленинградском ТЮЗе, относится с большим пиететом.

Завершит второй сезон Городского театра очередная режиссерская лаборатория, которая позволит пополнить список постановщиков этого театра.

О. К.

«Горизонтальный театр»

Последовательные и основательные проекты Бориса Павловича особого социального значения

Год создания: 2017. Создатель: Борис Павлович. Осуществленных проектов: порядка 10. Команда создается новая для каждого проекта.

Борис Павлович – один из первопроходцев в области социального театра в России, но он предпочитает не использовать слова «социальный» или «инклюзивный». «Современное искусство – не обязательно продукт алхимии редких одиноких мэтров, которые творят за толстыми стенами своих лабораторий. Как раз наоборот, искусство может быть местом встречи тех, кто никогда бы не встретился в иной ситуации. Искусство может отменить устойчивые «вертикальные» иерархии нашего социума. Художником оказывается не носитель специальных технических навыков (пения, пластики, выразительной речи), а человек как таковой – если, конечно, он готов начать открытый диалог с другими людьми. Поэтому мне лично нравится другое, более образное определение – «горизонтальный театр», – говорит Павлович.

Формально организации с названием «Горизонтальный театр» не существует. Но каждый социальный проект Павловича мог бы быть определен именно этим термином.

До появления формулы «горизонтальный театр» Борис Павлович использовал в интервью образ грибницы, объясняя, как могут выстраиваться связи внутри социума. Первые опыты такого театра Павлович проводил в Кирове в качестве руководителя ТЮЗа на Спасской. Он последовательно выстраивал новые для города связи с театром: запустил несколько культурных проектов, среди которых открытые литературные чтения в кафе и драматическая лаборатория для непрофессионалов при ВятГУ. Устроил конкурс сочинений старшеклассников «Я (не) уеду из Кирова», победители которого участвовали в одноименном спектакле в Театре на Спасской.

После Кирова Андрей Могучий пригласил Бориса Павловича заниматься социальными проектами в БДТ. В результате получилось новая для театра инфраструктура: педагогическая лаборатория для учителей, проект «Новые люди» для старшеклассников (школьники писали тексты о том, что такое, на их взгляд, новые люди сегодня, а затем профессиональные режиссеры создавали по ним спектакли, в которых те же дети играли) и работа с людьми с ментальными особенностями (спектакль «Язык птиц», который идет до сих пор).

В декабре 2016 года Павлович покинул БДТ. Найдя финансовую поддержку у социально-ответственного фонда «Альма Матер», он вместе с продюсером и автором журнала «Театр» Никой Пархомовской затеял проект «Разговоры» в пространстве «Квартира». Участники проекта сняли на правах долгосрочной аренды квартиру круговой планировки во дворе на Мойке. Группа молодых художников, в числе которых студентка Эдуарда Кочергина и жена Бориса Ольга Павлович, превратили ее в уютный, полный аутентичных предметов лабиринт, где теоретически век назад вполне могли встречаться писатели-обэриуты, и устраивают там уникальные встречи. Каждый зритель, купивший билет, оставляет в прихожей обувь и одежду, получает мягкие войлочные тапочки и оказывается в гостях, среди хозяев – профессиональных актеров и художников театра, а также людей с ментальными особенностями, студентов центра «Антон тут рядом», которые затевают разные игры, имеющие отношение к творчеству Хармса и других обэриутов. Каждый зритель волен выбирать любую модель поведения и взаимодействия с хозяевами. «По-моему, дать человеку с аутизмом возможность высказаться – гораздо важнее, чем создать артефакт искусства, – считает Павлович. – Самое главное – найти то, чем мы можем быть друг другу интересны: не навязать, не обязать, а просто взять и встретиться». Спектакль заканчивается именно встречей – чаепитием на маленькой кухне с угощениями, которые приносят гости, и хлопотами хозяев вокруг гостей. Об этом проекте, который имеет еще и версию для школьников, читайте подробный текст его продюсера Ники Пархомовской в этом номере.

P.S. Понятие «Горизонтальный театр» окончательно закрепилось в театральном словаре благодаря фестивалю NET. В конце 2017 года он впервые организовал офф-программу на две столицы: Борис Павлович и Ника Пархомовская собрали в афише лучшие проекты социального и инклюзивного театра. Среди них были «НеПрикасаемые» Михаила Патласова – документальный проект о людях без определенного места жительства; «Зеркало» – совместный проект молодого режиссера Дмитрия Крестьянкина и Социально-художественного театра, где право голоса обретают подростки из приюта; спектакль «Упсала-цирка» «Я – Басё!» при участии детей с синдромом Дауна, получивший «Золотую маску» в 2018 году; поездка на машине с бомбилой от «Театра. На вынос»; «Тридцать шесть недраматических ситуаций» Небольшого драматического театра и Веры Поповой при участии актеров и людей из центра «Антон тут рядом». И те самые «Разговоры» Бориса Павловича в «Квартире».

С. К.

Невидимый театр

Независимое театральное объединение вокруг режиссера Семена Серзина

Год создания: 2017. Руководитель: Семен Серзин. Спектаклей в репертуаре: 7. С театром сотрудничают около 30 артистов.

Название возникло по аналогии с «Невидимой книгой» Довлатова, которую Семен Серзин поставил в сентябре 2016 года по заказу организаторов «Дня Д», нового городского праздника, возникшего по инициативе снизу, подхваченной историком Львом Лурье, который создал идеологию этого народного проекта. У Довлатова не было перспектив напечататься, он писал в прямом смысле в стол – отсюда и название автобиоргафических заметок, полное горького сарказма. В случае Серзина особой горечи нет, но есть внятный намек на то, что в Петербурге по-прежнему не существует схем, выводящих из тени молодой театр. Режиссеров по-прежнему почти не зовут крупные стационары, грантов комитета по культуре хватает или на постановки, или на аренду: как хочешь, так и крутись. И ведь крутятся. Вопреки.

История «Невидимого театра» развивалась так. В мае 2017 года спектакль Семена Серзина «Любовь людей», выпущенный им в «Этюд-театре», исчез из афиши театра и всплыл на новой площадке Karlsson Haus (Фурштадская, 30) под шапкой «Невидимый театр». С тех пор без собственного помещения, продюсера и юридического лица «Невидимый театр» Семена Серзина стал заметным петербургским коллективом. В нем играют как актеры «Этюд-театра», выпускники мастерской Фильштинского, так и актеры «Мастерской» Козлова, Малого драматического театра, Большого театра кукол. Репертуар «Невидимого» можно разделить на две части: спектакли по современным пьесам («Демоны» и «Саша, вынеси мусор» Натальи Ворожбит, «Любовь людей» Дмитрия Богославского), которые играются на площадке Karlsson Haus, и буквально изобретенные Серзиным спектакли-квартирники («Стыдно быть несчастливым» по произведениям Володина, довлатовская «Невидимая книга» и «Как хорошо мы плохо жили» по стихам и дневникам Бориса Рыжего), которые чаще всего идут в пространстве Social club. Кроме самого Серзина, в его театре как режиссер и актриса работает его однокурсница Алессандра Джунтини, уроженка Италии, которая приняла решение (в том числе и по семейным обстоятельствам) остаться и работать в России. Частый участник «Невидимых» начинаний – художник Софья Матвеева.

«Невидимый театр» – это уже не театр одной школы, одной мастерской, но точно театр единомышленников, или, точнее, театр закадычных приятелей, ровесников, современников повзрослевшей петербургской театральной шпаны конца нулевых.

О. К.

Студия перформативных искусств «Сдвиг»

Театральное пространство для тех, кто хочет и двигаться, и думать

Год основания: 2017. Художественный руководитель: Антон Вдовиченко. Постоянного репертуара нет.

Студия перформативных искусств «Сдвиг» открылась в феврале 2017 года. Несколько выходцев из других независимых площадок, таких как «Скороход» и ByeByeBallet, задумали организовать место, которое сочетало бы резиденцию для хореографов современного танца и сцену. Своеобразие «Сдвигу» должен был придать еще один компонент – образовательный. К практикам должны были присоединиться те, кому интересен не только сам танец, но и теоретические выкладки о нем.

В мае 2017-го запускавший проект Александр Кондратенко уступил место танц-художнику Антону Вдовиченко, но концепция площадки не изменилась.

Антон, который сначала появился в «Сдвиге» как один из преподавателей танца, называет проект патриотическим. Студия ориентирована на создание местной «точки силы» contemporary dance, однако пока она больше притягивает людей из современного искусства, чем питерскую танцевальную тусовку.

«Сдвиг» полностью координируется всего тремя людьми, но уже через год после открытия их ресурсов хватает на самоокупаемость и полноценную полугодовую программу. Весенняя сессия совмещала в равной мере три компонента: лекции по истории и теории современного танца, мастер-классы для практикующих (в особенном почете буто) и театральное пространство, где устраиваются перформансы, которые в случае успеха могут повториться несколько раз.

Лекционная программа пока состоит из отдельных событий, не связанных друг с другом, но уже осенью команда планирует открыть первую ридинг-группу, посвященную текстам о движении под негласным девизом: «Чтобы читать не только про Пину Бауш». Ведущей станет Анна Козинина, исследователь танца, чьи научные интересы близки к современному искусству.

Если стиль лекционной программы можно определить как «Современная мысль на стыке движения и арта», то представления пока не обрели узнаваемого лица. Здесь соседствуют знаменитый швейцарец Ян Маруссич – тот самый, что проверяет возможности тела в заполненной стеклом ванне, и московский тандем хореографа Татьяны Гордеевой и драматурга Екатерины Бондаренко, которые весьма успешно осваивают жанр «лекция – пластический перформанс», исследуя таким образом самые разные явления: от русской классики до социальных сбоев и табу.

Т. Б.

«Театр. На вынос»

Стрит-арт театр, разыгрывающий питерские СМИ

Год создания: 2017. Создатель: Алексей Ершов. Создано 25 событий. Актеры: случайные прохожие.

«Театр. На вынос» придумал студент курса Геннадия Тростянецкого в РГИСИ Алексей Ершов, причем в непростой ситуации. Сначала ему случайно в уличной потасовке сломали челюсть по время участия в проекте Михаила Патласова «Цель визита», затем Тростянецкий выгнал со своего курса его и Максима Карнаухова за то, что они много пропускали и занимались своим проектом «Театр. На вынос». Курс Тростянецкого был для Алексея Ершова не первым: раньше он учился на курсе Андреева, но решил на свою голову перейти к другому мастеру.

Вдохновленный социальными проектами Йозефа Бойса, Бэнкси и Георга Жено, Алексей Ершов придумал перспективную идею для современного театра: он выходит на улицу и предлагает случайным прохожим до вечера создать с ним вместе спектакль и показать его зрителям. А дальше сообщает об этом «ВКонтакте», приглашая всех желающих бесплатно спектакль посмотреть. Первыми актерами такого стрит-арт-театра стали музыканты в метро: вместо того, чтобы собирать деньги в конце песни, они их раздавали. Среди героев были также профессиональный повар, накормивший зрителей ужином и рассказавший о своей жизни; бездомный; мальчик на футбольном поле (театр Ершова помогал ему создать свою футбольную команду из зрителей); шахматист в Катькином садике (перед Александринкой) и городской сумасшедший, который ходит с плакатом с изображением своих умерших родственников. Театр даже стал участником проекта «Горизонтальный театр» в рамках фестиваля NET в Петербурге.

Есть у «Театра. На вынос» еще одна идея – спектаклей-бродилок Poe.tri. Ее развивает главный режиссер театра Максим Карнаухов. Современные поэты устраивают прогулку по важным для них местам для всех желающих. В проекте уже участвовали Мария Абих, Егор Енотов и Дмитрий Адемин.

Новый участник команды Данила Вачегин привнес в существование «Театра. На вынос» некоторое количество постмодернистского стеба: бывший директор «Этюд-театра» и руководитель проектов «Курехин-центра» выстраивает фрик-образ «человека-метамодерна (самопровозглашенного)», обладает кредитом доверия в среде петербургских журналистов и, как выяснилось, может убедить их в чем угодно. В ноябре 2017 года во вполне уважаемых региональных СМИ появилась новость, что на 11-й линии Васильевского острова, 56 построят помещения для «Театра. На вынос» с жилой зоной — соответствующая табличка на заборе прилагалась. Тогда молодым театром впервые заинтересовались не только журналисты, но и полиция. 12 марта 2018 года театр сообщил, что строительство здания, которое все же велось все это время на 11 линии, приостановлено: рабочие обнаружили в котловане останки маленького шерстистого носорога. Данила Вачегин щедро раздавал комментарии о том, что носорога решили назвать «Йосей», потому что в отличие от Иосифа Бродского он все же пришел умирать на Васильевский остров. The Village – одно из немногих популярных изданий, которое удосужилось проверить информацию: разумеется, ни о каком строительстве театра и носороге речи не шло, это был всего лишь замороженный на много лет котлован для строительства жилого дома. Розыгрыш курехинского толка на этом не закончился: 19 мая театр торжественно передаст останки шерстистого носорога Йоси Музею стрит-арта на Заводе слоистых пластиков.

Было дело, Алексей Ершов и Максим Карнаухов все же хотели продолжить образование и получить режиссерские дипломы: по их словам, Марат Гацалов был готов взять их на курс, но ГИТИС выступил против – вроде бы приняв во внимание антирекомендации Геннадия Тростянецкого. Важно, однако, что создатели «Театра. На вынос» по этому поводу не унывают. Они уже съездили на гастроли в Тулу, Сергиев Посад и Берлин, где, как и в Петербурге, устраивали спектакли со случайными прохожими. А сейчас готовят новые постановки: для Abuse opera театр собирает личные истории людей о побоях и драках, а для организации бродилки «Закладки» намерен использовать механизмы нелегальной торговли наркотиками. Еще планируется спектакль с участием актера Ильи Деля «=ё32ешг2шь» по пьесе, написанной котом театрального критика Алексея Киселева.

С. К.

Редактор материала Жанна Зарецкая