Глоссарий современного танца

В отличие от относительно молодого российского, мировой contemporary dance чрезвычайно обширен, и далеко не все, кто достоин упоминания, попали в наш номер. Театр. подготовил глоссарий, в котором постарался собрать значимые имена хореографов (или компаний) зарубежного современного танца
В некоторых словарных статьях стоят ссылки на статьи из раздела «Тексты», в которых можно найти более подробную информацию о хореографе или труппе. Глоссарий не претендует на энциклопедическую дотошность и энциклопедический охват, а является лишь подспорьем для читателей журнала.

Багуэ, Доминик

Dominique Baguet

• 9 июля 1951, Ангулеме — 9 сентября в 1992, Монпелье (Франция).Танцовщик, хореограф, ключевая фигура французской новой волны в современном танце.
• Получил классическое образование в каннской школе Розеллы Хайтауэр. После чего начал работу в балетной труппе Большого театра Женевы под руководством Альфонсо Ката, где через полгода после зачисления Багуэ станцевал в балетах Баланчина.
• Прошел кастинг в труппу балетмейстера Феликса Бласка, скоро поступил в брюссельскую труппу Мориса Бежара. Активно интересуется происходящим в лаборатории Каролин Карлсон в Парижской опере, становится участником группы «Чандра», вышедшей из бежаровской школы «Мудра». В 1974 году едет в США, учится техникам Марты Грэм и Хосе Лимона, изучает методики Мерса Каннингема, Триши Браун, Лара Любовича — ученика Грэм, Лимона и Энтони Тюдора
• В 1976 году представляет первую премьеру Chansons de nuit на конкурсе в Баньоле, получает первую премию. Основывает в Монпелье компанию своего имени и в 1980‑м становится там же директором одного из первых региональных центров современной хореографии. В 1981 году основывает фестиваль Montpellier Danse. 1980‑е — время Багуэ. Он ставит спектакли, с помощью центра и фестиваля поощряет развитие авторского танца во Франции.
• Хореографический почерк Багуэ — веселый, ироничный, театральный, зрелищный. Хореографию Багуэ исполняют Парижская опера, Лионский балет, Большой театр Женевы, Ирландский танцевальный театр.
• После смерти Багуэ от СПИДа в 1992 году участники его труппы создают ассоциацию Les Carnets Bagouet («Дневники Багуэ»), сохраняющую права на постановки хореографа. Компания Багуэ показывала в России его «Прыжок ангела».
• Работы: «Chansons de nuit» (1976), «Voyage organize» (1977), «Insaisies» (1982), «Déserts d’amour» (1984), «Le Crawl de Lucien» (1985), «Fantasia semplice et Assaï» (1986), «Le Saut de l’ange» (1987), «Meublé sommairement» (1989), «Jours étranges et So Schnell» (1990), «Necesito» (1991).По материалам lescarnetsbagonet.org

Бауш, Пина

• Philippine Bausch
  27 июля 1940, Золинген — 30 июня 2009, Вупперталь (Германия).
  Танцовщица и хореограф, крупнейшая фигура театрального искусства XX века.
• Дочь владельца небольшого кафе. С детства занималась танцами, была солисткой детского балета Вупперталя. В 1955‑м поступила в «Фолькванг-шуле» Курта Йосса. В 1958‑м по академическому обмену уехала в США, где занималась у Энтони Тюдора, Хосе Лимона и Альфредо Корвино.Танцевала в компании Пола Санасардо, «Метрополитенопере» и New American Ballet c Полом Тейлором. В 1962‑м по приглашению Йосса вернулась в Эссен и стала солисткой «Фолькванг-балета», который возглавила после выхода учителя на пенсию. В 1968‑м поставила дебютную работу «Фрагмент» на музыку Бартока. Первые десять лет многие зрители не принимали спектакли Бауш, но профессионалы оценили ее талант сразу: в 1969 году она получила первую премию на международном конкурсе хореографов в Кёльне за композицию «В ветре времени» на музыку Дорнера.
• С 1973‑го и до самой смерти работала главным хореографом в Вуппертале. Вуппертальская труппа формировалась из разновозрастных танцовщиков со всего мира, причем многие из них совершенно не соответствовали общепринятым балетным канонам. Первым большим успехом театра танца Пины Бауш стала постановка оперы Глюка «Ифигения в Тавриде». Как и другие работы того периода, она была решена в духе немецкого экспрессионизма. Более поздние постановки Бауш отличались от ранних черно-белых яркостью и живописностью. Экзотические «спектаклипутешествия» рождались прямо там, где выступал театр: в Будапеште и Палермо, Стамбуле и Токио, Лиссабоне и Гонконге. В Москву труппа приезжала шесть раз, но последние гастроли проходили уже без Бауш.
• Бауш, которую интересовало «не то, как люди движутся, а то, что ими движет», оказала огромное влияние на современный танец и расширила границы танцевального театра: артисты выходят в зал, зритель вовлекается в действие. Бауш использовала в спектаклях любую музыку от классики до эстрады и джаза, легко комбинируя детские песенки с авангардом, оперные арии с попмузыкой. Оформление ее спектаклей могло быть совершенно неожиданным — песок, торф, вода, цветы и т. д. Она стала активно применять видеопроекцию. И практически отказалась от либретто. Разговор, музыка и движение (далеко не всегда танцевальное) в ее спектаклях были абсолютно равноправными.
• Ритуал и повседневность, свобода и насилие, чувство собственного достоинства и презрение к себе — для Бауш не существовало закрытых тем. В ее хореографии много элементарных пластических действий, чисто бытовых движений и деталей. Это не регламентированный балет, когда каждый делает то, что предписано: в спектаклях Бауш артисты действуют «по обстоятельствам», согласно рожденному внутри импульсу.
• Бауш сняла фильм «Плач императрицы» (1990). Играла у Федерико Феллини («И корабль плывет», 1983) и у Педро Альмодовара («Поговори с ней», 2002). Ей посвящен фильм Вима Вендерса «Пина. Танец страсти» (2011) и многочисленные документальные ленты. Была замужем за театральным художником Рольфом Борцигом, оформившим многие ее спектакли. После его смерти 1980 году познакомилась с чилийским поэтом Рональдом Кеем, от которого родила своего единственного сына Ральфа Саломона.
• Наиболее значимые работы: «Орфей и Эвридика» (на музыку Глюка), «Весна священная» (на музыку Стравинского), «Семь смертных грехов» (на музыку Курта Вайля), «Он берет ее за руку и ведет в замок…» (на музыку Рабена), «Кафе Мюллер» (на музыку Перселла), «Контактхоф» (на сборную музыку), «Гвоздики» (на музыку Шуберта, Гершвина, Легара), «Виктор» (на сборную музыку), «Палермо Палермо» (на музыку Грига, Паганини и народную), «Дансон», «Мойщик окон», «Мазурка фого», «Аква», «Для детей вчерашних, сегодняшних и завтрашних», «Бамбуковый блюз», «Sweet mambo» (все — на сборную музыку).
• Ника Пархомовская

Браун, Триша

Trisha Brown

• Родилась в 1936 году в Абердине (Вашингтон). Танцовщица и хореограф.
• Впервые привлекла внимание публики показом своих работ в 1960‑х в Judson Dance Theatre, где работала вместе с единомышленниками Стивом Пакстоном, Ивонн Райнер и другими. В 1970‑м вместе с Пакстоном создала экспериментальную балетную труппу Grand Union и собственную «Компанию Триши Браун», которая вскоре стала одним из ведущих коллективов современного танца. В 1983‑м привлекла к сотрудничеству художника Роберта Раушенберга и композитора и певицу Лори Андерсон. Вместе они создали знаменитые работы «Установка и переустановка» и «Неустойчивые молекулярные структуры».
• Вдохновленная собственным хореографическим опытом в постановке оперы «Кармен» Лины Вертмюллер, стала активно работать в опере. Триша Браун — первая из женщин-хореографов, получившая почетную стипендию Фонда Макартура. В 1998‑м удостоена звания Рыцаря Ордена искусств и литературы Франции. В 2000 году она получила звание Офицера этого же Ордена, а в 2004‑м — Командора. «Установка и переустановка» включена в учебный план французских студентов для получения степени бакалавра в изучении танца. Имеет множество других престижных наград и званий, является Почетным членом Американской академии искусств и литературы.

См. подробнее в статьe Виты Хлоповой «Американский танец ХХ века: зачем Терпсихора надела кроссовки».

 

«Батшева»

Batsheva

• Израильская танцевальная компания. Основана в 1964 году баронессой Батшевой де Ротшильд, чье имя носит театр, и американским хореографомреформатором Мартой Грэм, которая первые два года возглавляла «Батшеву».
• В 1974‑м труппа получила статус государственного театра. С момента создания и до 1979‑го ведущей танцовщицей «Батшевы» была Рина Шенфельд. Ведущей танцовщицей коллектива на протяжении многих лет была также Рена Глюк. В настоящее время в труппе театра 40 танцоров из Израиля и других стран. Коллектив много гастролирует по Израилю и за рубежом: основной состав «Батшева Данс» и младшее подразделение «Батшева Ансамбль» в целом дают по 250 спектаклей в год.
• Худруком «Батшевы» в 1990 году был назначен Охад Наарин, автор танце-вального стиля gaga. За время работы в коллективе поставил более 20 спектаклей. Как правило, его работы бессюжетны, сконцентрированы на передаче психологического состояния человека и выявлении его физических возможностей. Гага является не только стилистической основой для спектаклей «Батшева Данс», но и имеет много последователей по всему миру. Сам Наарин говорит, что «гага — не стиль и не техника, гага помогает развитию балета, где нужна гибкость, скорость, выразительность и понимание задачи каждого движения». Открытые уроки по обучению основам гага регулярно проводятся по всему миру для всех желающих.
  Ада Шмерлинг

Бель, Жером

Jérôme Bel

• Родился в 1964 году в Монпелье (Франция). Танцовщик и хореограф, один из лидеров движения «не-танец».
• В 1983 году, увидев на фестивале в Авиньоне работы Пины Бауш и Анны Терезы де Кеерсмакер, решил всерьез заняться танцем. Учился в Национальном центре современного танца в Анже (1984— 1985). C 1985 по 1991 годы работал танцовщиком в спектаклях известных хореографов Франции и Италии. В 1992 году был ассистентом Филиппа Декуфле в постановке церемоний Зимних олимпийских игр в Альбервиле. 12 лет работал с Фредериком Сегетом.
• О критериях выбора танцовщиков для своих спектаклей-перформансов пишет так: «У меня нет никаких критериев, я не выбираю. Мы просто встречаемся и начинаем работать».
• Одна из самых известных вещей — перформанс «Жером Бель», участники которого работали с наготой и проблемами самоидентификации. Работа Беля «The show must go on» (2001) оставалась в репертуаре немецкого «Шаушпильхаус» на протяжении нескольких лет. В 2004 году был приглашен в Парижскую оперу, где осуществил постановку «Veronique Doisneau» из своей знаменитой серии перформансов, названных в честь реальных исполнителей (танцовщиков).
• В 2010 году сотрудничал с Анной Терезой де Кеерсмакер в проекте «3Abschied», а в 2012 году поставил спектакль «Disabled Theater» для участников швейцарского театра «Hora». См. об этом спектакле в статье Евгения Бори‑ сенко «Тело современного танца».
  Соня Левин

Борн, Мэтью

Matthew Bourne

• Родился в 1960 году в Лондоне. Хореограф и режиссер, создатель жанра «пьеса без слов».
• С детства мечтал выступать на сцене, танцем заинтересовался в 22 года. Пытаясь найти адекватный способ самовыражения, поступил в «Лабан Центр». В 1986 году с группой друзей основал танцевальную труппу Adventures in Motion Pictures, где работал танцовщиком, хореографом и директором. В 1999‑м перестал танцевать и сосредоточился на постановочной деятельности. С 2002 года — художественный руководитель труппы New Adventures, для которой возобновил многие из своих прежних работ.
• Борн не только ставит балеты собственного сочинения, он активно участвует в создании популярных мюзиклов, телевизионных фильмов и драматических спектаклей. Созданию оригинальных историй предпочитает пересказ чужих сюжетов — все его балеты являются вольным переложением классики: «Щелкунчик» начинается в сиротском приюте, в «Лебедином озере» партии лебедей исполняют мужчины с обнаженными торсами, действие «Кармен» перенесено в автомастерскую. Большой поклонник кинематографа, Борн наполняет спектакли цитатами из любимых фильмов.
• Борн — кавалер Ордена Британской империи и лауреат множества премий (в том числе пятикратный обладатель премии Лоуренса Оливье и единственный британец, получивший «Тони» и как хореограф, и как постановщик мюзикла). Считается самым успешным хореографом Великобритании. Его компания занимается танцевальным образованием среди молодежи и поощрением начинающих хореографов. Первая книга о нем вышла еще в 1999‑м, к 25‑летию его творческой деятельности в 2012‑м была переиздана.
• Отличительная особенность почерка Борна — эклектичность, совмещение техники современного танца с элементами эстрадного шоу. Поклонники ценят хореографа за чувство юмора и умение рассказывать истории. Специалисты обвиняют его в недостатке танцевальности, чрезмерном увлечении массовой культурой и желании эпатировать публику любой ценой.
• Наиболее значимые работы: трилогия на музыку Чайковского (1992‑й — «Щелкунчик», 1995‑й — «Лебединое озеро», 2012‑й — «Спящая красавица»), «Хайланд флинг» (по мотивам «Сильфиды»), «Золушка» (на музыку Прокофьева), «КарМэн» (на музыкуБизе), «Пьеса без слов» (по мотивам фильма «Слуга» Джозефа Лоузи), «Дориан Грей» (на музыку Терри Дэвиса).
  Ника Пархомовская

Вальц, Саша

Sacha Waltz

• Родилась в 1963 году в Карлсруэ (Германия). Танцовщица и хореограф. Последовательница школы Мэри Вигман.
• Училась танцу в Амстердаме в школе SNDO c 1983‑го по 1986‑й и в НьюЙорке с 1986‑го по 1987‑й. После поездки в Америку вернулась в Европу и с 1988 года начала активно сотрудничать с известными художниками и музыкантами, такими как Тристан Хонсингер, Дэвид Замбрано, Марк Томпкинс, Франс Полестра, Лори Боот. В 1993 году совместно с Йоханом Зэндингом основала в Берлине компанию «Саша Вальц и гости». Первая крупная работа Саши Вальц — «TravelogueTrilogie» (1993–1995). С ней компания при поддержке Гетеинститута осуществила турне по городам Северной Америки. Последняя часть цикла была показана на гастролях в Москве, как и следующий спектакль «Аллея космонавтов» (1996), посвященный обитателям «хрущоб» в восточной Германии. В 1998 году интернациональная труппа Саши Вальц пополнилась артистами из московского «Класса экспрессивной пластики» Геннадия Абрамова, с которыми она создала новый проект «На земле».
• В 1999 году Вальц создала «DialogeProjekte», в котором исследовала связи танца и архитектуры.
• С 1999 по 2004 годы руководила театром «Шаубюне» (Берлин) совместно с Томасом Остермайером, где задачу своей работы формулировала так: «Танец часто остается принадлежностью очень узкого круга, варится в самом себе. Я же хочу открыть его широкой публике. Это моя цель в театре «Шаубюне». В «Шаубюне» поставила трилогию о теле: «Körper», «S», «noBody», а также хореографическую инсталляцию «Insideout». «От невинных игр с образами тела в медицине, искусстве, науке, моде („Körper“) Вальц обращается к сюрреалистической игре c его фантастическими, вымышленными формами („S“), чтобы в „noBody“ исследовать „нетелесноe“, связанное с исчезновением тела как физического объекта», — пишет об этом грандиозном триптихе Ольга Гердт.
• Гостями компании Саши Вальц уже стали около 250 артистов со всего мира. Компания является лауреатом множества премий и наград, среди них кавалерский крест Ордена «За заслуги перед ФРГ». Сейчас компания базируется на площадке Radial Sistem B (Берлин), открытой Сашей Вальц в 2006 году.
  Соня Левин

Ван Дайк, Анук

Anouk Adriana van Dijk

• Родилась в 1965 году в Велпе (Голландия). Хореограф и танцовщица.
• В 1985‑м окончила роттердамскую Академию танца. Работала с танцевальными компаниями в Нидерландах и по всему миру. В 1998‑м основала компанию «Anoukvandijk dc». Известность ей принес пластический спектакль «Nothing Hurts», поставленный совместно с Фальком Рихтером в 1999‑м. Примерно в то же время начала разрабатывать особую систему тренировок под названием «каунтертехника» (сountertechnique). Метод преподавания каунтер-техники развивается и систематизируется в течение последних 15 лет и сейчас преподается самой Анук ван Дайк и ее танцовщиками. С 2009‑м роттердамская Академия танца ввела в учебный план четырехгодичный обязательный курс по каунтер-технике. В 2000‑м Анук ван Дайк поставила в Екатеринбурге спектакль «Am I out?» для труппы «Провинциальные танцы». В 2004‑м в рамках московской летней школы современного танца «ЦЕХ» провела двухнедельную лабораторию с русскими танцовщиками, в результате которой была представлена московская версия ее спектакля «STAU». В 2011‑м ван Дайк стала художественным руководителем австралийской танцевальной компании «Chunky Move».
• Значимые работы: «Microman» (2000), «Heads», «Trust» (2010, совместно с Фальком Рихтером).
  Алла Шендерова

Вандекейбус, Вим

Wim Vandekeybus

• Родился в 1965‑м в Бельгии. Режиссер, хореограф, актер и фотограф.
  Отец Вима был ветеринаром, и в детстве он проводил много времени с животными, что в дальнейшем повлияет на его балеты. В 1978‑м совместно с Октавио Итюрбе выпускает спектакль «Чего не помнит тело», который получает широкую известность. В 1986‑м после двух лет работы с Яном Фабром создает экспериментальную творческую структуру Ultima Vez («Последний раз»). С Ultima Vez Вандекейбус снимает фильмы, ставит балеты, рассказывает со сцены и с экранапритчи, изучая взаимодействие людей между собой и с тем, что их окружает.
• В 1989‑м вместе с композитором Тьери де Мейемом создает спектакли «Дурные вестницы» и «Тяжесть руки», в которых актеры сосуществуют на сцене с музыкантами. Для Вандекейбуса, как и для большинства хореографов его поколения, характерно сочетание танца со словом и с живой музыкой.
• В 1990–1993 появляются постановки «Розеланд», «Все так же лгать», «Обман», «Ее тело не соответствует ее душе», а также киноверсии этих спектаклей. В 1993‑м труппа Ultima Vez становится стационарной компанией в Королевском фламандском театре. Появляются спектакли «Горы, возведенные собачьим лаем», «Так прикрываются все взрослые», «Семь невысказанных секретов», «Вопреки пожеланиям и стремлениям», «Раз жизнь взята взаймы…».
• В 1997‑м Вандекейбус выступает как актер и танцовщик в сольном спектакле «Тело, тело на стене», поставленном Яном Фабром. В дальнейшем по спектаклю снимается семиминутное кино. Энергия и краски буквально переполняют этот фильм, представляющий собой визуальное свидетельство отчуждения человеческого тела. Вим Вандекейбус воплощает мысль Фабра: «Тело, одновременно описываемое и выставляемое напоказ, осознает, что его эксплуатируют, и жалуется на свою участь», — пишут о нем критики.
• Среди других работ: «Элба и Федерико» (1993), «Лишенные счастливого союза» (1996), «Нераскрытая тайна» (1997), «Задевая за самое сокровенное» (2001), фильм «Взгляд» (2005).
  Алла Шендерова

Годдер, Ясмин

Yasmeen Godder

• Родилась в Иерусалиме в 1973 году. Танцовщица и хореограф. С 1984‑го живет в Нью-Йорке, училась танцу в университете Нью-Йорка Tisch School of the Arts. Позже продолжила обучение в рамках проекта Movement Research в Нью-Йорке.
• С 1997‑го работает как независимый хореограф. Ее работы принимали участие в фестивале в Линкольн-центре в Нью-Йорке, на международном фестивале в Токио, Rencontres choreographiques в Париже, Enzimi в Риме, фестивале в театре The Place в Лондоне, Hebbel Am Ufer в Берлине. Сегодня Ясмин Годдер — директор танцевальной студии в Яффо, где она ставит спектакли и обучает своим методикам. Ее работы часто ставят во главу угла проблемы коммуникации. В одном из последних спекталей Годдер Climax танцоры, по словам критика Дины Годер, «двигаются в студии среди зрителей — выходят в пролет лестницы, скачут, хохочут, плачут, поют, берут зрителей и выводят их в круг, танцуют вокруг зрителей, поставленных толпой, выводят одного в центр, становятся в центр сами, рычат дикими кошками, раздеваются догола, катаются по полу. И все время не теряют контакта со аудиторией — смотрят прямо в глаза, цепляют, как рыбу на крючок».
• Ясмин Годдер создала несколько постановок для DTW и The Kitchen в Нью-Йорке, для театра «Маабада» в Иерусалиме, для фестиваля Curtain Up в Тель-Авиве, для фестиваля танца в Монпелье. Она уделяет много времени общественной деятельности в Яффо, где преподает в местном арабо-еврейском культурном центре для детей и подростков. В 2001 году получила премию «Бесси» в НьюЙорке за постановку «I feel funny today».
  Соня Левин

Грэм, Марта

Martha Graham

• 11 мая 1894, Аллегейни — 1 апреля 1991, Нью-Йорк. Танцовщица и хореограф, создательница труппы, школы и танцевальной техники своего имени, одна из так называемой «великой четверки» (The Big Four) основоположников американского танца модерн, куда также входили Дорис Хамфри, Чарльз Вейдман и Ханья Хольм.
  Семья Грэм была религиозной и считала танцы грехом, но однажды Марте было разрешено пойти на концерт известной танцовщицы Рут Сен-Дени. Несмотря на строгость взглядов, родители Марты были не против ее обучения в колледже. «Вассар колледж», куда ее прочили родители, был известен и своими спортивными традициями, и суфражистскими симпатиями. Однако, увидев выступление Рут Сен-Дени, Марта захотела стать именно танцовщицей. В 1913 году ей разрешили поступить в «Школу экспрессии» в Лос-Анджелесе, затем она училась в школе «Денишоун», которую основала сама Сен-Дени вместе с партнером Тедом Шоуном в Испании.
• В те годы на танец смотрели главным образом как на развлечение — он был составной частью водевилей, костюмированных представлений, светских балов. Статус искусства имел только один вид танца — балет, который в Америке считался европейской штучкой. В американских же танцевальных школах учениц готовили для участия в шоу и кабаре и относились к ним соответственно. Но Марта хотела быть не девушкой из кабаре, а настоящей артисткой. Она с гордостью вспоминала позднее в мемуарах, что единственная в школе была освобождена от строгого надзора, которому подвергались все другие девушки, на том основании, что «Грэм — это искусство». Впоследствии все ее мужчины смотрели на нее снизу вверх, как на художника и гения.
• В ее эпоху бытовали жесткие стереотипы мужского и женского; мужчины в танце выражают себя в толчковых прямолинейных движениях, а женщины — в плавных движениях, совершающися по траекториям кривых. Грэм заявила, что она «не хочет быть ни деревом, ни цветком, ни волной». В танце она отказалась от стандартного взгляда на женственность и стремилась к тому, чтобы сделать своих персонажей сильными и даже маскулинными. В теле танцора, по мнению Грэм, зрители должны видеть человека вообще — дисциплинированного, способного к высокой концентрации.
• Очень многие комментаторы отмечали связь Грэм с феминизмом. На суперобложке одной из ее биографий помещена цитата, взятая из статьи в The New York Times: «Наиболее воинственная и наиболее талантливая феминистка, Марта Грэм освободила и женщину, и танец!» Хотя она сама считала, что не принимала участие в движении за эмансипацию, своим танцем Грэм ломала стереотип «женщина — это слабое существо».
  По материалам Википедии

Димчев, Иво

Ivo Dimchev

• Родился в 1976 году в Болгарии. Хореограф и перформер.
• Играет спектакли в Брюсселе, Вене, Нью-Йорке, Филадельфии, Сеуле, Амстердаме, Афинах, Париже, Сан-Паулу, Дрездене, Берлине, Загребе. В его лице современный танец вторгся в пространство перформативного искусства с особой, невиданной прежде дерзостью.
• Иво Димчев дает мастерклассы в Национальной театральной академии в Будапеште, в Королевской танцевальной консерватории в Антверпене, в Hochschule der Künste в Берне, в DanceWeb в Вене. Основатель и художественный директор Humarts foundation в Болгарии, которая каждый год проводит Национальный конкурс современной хореографии.
• C 2009‑го после мастерклассов в Dasarts academy в Амстердаме Иво Димчев переехал в Брюссель, где открыл пространство для перформансов Volksroom, которое каждую неделю предоставлялось художникам со всего мира. В 2014‑м открыл MOZEI в Софии, независимое пространство, деятельность которого концентрируется вокруг современного искусства и музыки. Cм. подробно в статье Сони Левин «Мужское и женское в современном танце» и в интервью Майи Праматаровой «(Не)Хореограф».

Дюбуа, Оливье

Olivier Dubois

• Родился в 1972 в Кольмаре (Франция). Хореограф, по версии журнала Dance Europe признан одним из лучших танцовщиков в мире в 2011 году.
• После учебы в Национальном институте восточных языков и цивилизаций в возрасте 23 лет решил посвятить себя танцу.
• В 1999‑м поставил первый сольный номер «Under cover». Сотрудничал с Карин Сапорта, Сашей Вальц, Анжеленом Прельжокажем, с Цирком дю Солей. В 2003–2007 годах работал с Яном Фабром, которого называет своим учителем.
• В 2006‑м по заказу SACD делает первую работу для Авиньонского фестиваля в рамках проекта LE SUJET À VIF 2 VIF2 и с тех пор становится постоянным участником Авиньона и других престижных фестивалей. В 2007‑м создает собственную танцевальную компанию. Тогда же начинает регулярно работать с Каримой Мансур, которая возглавляет Центр современной хореографии в Каире. С 1 января 2014 года руководит труппой Ballet du Nord и Национальным хореографическим центром РубеНорд-Па‑де-Кале, сменив на этом посту Каролин Карлсон. Известен также как педагог — проводит многочисленные семинары в танцевальных компаниях и школах за рубежом: Венской опере, Национальной школе в Афинах, Каирской опере, театре Troubleyn Яна Фабра, балете Прельжокажа, Школе изобразительных искусств в Монако.
• Наиболее известные работы: балет по мотивам «Послеполуденного отдыха фавна» Нижинского, в котором Дюбуа исследует вопросы интерпретации и присвоения хореографического опыта; «Революция» (2009) на музыку из «Болеро» Равеля; «Спектр» (2010) на мелодии Фрэнка Синатры для балета Монте-Карло и дуэта L’Homme De L’Atlantique; соло «Красный» (2011) и «Трагедия» (2012), в которой исследовался феномен обнаженного тела в театре.
  Ада Шмерлинг

Ингвертсен, Метте

Mette Ingvartsen

• Родилась в 1980 году в Орхусе (Дания). Хореограф.
• Училась в Амстердаме и Бельгии, закончила школу P. A . R . T. S в Брюсселе. Еще во время учебы создала работу «Manual Focus» (2003).
• Вопросы восприятия, аффекта, чувствительности актеров и зрителей занимали центральное место в большинстве ее работ.
• Не так давно внимание Ингвартсен обратилось к нематериальным объектам. Начиная с «Испаряющихся пейзажей» (2009) она пытается вовлечь в хореографию такие субстанции, как пена, туман, свет и звук. Один из последних ее спектаклей «The Artificial Nature Project» (2012) исследует взаимоотношения одушевленных и неодушевленных перформеров. Им она завершает серию, посвященную искусственной натуре, которая начиналась такими работами, как «The Extra Sensorial Garden» (была представлена в Копенгагене) и «The Light Forest» (показана в Зальцбурге). В 2014‑м начинает новый цикл «The Red Pieces». Эту серию открывает работа «69 positions», которая проблематизирует границы между приватным и публичным пространствами (Ингвертсен помещает обнаженное тело среди публики). В другой работе «7 pleasures» группа из двенадцати актеров обсуждает проблемы обнаженности и сексуальной жизни человека. Мастерклассы Ингвертсен разрабатывают методологические вопросы современной хореографии. С 2005 года хореограф работает над открытым проектом «everybodys», чья цель — придумать игры, которые помогли бы артисту в работе над спектаклем. В 2008 году участвовала в проекте «6 Months 1 Location», инициированным, в частности, Ксавье Ле Роем и затрагивающим проблемы образования и творческого обмена опытом. В течение шести месяцев работала над YouTube-проектом «Where is my Privacy», в котором средства современной коммуникации были использованы как способ переосмыслить хореографические работы.
• Участвовала в качестве исполнительницы в работах Ксавье Ле Роя, Бориса Шармаца и других хореографов. Является резидентом Kaai театра в Брюсселе. Дает мастер классы в шведском Университете «UNIARTS» и работает над докторской диссертацией по хореографии.
• Среди ее спектаклей надо особо отметить: «50 / 50» (2004), «to come» (2005), «Why We Love Action» (2006), «It’s in The Air» (2008), «GIANT CITY» (2009), «All the way out there…» (2011).
  Марина Давыдова

Йосс, Курт

Kurt Jooss

• 12 января 1901, Вассеральфинген — 22 мая 1979, Хайльбронн (Германия). Танцовщик, хореограф и педагог, основатель театра танца.
• Сын крупного фермера, в юности занимался вокалом, театром и изобразительным искусством, играл на фортепиано и увлекался фотографией. В 1919–1921 учился в музыкальной школе в Штутгарте. Не имея танцевального образования, в 1921— 1924 годах исполнял ведущие партии в балетах Рудольфа фон Лабана в театрах Мангейма и Гамбурга. В 1924—1925‑м — балетмейстер государственного театра в Мюнстере, в 1930–1933 годах — в Эссене. В середине 1920‑х вместе с композитором Фрицем Коэном, балериной Айно Сиимола, балетмейстером Сигурдом Ледером и художником Xейном Хекротом организовал труппу «Нойе танцбюне» (Die Neue Tanzbühne). После ухода от Лабана развивал его систему, активно использовал элементы свободного танца и отстаивал «эукинетику». При этом Йосс был убежден, что хореография и музыка должны максимально выражать драматическую идею постановки.
• Помимо службы в государственных театрах Йосс занимался и собственными проектами. В 1925 году открыл школу танца, в которой преподавали практические и теоретические дисциплины. Осознав, что ему не хватает основ классической техники, Йосс начал заниматься в Париже с русской балериной Любовью Егоровой. После того, как в 1927‑м «Пляску смерти» Йосса раскритиковали за авангардизм и многие коллеги покинули его, он основал школу «Фолькванг» (Folkwang Schule) в Эссене, танцевальное отделение которой в 1928‑м было преобразовано в «Фолькванг танцтеатр». Именно здесь Йосс продолжил синтетические опыты, основанные на строгом рисунке танца и ярких, порой пародийных внешних характеристиках персонажа.
• Йосс не любил популярные в то время бессюжетные танцы. Он одним из первых стал ставить балеты на политические темы, а также объединил классическую технику с современной, добавив к ним пантомиму, в результате чего на стыке балета, экспрессионистского танца и драматической игры родился театр танца. Его новаторство быстро нашло поддержку у профессионалов — в 1932 году антимилитаристский сатирический балет «Зеленый стол», гиперболически обыгрывавший бытовые движения и жесты и позже признанный эталонным произведением экспрессионистского балета, получил первый приз на международном конкурсе хореографов в Париже, но уже год спустя Йоссу пришлось бежать из Германии, так как он отказался уволить евреев из своей труппы.
• После недолгого пребывания в Голландии и гастролей в Америке Йосс с Лидером обосновались в принадлежащем утопистам-миллиардерам замке в британском Девоне. В Дартингтоне училась танцу и дебютировала на сцене основоположница шведского современного балета Биргит Куллберг. Йосс работал там до 1947‑го, а потом вернулся в Эссен, где преподавал и ставил еще 19 лет. Он вышел в отставку в 1968 году и умер спустя 11 лет от травм, полученных в автомобильной аварии. Его любимой ученицей, исполнявшей среди прочего партию Матери в возобновленном «Зеленом столе», была Пина Бауш.
• Другие значимые работы: «Персидская сказка» (на музыку Веллеса), «Демон» (на музыку Хиндемита), «Король Дроздобород» (на музыку Моцарта), «Комната № 13» (на музыку Фрица Коэна), «Павана» (на музыку Равеля), «Коппелия» (на музыку Делиба), «Блудный сын» (на музыку Прокофьева), «Петрушка» и «Пульчинелла» (на музыку Стравинского), «Половецкие пляски» (на музыку Бородина), «Семь героев» (на музыку Перселла и Коэна), «Компания на постоялом дворе» (на музыку Бетховена в обработке Кука), «Пандора» (на музыку Герхарда).
  Ника Пархомовская

Каннингем, Мерс

Merce Cunningham

• 16 апреля 1919, Сентралиа, штат Вашингтон — 26 июля 2009, Нью-Йорк. Танцовщик, хореограф, один из самых важных представителей современного американского танца.
• Учился в Беннингтонской школе танца, в Школе изящных искусств в Сиэтле. В 1939–1945 годах работал в труппе Марты Грэм. В 1952‑м организовал собственную труппу. Как и композитор Джон Кейдж, с которым он постоянно сотрудничает («Сюита во времени и пространстве», 1956; «Сезоны», 1947; «Как пройти, ударить, упасть и пробежать», 1965; «Меняющиеся шаги», 1973), Каннингем придает особое значение случайному и непреднамеренному. По его мнению, главная художественная ценность движения — прерывность и алогичность. Как постановщик был чрезвычайно плодовит, одна только серия хореографических опусов, названная «Событие», насчитывает около 150 номеров. По завещанию Мерса Каннингема, его труппа прекратила свое существование в 2011‑м после двухгодичного мирового прощального турне. Фонд Каннингема разработал проект сохранения его наследия — создание так называемых цифровых «танцевальных капсул», в которых собрана вся информация о его спектаклях, дающая возможность их восстановления другими труппами. См. подробнее в статьях Ольги Гердт «Contemporary dance: история трех смертей», Виты Хлоповой «Американский танец ХХ века: Зачем Терпсихора надела кроссовки» и Евгения Борисенко «Тело современного танца».

Карлсон, Каролин

Carolyn Carlson

• Родилась в 1943 в Окленде. Танцовщица и хореограф, исповедующая отношение к движению как к визуальному образу.
• Изучала классический танец в балетной школе Сан-Франциско и философию в университете Юты. В конце 1960‑х была солисткой в Театре танца Алвина Николаи (НьюЙорк). В 1968‑м на Международном фестивале танца в Париже получила премию как лучшая танцовщица и перебралась в Европу. В 1972 году поставила философскопоэтический спектакль «Обряд на смерть мечты» (танцевальная компания Анны Беранже), показанный на Авиньонском фестивале. После этого стала педагогом и хореографом в Лондонской школе современного танца.
• В 1975 году директор Парижской оперы Ральф Либерман предложил ей возглавить группу театральных исследований, имевшую огромное значение для французскогои итальянского современного танца. В этой лаборатории появилось более 20 спектаклей самой Карлсон. В Париже она также вела класс композиции и импровизации для танцовщиков, поначалу не пользовавшийся популярностью у солистов труппы. В 1980— 1984 годах вместе с мужем, композитором Рене Обри, жила в Венеции, где стала художественным руководителем и хореографом театра «Ла Фениче». В 1985— 1991 годах тесно сотрудничала с парижским «Театр де ла Виль». В 1992‑м вернулась на родину предков, в Финляндию, и поставила там балет «Земля» (на музыку Кайи Саариахо). В 1994–1995 годах возглавляла стокгольмский «Балет Куллберг», которым до нее руководил Матс Эк. В 1999‑м стала первым руководителем танцевального проекта Венецианской биеннале современного искусства Biennale Danza, в рамках которого основала Международный фестиваль современного танца. В 2005–2013 годах возглавляла Национальный хореографический центр в Рубе, а с 2014‑го — танцевальную компанию при Национальном театре Шайо в Париже. Кроме того, Карлсон руководит танцевальной студией в Париже (L’Atelier de Paris) и танцевальной школой в Венеции (Accademia Isola Danza).
• С 1974 года регулярно проводит мастер-классы в балетных и драматических театрах. В частности, давала мастер-классы для артистов МАМТ во время гастролей в России (всего в России выступала трижды, а в 2014 году поставила для Дианы Вишневой моноспектакль «Женщина в комнате»).
• Помимо хореографии и преподавания Карлсон много времени посвящает поэзии и живописи. Она отмечена многочисленными премиями, в том числе титулом Рыцаря Ордена искусства и литературы (Франция) и призом «Бенуа де ла данс» (Россия).
• Поставила около 100 спектаклей. Ее стиль основан на идее свободной импровизации, сама Карлсон называет его не хореографией, а «визуальной поэзией», которая в состоянии передать идеи и символы. Будучи дзен-буддисткой и оставаясь хиппи в душе, Карлсон часто обращается к восточным традициям, джазовой и новой музыке. Обычно она заказывает оригинальные саундтреки к своим постановкам (во Франции выпущен диск с музыкой для ее балетов). Еще одна характерная особенность почерка Карлсон — склонность к статике и фиксированным позам. Исследователи говорят о ней как о постановщике-философе, поднимающем самые сложные темы бытия.
• Наиболее значимые работы: «Плотность 21,5» (на музыку Вареза), «Трио» (на музыку Джона Босуэлла), «Голубая леди» и «Сейчас» (на музыку Рене Обри), «Знаки» (совместно с художником Оливье Дебре, на музыку Обри), «Тигры в чайном домике» (на музыку Босуэлла), «Джотто» и «Письмена на воде» (на музыку Гэвина Брайерса), «Ли» (на музыку Алекси Обри-Карлсона), «Мандала» (на музыку Мака Гордона), «Вода» (на музыку Джоби Талбота), «Инанна» (на музыку Армана Амара, Брюса Спрингстина и Тома Уэйтса).
  Ника Пархомовская

Кеерсмакер, Анна Тереза де

Anne Teresa De Keersmaeker

• Родилась в 1960 году в Мехелене (Бельгия). Танцовщица и хореограф.
• Дочь фермера. Училась классическому балету в Брюсселе у Лилиан Ламбер, где познакомилась с будущим хореографом, своей соратницей Мишель Анной де Ме и ее братом, будущим композитором и кинорежиссером Тьерри Де Ме. В 1978–1980 годах училась в основанной Морисом Бежаром балетной школе «Мудра». В ней познакомилась с танцовщицей Фумиё Икеда, которая стала потом одной из ее главных исполнительниц. По стипендии провела два года в США, училась в Тишевской художественной школе Нью-йоркского университета. Сошлась со многими представителями нью-йоркского авангарада, особое влияние на нее оказал Стив Райх. В 1983 году создала балетную компанию Rosas, по приглашению Марианны ван Керкховен показывала спектакли в брюссельском авангардном театре Kaaitheater. В 1992–2007 годах ее резиденцией стал Королевский оперный театр «Ла Монне» в Брюсселе. Компания тесно сотрудничала с бельгийским ансамблем современной музыки ICTUS. В 1995‑м Кеерсмакер создала школу современного танца P. A . R . T. S. Выступает также как оперный режиссер: в 2004 году на фестивале в Экс-анПровансе показала оперу Хосокавы Hanio.
• Среди учеников Кеерсмакер — танцовщик и хореограф Сиди Ларби Шеркауи. Cм. подробнее в статье Ольги Гердт «Contemporary dance: история трех смертей».

Килиан, Иржи

Jiří Kylián

• Родился в 1947 году в Праге. Танцовщик и хореограф.
  Учился в балетной школе Пражского национального театра, затем в Пражской консерватории. Получив стипендию Британскогосовета, стажировался в школе Королевского балета (Лондон). В 1968 году по приглашению одного из крупнейших хореографов того времени Джона Крэнко поступил в Штутгартский балет, где оставался в ранге солиста до 1975 года. В 1975‑м назначен одним из художественных руководителей Нидерландского театра танца (NDT). В 1977‑м становится единственным руководителем этой труппы и создателем ее обширного репертуара. В 1978‑м после показа на Международном фестивале Сполето (Чарльстон, Южная Каролина, США) балета «Симфониетта» на музыку Леона Яначека к нему приходит международная известность.
• В 1978 году организует труппу NDT II, в которую входят молодые танцовщики (17–24 лет). В 1991‑м — труппу NDT III, объединившую, напротив, балетных пенсионеров, покинувших основной состав театра — NDT I. Таким образом, по словам самого Килиана, его театр показывает жизнь танцовщика в трех измерениях. NDT-III закрыта в 2006‑м.
  Имеет стойкую репутацию хореографа-философа и славится феноменальной музыкальностью.
  В 1999 году оставляет пост художественного руководителя NDT, оставаясь при этом хореографом-резидентом вплоть до 2009‑го. К 20‑летию деятельности в Нидерландском театре танца и к 35‑летию театра (1995) Килиан получил из рук королевы Нидерландов Беатрикс Орден ОранжНассау. Среди других наград: премия «Benois de la dance» (1998), премия Лоуренса Оливье (2000), премия Нижинского (2000), почетная медаль Нидерландов за достижения в искусстве и науке (2008).
• Наиболее известные спектакли: «Симфония псалмов» (на музыку Стравинского, 1978), «По заросшей тропе» (на музыку Яначека, 1980), «Забытая земля» (на музыку Бриттена, 1981), «Свадебка» (на музыку Стравинского, 1982), «Пастбище» (на музыку Карлоса Чавеса, 1983), «Дитя и волшебство» (на музыку Равеля, 1984).
• В середине 1980‑х начинает ставить преимущественно бессюжетные балеты. Некоторые впоследствии были объединены в программу «Черно-белых балетов»: «Шесть танцев» (на музыку Моцарта, 1986), «Игра окончена» (на музыку Антона Веберна, 1988), «Падающие ангелы» (на музыку Стива Райха, 1989), «Сарабанда» (на музыку Баха, 1990), «Сладкие сны» (на музыку Веберна, 1990), «Маленькая смерть» (на музыку Моцарта, 1991), «Местонахождение неизвестно» (на музыку Арво Пярта, Антона Веберна, Стива Райха, Чарльза Айвза, 1994).
  По материалам Википедии

«Киббуц контемпорари данс кампани»

• Kibbutz Contemporary Dance Company — KCDC Израильская танцевальная компания. Основана в 1973 году. Базируется в кибуце Гаатон (Галилея).
• Первым худруком была Йеудит Арнон, танцовщица и хореограф, выжившая после Холокоста и переехавшая из Европы в Израиль в 1948 году. На первом этапе финансово труппе помогала основательница «Батшевы» баронесса Батшева де Ротшильд. Сейчас в труппе 80 танцовщиков. С 1996 года художественное руководство осуществляет Рами Беэр, родившийся в Гаатоне и учившийся там же в киббуцном Доме танца. С 1980‑го он был танцовщиком в труппе Йеудит Арнон. При K CDC действует учебный центр International Dance Village, где проводится обучение стажеров по двум программам (5 и 10 месяцев). Труппу отличает технически и физически сильный эклектичный состав танцоров. Фирменный стиль «Киббуца» принято определять словосочетанием «динамическая чувственность», применимым в целом и ко всему израильскому contemporary dance.
  Ада Шмерлинг

«Ла-ла-ла Хьюман Степс»

La La La Human Steps

• Компания, основанная в 1981 году канадским хореографом Эдуардом Локом.
• Работы отличаются высоким энергетическим накалом и сложными акробатическими трюками, в особенности так называемым barrel jump — пируэтом в прыжке в горизонтальном положении. Этот трюк неоднократно исполнялся примой и музой компании Луиз Лекавалье.
  По материалам Википедии

Лашамбр, Бенуа

Benoît Lachambre

• Родился в 1960 году в Монреале (Канада). Хореограф, перформер, импровизатор и педагог, представитель направления «не-танец».
• С 1978 по 1980 годы работал в труппе джаз-балета в Монреале. В 1980—1983‑м в труппе «Танцтеатра» в Торонто. Затем переехал в НьюЙорк. В 1996‑м создал собственную танцевальную труппу «Par B. L .eux» (по‑французски звучит как parbleu — «черт возьми»). Благодаря созданным с этой труппой междис-циплинарным работам получил мировое признание. Компания ездит с гастролями преимущественно по Европе, но также по Америке и Азии. С момента создания компании Лашамбр посвятил себя исследованию источников движения и вопросам его аутентичности. Одновременно исследует проблемы коммуникации, динамики, восприятия и элементы визуального и перформативного искусств, неотторжимые, с его точки зрения, от танца. Участвует во многих совместных проектах с другими хореографами (в том числе с Борисом Шармацем и Сашей Вальц) и художниками (например, с Лоран Голдринг). Поставил высоко оцененные критикой моноспектакли для Луиз Лекавалье и Марион Баллестер. С Мег Стюарт и ее базирующейся в Брюсселе компанией Damaged Goods создал «Forgeries, love and other matters» и получил за нее престижную награду Bessie Award. Принимал участие в съемке нескольких фильмов, один из которых выиграл Moving Pictures Award в Торонто в 2003 году. В 2005–2008 годах был ассоциированным хореографом в Scène Nationale de Brest (Франция).
  По материалам Википедии

Лекавалье, Луиз

Louise Lecavalier

• Родилась в 1958 году в Лавале (Канада). Танцовщица и хореограф.
• Училась танцу в Монреале и Нью-Йорке, затем на протяжении 17 лет работала в самой известной канадской танцевальной компании La La La Human Steps, став музой ее основателя Эдуарда Лока. На протяжении многих лет была эмблематической фигурой этой компании, которая славится виртуозной техникой, сочетающей классический танец на пуантах и акробатику самого высокого уровня. В 1985 году получила престижную Bessie Award за спектакль «Бизнесмен в процессе превращения в ангела» (Businessman in the Process of Becoming an Angel). После длительного и интенсивного сотрудничества с La La La Human Steps с 2000 года начинает работать с разными хореографами, в том числе с Бенуа Лашамбром, Тедом Робинсоном и Кристал Пайт. Кроме того, сотрудничала с Дэвидом Боуи, Фрэнком Заппой, снималась в музыкальных клипах и кино (в том числе в картине «Странные Дни» Кэтрин Бигелоу). В начале нулевых ушла от Эдуарда Лока из‑за операции, которая не позволяла ей больше соответствовать сложнейшим техническим требованиям его работ, и начала ставить собственные спектакли. В 2006‑м основала собственную компанию Fou glorieux. Преподавала в Нью-йоркском университете.
  По материалам Википедии

Ле Рой, Ксавье

Xavier Le Roy

• Родился в 1963 году в Жювизи-сюр-Орж (Франция). Танцовщик и хореограф.
• Изучал молекулярную биологию в Монпелье. Уже будучи доктором молекулярной биологии, в начале 1990‑х оставил ученую деятельность, так как постепенно утратил «выдающуюся специфическую веру в науку», которая представлялась ему «правом на доступ к истине». С 1991 года начал заниматься танцем. В 1992‑м переехал в Берлин. Работал с такими компаниями, как Company de l’Alambic, Detektor, Quatuor Knust, с хореографами Мартином Спанбергом, Тино Сегалом, Линди Аннис, Ивонн Райнер. Реализовал проект Жерома Беля «Ксавье Ле Рой» в 2000 году. Был резидентом центра современного искусства «Подевил» в Берлине. Работа «Self Unfinished» (1998) принесла ему мировую известность. В 2004 году начинает активно участвовать в образовательных проектах. В 2006‑м по приглашению Берлинской филармонии создал спектакль с 40 детьми, его музыкальным сопровождением стала «Ионизация» Эдгара Варезе. Ксавье Ле Рой видит в танце потенциал «пересмотреть оппозицию ума / тела и работать над идеей, что так же, как ум управляет разными частями нашего тела, ощущение и восприятие в значительной степени организуют ум». Ле Рой уверяет, что именно недостаток профессионализма и танцевальной техники позволил ему посмотреть на хореографию с совершенно новой стороны. Его работа «Low Pieces» начинается и заканчивается разговором с аудиторией. Танцовщики во время этого разговора выглядят поначалу совершенно обычными людьми, но через несколько минут полной темноты сцена оказывается заполненной голыми телами, в которых не всегда можно распознать людей. Главный вопрос, который решает хореограф в своих работах: что такое человек, что такое быть и стать человеком? В 2007— 2008 годах был ассоциированным артистом в M ontpellier National Choreographic Centre, где работал над моноспектаклем «Весна священная» (2007).
• Преподает в Staatliche Hochschule für Gestaltung в Карлсруэ, Institut für Theaterwissenschaft the Free University в Берлине и в P. A. R. T. S. в Брюсселе. В 2012 году стал резидентом Théâtre de la Cité Internationale (Париж).
  По материалам Википедии

Ла Рибо, Мария

Maria La Ribot

• Родилась в 1962 году в Мадриде. Танцовщица, перформер и хореограф.
• С 13 лет брала уроки классического балета. В начале 1980‑х училась в Канне. В 1986 году основала вместе с Бланкой Кальво группу Bocanada Danza, которую покинула в 1989‑м. Начала карьеру как танцовщица и перформер с моноспектакля «Socorro! Gloria! (Striptease) » в 1990 году. Прославилась созданием коротких работ, которые продавались ценителям искусства подобно арт-объектам. Идея состояла в том, что покупать можно не только материальные ценности (пусть и художественные), но и такую эфемерную вещь, как «мгновение танца». В 2004‑м переехала со своим соратником, хореографом Жилем Жобаном (Gilles Jobin) в Женеву, где наряду с занятиями хореографией стала учиться в Высшей школе искусства и дизайна (High School of Art and Design). Создала там с коллегами отделение, посвященное performing arts.
• Активно вовлекает публику в спектакли, нередко отводя ей роль своеобразной массовки. См. подробно в статье Евгения Борисенко «Зрительский вопрос: Субъектность зрителя в современном танце»

Макгрегор, Уэйн

Wayne McGregor

• Родился в 1970 году в Стокпорте (Великобритания). Танцовщик и хореограф, первым соединивший современные технологии с танцем.
• Изучал танец в университете Лидса (Великобритания) и в школе Хосе Лимона (Нью-Йорк). В 22 года стал хореографом-резидентом в лондонском центре современного танца The Place, тогда же основал собственную труппу Random Dance, которая базируется в лондонском театре Sadler’s Wells.
• Компания Макгрегора с самого начала отличалась разнообразной танцевальной лексикой (тело самого хореографа тонкое и гибкое, что позволяет максимально точно и стремительно фиксировать движения) и активным использованием мультимедиа. Например, в работе «Сульфур 16» исполнители превращались в карликов, в «Бесконечности» компьютерная графика переносила танцовщиков в иные измерения, а «53 байта» исполнялись одновременно в Германии и Канаде, причем с помощью телемоста их в прямом эфире смотрели зрители обеих стран. В 2000 году Макгрегор осуществил прямую онлайн-трансляцию «Трилогии инсталляций». Все это дало критикам основания назвать его «хореографом будущего».
• В 2006 году Макгрегор стал первым из авторов contemporary dance постоянным приглашенным хореографом Королевского балета Ковент-Гарден. Три года спустя осуществил постановку барочных опер «Ацис и Галатея» Генделя и «Дидона и Эней» Перселла с участием оперной и балетной трупп. Но в основном продолжал осваивать новые технологии и современную музыку. Кроме Ковент-Гарден ставил во многих балетных компаниях мира (Английский национальный балет, Штутгартский балет, Нидерландский театр танца, балет Парижской национальной оперы, New York City Ballet). Макгрегор много работает в опере — и как режиссер, и как постановщик хореографии (Ла Скала, Шотландская национальная опера, Английская национальная опера). Драматический театр, кино, телевидение и мюзиклы также попали в сферу его художественных интересов: в частности, он ставил движение в фильме «Гарри Поттер и кубок огня». Отдал Макгрегор дань и модным перформансам в формате site-specific, так что его работы можно увидеть не только в театральных залах, но и в соборах, музеях, казино.
• Создал более 80 бессюжетных балетов, в которых изучает стереотипы двигательной памяти, испытывает возможности человеческого тела и использует последние достижения науки и техники от видеомонтажа до инсталляций, от 3D-очков, которые раздают зрителям, до видеопроекций. Но главное достоинство Макгрегора — не его страсть к технологиям и не сотрудничество во время подготовки спектаклей с кардиологами и физиологами, а уникальная пластика, в которой части тела действуют словно бы независимо друг от друга в разных плоскостях, ритмах, по разным траекториям.
  Макгрегор — самый популярный и востребованный хореограф своего поколения, его график расписан вплоть до 2020 года. По плану у него три премьеры ежегодно (по одной для собственной компании, Королевского балета и крупного зарубежного театра).
• Наиболее значимые работы: «2 Human» (на музыку Баха), «Qualia» (на музыку Scanner), «Энграмма» (на музыку Godspeed You! Black Emperor), «Наутилус» (на музыку Майкла Гордона), «Эдем» (на музыку Стива Райха), «Yantra» (на музыку Эса-Пекки Салонена), «Genus» (на музыку Джоби Талбота), «Анатомия чувств для Фрэнсиса Бэкона» (по мотивам картин Фрэнсиса Бэкона, на музыку Марка-Энтони Тернеджа), «Далеко» (на музыку Брайана Ино), «Диада 1929» (в честь столетия «Русских сезонов», на музыку Стива Райха), «Посторонний» (на музыку Томаса Эдеса), «Chroma» (на музыку Джоби Тэлбота и Джека Уайта, поставлен в том числе в Большом театре), «Инфра» (на музыку Макса Рихтера, поставлен в том числе в Мариинском театре), «Предел» (на музыку Кайи Саариахо), «Экзерсис живого огня» (на музыку Майкла Типпета), «Атомос» (на музыку A Winged Victory For The Sullen), «Тетрактис — искусство фуги» (на музыку Баха).
  Ника Пархомовская

Макрас, Констанца

Constanza Macras

• Родилась в 1970 году в Буэнос-Айресе (Аргентина). Танцовщица и хореограф.
• Училась моде, дизайну и танцу. Работала в различных танцевальных компаниях Аргентины. Изучала танец в студии Каннингема в Нью-Йорке, а также в центре Movement Research, переехала в Амстердам, где сделала первые работы. В Амстердаме занималась постановками клубных танцев и спектаклями на стыке моды и танца. В 1995 году переехала в Берлин, где сотрудничала с местными хореографами. В 1997‑м основала танцевальную компанию Tamagotchi Y2K, которая в 2003‑м превратилась в Constanza Macras | Dorkypark, сооснователем была Кармен Менер. C 1998‑го по 2000‑й, еще будучи Tamagotchi Y2K, компания выпустила 4 работы: «Wild Switzerland » (1998), «Face One» (1999), «In Between» (2000) и «Dolce Vita» (2000). В 2001— 2002 годах Констанца Макрас создала трилогию «MIR — A Love Story». В 2003‑м работала над проектом «Pornosotros» совместно с участницей Les Ballets C de la B Алана Плателя Дизи Эстарас. Проект был разработан в театре «Шаубюне» (Schaubühne am Lehniner Platz) в Берлине. Постановка «Назад в настоящее» («Back to the Present», 2003) была представлена в заброшенном здании магазина начала ХХ века в центре Берлина и имела большой успех.
• В 2004‑м появилась ее сценическая версия, сделанная совместно с театром «Шаубюне».
• Сотрудничая с Томасом Остермайером, Констанца Макрас в 2006 году поставила спектакль «Сон в летнюю ночь», в котором играли как актеры, так и танцоры. В составе ее компании актеры, танцоры и музыканты из различных стран мира. Их возраст — от 5 до 70 лет.
  Соня Левин

Моннье, Матильд

Mathilde Monnier

• Родилась в 1959 в Мюлузе (Франция). Хореограф, создатель школы современного танца ex.e.r.ce.
• Как и многие ее коллеги, привлекает в спектакли людей с ограниченными возможностями. С 1994 года, после смерти Доминика Багуэ, возглавляла Национальный хореографический центр и школу современного танца в Монпелье (с 2015‑го школой руководит Кристиан Риццо). С 2013‑го — директор Национального центра танца в Париже. О Матильд Моннье заговорили в начале 1990‑х, после ее первых сюрреалистических спектаклей, ставших итогом хореографических занятий в психиатрической клинике Монпелье. Хореографа интересовали состояния человека внутри социума и вне его, однако, как отмечали критики, поначалу Моннье гораздо лучше удавалось формулировать свои идеи словами, чем воплощать в пластике. Экспериментируя, Моннье объединяла африканских исполнителей с европейскими, включала в ткань спектакля чтецов и музыкантов, устраивала открытые мастер-классы и обсуждения, пытаясь вовлечь в свои опыты публику, а потом расспросить о новых ощущениях. «История человека — это история тел и их отношений», — скажет на одном из таких обсуждений Моннье. Через несколько лет в беседе с режиссером Клер Дени (Clair Denis), снявшей о Моннье документальный фильм «К Матильд» (2004) она сформулирует цель своих исследований так: «Я хочу понять, что происходит с телом, когда оно начинает двигаться — попробовать ухватить язык тела в динамике». С годами Моннье не теряет интереса к словесным формулам и не перестает вовлекать в представления непрофессионалов, но теперь критики все реже говорят о том, что словом она владеет лучше, чем пластикой. «Из каждого обывателя Моннье умудрилась сделать колоритный персонаж, сохранив всю наивность и естественность своих подопечных, чьи исповеди слагаются в настоящий гимн волшебнику-театру, превращающему повседневность в искусство», — напишет обозреватель «Коммерсанта» об одной из недавних премьер Моннье.
• Среди значимых работ: «Для Антигоны» (1992), «Китайские безделушки» (1995, совместно с джазовым музыкантом Луи Склависом), «Брат и сестра» (2004), «SoapEra» (2010, совместно с художником Домиником Фигареллой), «Что же с нами случилось?» (2013). Подробнее см. в статье Евгения Бориенко «Тело современного танца»
  Алла Шендерова

Моррис, Марк

Mark Morris

• Родился в 1956 году в Сиэтле (США). Танцовщик и хореограф.
• Заниматься балетом начал в детстве. В 16 лет во время путешествия по Испании увлекся фламенко. В 1976 году вернулся в Нью-Йорк, где выступал с танцевальным коллективом Koleda Balkan.
  В 1980 году основал собственную танцевальную компанию Mark Morris Dance Group, для которой создал около 150 работ.
• Компания базируется в Нью-Йорке, активно гастролирует в США и Европе. Первый серьезный успех пришел в 1986‑м после съемок в сериале Dance in America. В 1988— 1991 годах компания работала в Брюсселе, куда переехала вместе с Моррисом после его назначения главным хореографом Королевского театра де Ла Монне: этот пост по приглашению Жерара Мортье он занял после отъезда из Бельгии Мориса Бежара. В 1990 году вместе с Михаилом Барышниковым создал коллектив White Oak Dance Project, с которым сотрудничал пять лет.
• Спектакли Морриса в разное время шли во многих балетных компаниях мира: Балете Сан-Франциско и Американском театре балета, Голландском балете и балете Парижской оперы, Английском национальном балете и Королевском балете Ковент-Гарден. В качестве режиссера-постановщика и хореографа Моррис активно сотрудничает с оперными театрами (Метрополитен-опера, Нью-Йорк Сити опера, Английская национальная опера, Королевская опера Ковент-Гарден).
• В 2006 году дебютировал как дирижер, а в 2013‑м стал музыкальным директором Ojai Music Festival (Огайо, США). Член американской академии искусств и наук, почетный доктор Бостонской консерватории музыки, Джульярдской школы музыки, университета Лонг-Айленда. Преподавал в Принстонском и Вашингтонском университетах.
• Предпочитает работать под живую музыку, мыслит в формате полнометражных сюжетных спектаклей и развивает идеи оперы, соединенной с хореографией.
• Наиболее значимые работы: «Глория» (на музыку Вивальди), «Чемпионат по рестлингу» (по мотивам эссе Ролана Барта), «Крепкий орешек» (по «Щелкунчику» Чайковского), «Четыре святых в трех актах» (танцевальная версия оперы Вирджила Томсона и Гертруды Стайн), «Моцартовские танцы» (в честь 250‑летия композитора), «Ромео и Джульетта» (на музыку Прокофьева). Самая известная постановка Морриса — «Дидона и Эней» Перселла (хореограф долгие годы танцевал в ней партию Дидоны) — исполняется в сопровождении хора и оркестра; была показана в Москве в 2010 году.
  Ника Пархомовская

Наарин, Охад

Ohad Naharin

• Родился в 1952 году в Киббуце Мизра (Израиль). Хореограф, художественный руководитель ансамбля «Батшева».
• Вырос в артистической семье, ребенком писал рассказы, сочинял музыку, рисовал картины. Его отец, доктор психологических наук, был в прошлом актером, а мать преподавала танец.
• Решающую роль в его судьбе сыграла Марта Грэм, которая, приехав в Израиль, предложила Наарину присоединиться к ее танцевальной компании в Нью-Йорке. Там он посещал Juilliard School и School of American Ballet.
• Танцевал в труппе Мориса Бежара, затем был приглашен в Нидерландский театр танца. Когда в 1990 году Наарин пришел в качестве художественного руководителя в «Батшеву», он уже был известным хореографом. Ему заказывали постановки многие балетные труппы мира. Наарин долгие годы развивал систему гага — язык движений, подходящий для каждого. Гагой пользуются танцовщики ансамбля «Батшева», но стиль распространяется по всему миру. Работы Наарина исполнялись множеством ансамблей, среди которых NDT, Лионская опера, национальный танцевальный ансамбль Испании, Кульберг-Балеттен, национальный финский балет, Грандопера, канадский балет в Монреале, городской балет Сан-Паулу, нью-йоркская труппа Сидера Лейка и другие. Именно благодаря Наарину и его проектам «Батшева» получила мировое признание. Наарин нередко участвует в создании музыки для своихработ. Для участия в постановках Наарин приглашает лучших сценографов страны, среди которых художник по свету Бамби и художник по костюмам Рейкфет Леви. Наарин дает танцовщикам возможность импровизировать, в ряде работ участвует как исполнитель. Охад Наарин — самый молодой лауреат премии Израиля по искусству за всю ее историю. The New York Times и ряд других изданий назвала Наарина в числе пяти лучших хореографов мира. См. подробнее в тексте Дины Годер «Танец на автобусном вокзале»

Ньюсон, Ллойд

Lloyd Newson

• Родился в 1957 году в Олбери (Новый Южный Уэльс, Австралия). Танцовщик, хореограф, режиссер, актер, сценарист, продюсер.
• До занятий театром успел получить в Лондоне степень магистра в области психологии. Изучение человеческой психики решил продолжить в Школе современного танца. В 1981–1985 годах работал в театре танцевальных импровизаций (Extemporary Dance Theatre). В 1986‑м основал DV8 Physical Theatre. Испытывая недоверие к слову «танец», Ллойд включает в название своей труппы определение «физический театр», а спектакли считает разновидностью группового психоанализа.
• Постановки всегда имеют четкую, суперсовременную форму (Ньюсон — завсегдатай и даже участник проектов галереи «Тейт»), артисты — отличную физическую подготовку. В 2014 году Ньюсон выпустил спектакль «Джон», получивший определение «вербатим в танце». Основой спектакля стали истории пятидесяти реальных мужчин, рассказывающих, вернее, «дающих показания» о любви, сексе, воровстве и жестокости. Критики отмечали, что так плотно соединить речь и танец, как делает это Ньюсон, не удавалось еще никому, даже Пине Бауш. Как и его предыдущая работа «Can We Talk About This», исследовавшая преступления на почве религиозной нетерпимости, «Джон» вызвал отклик далеко за пределами хореографического сообщества. Помимо спектаклей труппа Ньюсона выпустила пять фильмов, получивших престижные награды. Это не только киноверсии спектаклей («Three Ballets by DV8 Physical Theatre», 1993), но и оригинальные произведения — как, например, фильм «Цена жизни» («The Cost of Living», 2005), снятый на побережье Норфолка, в местечке Кромер — на вышедшем из моды курорте, завершающем сезон. Герои фильма — уличный клоун Эдди и безногий танцовщик Дэвид, пытающийся преодолеть социальные предрассудки. Как и все работы Ньюсона, фильм построен на соединении гротеска и драмы, юмора и экстремальных пластических метафор, ради которых актеры идут на любой физический риск.
• Важные работы в театре: «Странная рыба», «Мертвые сны монохромных мужчин», «Выход Ахиллеса», «Просто для шоу».
  Алла Шендерова

Пакстон, Стив

Steve Paxton

• Родился в 1939 году в Финиксе, Аризона (США). Танцовщик, хореограф, cоздатель контактной импровизации.
  Занимался гимнастикой и айкидо. Изучал классический танец и танец модерн. Испытал сильное влияние Мерса Каннингема и Джона Кейджа. Работал танцовщиком в компаниях Хосе Лимона, Мерса Каннингема, Триши Браун. Один из основателей Judson Dance Theater (1962). В январе 1972 года Пакстон с одиннадцатью коллегами представил концептуальную работу «Magnesium», которая положила начало контактной импровизации. Издает журнал Contact Quarterly, где печатаются материалы и исследования в области танца и перформанса. См. подробнее в статьях Ольги Гердт «Contemporary dance: история трех смертей» и Виты Хлоповой «Американский танец ХХ века: Зачем Терпси‑ хора надела кроссовки».

Папаиоанну, Димитрис

Dimitris Papaioannou

• Родился в 1964 году в Афинах (Греция). Режиссер, художник, хореограф.
• Мировое признание получил после постановки церемонии открытия Олимпийских игр 2004 года в Афинах. Начинал как иллюстратор и автор комиксов в 19 лет. Автор более 40 комиксов. Еще во время учебы в Школе изящных искусств в Афинах начал работать как хореограф, сценограф, актер, художник по костюмам и свету. В 1986 году в Нью-Йорке учился в хореографической студии Эрика Хоукинса и посещал семинары по буто у Морин Флеминг в L a Mama ETC. В том же году бесплатно работал стажером у Роберта Уилсона в Гамбурге на постановке «Черного всадника» и в Берлине на «Magic Bullets» Тома Уэйтса и Уильяма Берроуза. Тогда же стал одним из основателей афинскоготеатра танца Edafos (1986— 2002), где поставил 17 спектаклей. Его «Медея» (1993) была отмечена греческой национальной премией в области танца, а постановки «Human Thirst» (1999) и «For ever» (2001) были признаны лучшими спектаклями года. Много работает как оперный режиссер и постановщик масштабных шоу с технически сложными спецэффектами и мультимедиа. Его спектакль «2» был рекордсменом Афин по посещаемости в 2006 году. К открытию после реставрации национального театра Греции поставил спектакль «Nowhere», который шел с аншлагами в 2009 году. Стипендиат программы Фулбрайта в 2010‑м.
• По возвращении из Нью-Йорка в Грецию поставил «К. К.», концерт с видеопроекциями на основе 13 стихотворений греческого поэта Константиноса Кавафиса, положенных на музыку композитором Леной Платонос. В 2011‑м создал шестичасовую театрализованную инсталляцию Inside. В 2012‑м на Афинском фестивале показал «Первую материю» («Primal Matter»), где вновь выступил как актер после большого перерыва.
  Ада Шмерлинг

Платель, Алан

Alain Platel

• Родился в 1956 году в Генте (Бельгия). Хореограф и режиссер, основатель труппы Les ballets C de la B (Ballets contemporains de la Belgique).
• С 1969‑го по 1973‑й учился на мима в Академии Саббатини в Женеве. Учился в школе Вима Вандекерхова и в Академии балета Пауля Гринвиса. Получил профессию педагога для детей с ограниченными возможностями. В 28 лет впервые собрал друзей и членов семьи для домашнего спектакля, после которого создал свою труппу. Сперва назвав ее «Современные балеты Бельгии», Платель меняет название на что‑то менее академичное, оставив только первые буквы. В чем‑то это был вызов академизму, оставшемуся в наследство от бельгийского периода Мориса Бежара, но, как говорит сам хореограф, дело было просто в том, что не каждый фламандец мог произнести такое длинное название. Будучи практически самоучкой,
• Платель не ориентируется только на движение, но сочетает все виды зрелищных искусств. Неважно, кто будет исполнять хореографию: актер ли, цирковой артист или танцовщик, главное, чтобы это был профессионал в своей области. Полагаясь на импровизацию артистов (за что многие называют его танец документальным), Платель отвечает за общую структуру постановки. Часто его мир — очень хрупкий, гротескный, основанный на контрастах. Но более синтетичный, чем мир других крупных фламандских хореографов Анны Терезы де Кеерсмакер или Вима Вандекейбуса.
• Труппа Алана Плателя имеет открытую структуру: свои работы здесь может представить любой хореограф. Танцовщик и хореограф Сиди Ларби Шеркауи начинал свою деятельность в том числе в Les Ballets C de la B.
• Славу за пределами Бельгии Платель получил в начале 1990‑х, представив в «Опера Бастий» спектакль «Добрый день, мадам, как поживаете сегодня, хорошая погода, без сомнения пойдет дождь, и так далее» («Bonjour Madame, comment allezvous aujourd’hui, il fait beau, il va sans doute pleuvoir, et cetera»). Первый триумф сменился непониманием: воспринимать Плателя, особенно в сравнении с работами других фламандцев, оказалось сложно. Однако с начала нулевых Платель становится одним из лидеров не только современного танца, но и современного театра в целом.
• Платель был режиссером или участвовал в создании киноверсий своих спектаклей: «Because I sing» (2001), «Ramallah! Ramallah! Ramallah!» (2005), «Les ballets de ci de là» (2006), «Vsprs» «Show and Tell» (2007).
• Среди значимых работ: «Emma» (1988), «Общая грусть» (La Tristeza Complice, 1995), «Что‑то на мотив Баха» (Iets op Bach, 1998). Вместе с Арне Сиренсом (его частым соавтором) Платель поставил спектакли: «Мать и дитя» («Moeder en kind», 1995), «Маленькая Бернадетта» («Bernadetje», 1996), «Все мы индейцы» («Tous des Indiens», 1999). После «Индейцев» заявил, что прекращает режиссерскую деяельность. Однако в 2003 году согласился на спектакль «Волк» («Wolf»). Затем последовали «Vsprs», «Гардения» (Gardenia, 2010), «Вне контекста — посвящается Пине» («Out of Context — for Pina», 2010), «tauberbach» (2013).
  Алла Шендерова

Прельжокаж, Анжелен

Angelin Preljoсaj

• Родился в 1957 году в Шампини-сюр-Марн (Франция) в семье албанских эмигрантов из Черногории. Танцовщик и хореограф.
• Получил классическое хореографическое образование, потом серьезно увлекся роком и, наконец, нашел призвание в современном танце. После стажировки у Карины Ванер в Школе Канторум поехал в НьюЙорк (1980) к Мерсу Каннингему. Вернувшисьво Францию, поступил в Национальную консерваторию современного танца в Анжере (класс Виолы Фарбер).
• В 1982 году стал членом труппы Доминика Багуэ. В 1984‑м в сотрудничестве с Мишелем Клементисом Прельжокаж создал свой первый спектакль — «Колониальная авантюра». Следующий его балет «Черный рынок» получил в 1985 году приз министерства культуры на XVII хореографическом конкурсе в Баньоле.
  Создает собственную труппу в Шампиньи-сюрМарн и ставит для нее «Белые слезы» (1985) и «Памяти наших героев» (1986).
• В 1987 году едет в Японию изучать театр Но. По возвращении ставит спектакли для Авиньонского фестиваля и Национального центра современного танца. В 1994 году для труппы Парижской оперы ставит «Парк» на музыку Моцарта.
  Прельжокаж соединяет классическую технику с экспрессионистской пластикой и элементами архаических дальневосточных культур. Не раз возвращался к постановкам балетных корифеев XX века (Фокин, Мясин, Нижинский), давая им новую трактовку. Регулярно сотрудничает с такими художниками, как Энки Билал и Горан Вейвода. Является создателем короткометражных фильмов («Почтальон. Мрачные мысли», 1991), нескольких полнометражных лент («Связующее звено», 1992, «Благовещение», 2003).
• Получил Гран-при на конкурсе фильмов об искусстве (2003), первый приз конкурса видеотанца (1992), приз Пражского видеофестиваля (1993).
• Танцевальные награды: Grand Prix National de la Danse (1992), Benois de la danse (1995), Bessie Award (1997), Les Victoires de la musique (1997), Globe de Cristal (2009).
• В 2010 году Большой театр России открыл сезон мировой премьерой совместной постановки Большого театра и Балета Прельжокажа «А дальше — тысячелетие покоя. Creation 2010». С октября 2006‑го Балет Прельжокажа и двадцать шесть его постоянных танцоров работают в Pavillon Noir в Экс-ан-Провансе.
  По материалам Википедии

Райнер, Ивонн

Yvonne Rainer

• Родилась в 1934 году в Сан-Франциско (США). Танцовщица, хореограф, автор перформансов, кинорежиссер, крупнейшая фигура американского постмодерна.
• Отец итальянец, мать — польская еврейка, оба левых убеждений. С пятнадцати лет посещала митинги радикальной молодежи. В 1957 году приехала в Нью-Йорк, поступила в школу Марты Грэм. Познакомилась с Джоном Кейджем. Училась у Мерса Каннигема, вошла в круг его ближайших сотрудников и вместе с Тришей Браун, Мередит Монк, Люсиндой Чайлдс, Стивом Пакстоном в число организаторов (1962) и наиболее активных артистов Judson Dance Theater. Во второй половине 1960‑х пришла в кино. В 2000‑х как хореограф сотрудничала с Михаилом Барышниковым в рамках его проекта The White Oak. См. подробно в статьях Виты Хлоповой «Амери‑ канский танец ХХ века: зачем Терпсихора надела кроссовки» и Анны Ильдатовой «Ивонн Райнер: взгляд танцора».

Сапорта, Карин

Karine Saporta

• Училась в Национальной консерватории, затем изучала философию и социологию в Парижском университете X (Нантерля-Дефанс) и в США.
• В 1988–2003 годах — руководитель Национального хореографического центра города Кан и региона Нижняя Нормандия. Хореограф-постановщик в фильме Питера Гринуэя «Книги Просперо» (1991). Занимается фотографией, кино, театрализованным перформансом. Особенности стиля — соединение концептуальных приемов и феминистского дискурса с открытой чувственностью и экспрессией.
• В 1990‑х Французский культурный центр в Москве, знакомя российскую публику с новой волной французского танца, пригласил Карин Сапорта одной из первых («Быки Химены», 1994). Сапорта повлияла на развитие российского современного танца, сотрудничая с балетным театром Олега Петрова в Екатеринбурга (спектакль «Невеста с деревянными глазами»).
• Ассоциированный артист Национальной библиотеки Франции, где ее труппа выступает в специальном помещении Dansoir (Танцзал).
• Некоторые постановки: «Judith» (1980), «Hypnotic Circus» (1983), «La poudre des anges» (1990), «Carmen» (1991), «Bolchoï destroy» (1997), ” (A ma mère) La Fiancée aux yeux de bois” (1998), «Une rose… a circleof kisses» (по текстам Гертруды Стайн, 1999), «Belle, au bois dormant» (2000), «Magic dancing» (2003), «A propos d’Andreï Roublev» (2003), «Lettres à un ami d’Afrique» (2005), «Albane (ou) les yeux mauves» (2007), «A comme Alice» (2008), «La Maison Chéri-Chérie» (2009), «Jukebox» (2010).
• Кавалер Ордена Почетного легиона, офицер Ордена искусств и литературы.
  Олег Зинцов

Спанберг, Мартин

Mårten Spångberg

• Родился в 1968 году в Стокгольме (Швеция). Режиссер, хореограф, перформер, танцовщик, педагог, теоретик и историк современного танца, театральный критик, куратор.
• Учился на отделении театральных наук, музыки и танца в университетах Упсалы и Стокгольма. Начинал как театральный обозреватель в ежедневных СМИ. Как приглашенный профессор преподавал в университете Гиссена на кафедре прикладных театральных исследований, а затем в Брюсселе. Сейчас постоянно живет в Берлине. Как хореограф и исполнитель впервые реализовал свои идеи в 1994 году. Его театральные интересы лежат в междисциплинарной сфере искусства, позволяющей использовать множественность форматов и методов. Его постановочный и исполнительский опыт начинался с сольных хореографических номеров для самого себя.
• С начала 2000‑х ставит в крупных балетных труппах Германии и других стран. Международную репутацию приобрел в последние годы, прежде всего благодаря постановке «La Substance, but in English» (2014), сделанной по заказу MoMA PS1. Как танцовщик и соавтор сотрудничал с такими постановщиками, как Ксавье Ле Рой (Xavier Le Roy), Кристиан Де Смедт (Christine De Smedt / L es Ballets C de la B), Тино Сегал (Tino Sehgal) и Ян Ритсема (Jan Ritsema). Вместе с архитектором Тором Линдстрандом (Tor Lindstrand) инициировал международный междисциплинарный фестиваль, посвященный теме слияния хореографии и архитектуры как средств организации пространства и времени.
• С 1996‑го организовал и курировал ряд шведских и международных фестивалей: Panacea Festivals Stockholm (1996— 2005), BodyCurrency / Wiener Festwochen (1998), CAP ITAL S Gulbenkian Foundation Lisbon (2002— 2003), International Summer Academy Frankfurt (2002— 2004), Choreography As Expanded Practice (2012, для Tàpies Foundation и M acBA). Был инициатором интернет-проекта INPEX (2006).
• Сейчас курирует несколько тематических направлений в Сети, в частности по истории шведского танца. Автор нескольких книг, составитель каталогов, куратор издательских проектов. В 2008–2012 годах преподавал хореографию в магистратуре Стокгольмского университета.
  Ада Шмерлинг

Стюарт, Мег

Meg Stuart

• Родилась в 1965 году в Новом Орлеане (США). Танцовщица и хореограф.
• Будучи дочерью театральных режиссеров, начала карьеру, участвуя в постановках своих родителей и друзей семьи. Училась в Нью-йоркском университете. Продолжила обучение в центре лабораторий и развития Movement Research, где влилась в танцевальное сообщество Нью-Йорка. Особенное внимание при обучении в Нью-Йорке уделяла техникам релиза и контактной импровизации.
• В 1980‑х работала с Ниной Мартин (Nina Martin), Лизой Крауз (Lisa Kraus), Федрико Рестрепо (Federico Restrepo) и Маркусом Штерном (Marcus Stern).
• С 1986‑го работала в компании Randy Warshaw Dance Company в качестве ассистента хореографа. В 1991 году международную известность Мег Стюарт принесла работа «Disfigure Study», которая была сделана по предложению фестиваля Klapstuk (Бельгия, Лёвин). В 1994‑м при поддержке Фламандского сообщества Бельгии Мег Стюарт основывает свою компанию Damaged Goods в Брюсселе. С 2000 по 2004 годы работала по приглашению Кристофа Марталера в цюрихском «Шаушпильхаус».
• С 2005‑го по 2010‑й сотрудничала с театром «Фольксбюне» в Берлине, работая с такими режиссерами, как Кристоф Марталер и Франк Касторф. C 2010 года компания сотрудничает с мюнхенским Kammerspiele. Мег Стюарт была куратором фестиваля Intimate Strangers, в котором принимали участие артисты, ранее работавшие с ее компанией. Фестиваль проходил в Берлине в 2006‑м, в Брюсселе в 2008‑м, в Тулузе и Генте в 2011‑м.
• Постановки Стюарт часто включают инсталляции или переходят в инсталляцию, в них активно используется видео. Ее междисциплинарные проекты вписываются не только в сценическую коробку, но и в формат биеннале вроде Dokumenta X или M anifesta 7. Едва ли не каждая из работ Стюарт становится расширяющим сознание экспериментом, который ставят не только над артистами, но и над публикой. В ее перформансе «Violet», впервые показанном в Авиньоне в 2011 году, приятный поначалу шум листвы переходил в неисто-вый гул. «Тела танцовщиков „сносит“ с оси. Один вращается, задрав голову и руки, катастрофически наращивая амплитуду движения. У девушки, быстро царапающей воздух руками, ноги не поспевают за верхней частью тела — дезориентированное, оно падает. <…> Когда же Брендан Догерти начинает молотить по барабанам и тарелкам так, что пол содрогается, а танцовщики, сбитые с толку скоростью и ритмом, начинают хаотично метаться и истошно орать — уши затыкают даже самые стойкие», — пишет об этом спектакле Ольга Гердт.
• Мег Стюарт является постоянным резидентом театра Kaai в Брюсселе и кооперации театров HAU в Берлине.
• Была награждена премией Mobil Pegasus в 1994‑м, The Culture Award of the Catholic University в 2000‑м, The French Prize of Criticism и премией Bessie Awards в 2008‑м.
  По материалам Википедии и прессы

Томпкинс, Марк

Mark Tompkins

• Родился в 1954 году в Америке. Танцовщик и хореограф.
• Получив первый опыт в Театре движения и жеста в Америке, в 1973 году переезжает во Францию, где работает как независимый хореограф и сотрудничает со многими такими же независимыми артистами. В 1975‑м сделал первые соло в заброшенных помещениях и начал работать со Стивом Пакстоном. В 1983‑м основал собственную компанию IDA (International Dreams Association). Проявляет особый интерес к импровизациям и композициям, созданным в режиме реального времени, сотрудничает со многими танцовщиками, музыкантами, художниками по свету и создателями видеоарта. С течением времени уникальный способ создания перформансов стал его визитной карточкой. Его работы часто тяготеют в музыкальному театру и поп-культуре, они вдохновлены мюзик-холлом, кабаре, музыкальными комедиями.
• В 2014 году Марк Томпкинс и Джереми Вэйд сыграли совместный спектакль «Stardust» как часть Queer New York International Arts Festival.
• Среди знаменитых работ Томпкинса: «Naked Traces» (1976), «Each One’s Own» (1978), «Sweet Dreams» (1981), «Empty Holes» (1983), «Betrayal» (19851987), «Nouvelles for the Avignon Festival, based on the novel Ida by G. Stein» (1988), «Witness (Hommage à Harry Sheppard)» (1992), «Gravity» (1996), «Under My Skin» (1996), «Hommage à Josephine Baker» (1998), «Tributes to Montrose Capital» (2000), «RemiXamor » (2005), «Animal Male, Animal Female» (2007), «Black’N’Blues Canaccord» (2011). В 2008 получил приз SEC SACD (Society of Dramatic Authors and Composers) за совокупный вклад в хореографию.
  По материалам Википедии

Фабр, Ян

Jan Fabre

• Родился в 1958 году в Антверпене (Бельгия). Режиссер драмы, оперы, балета, хореограф, драматург, сценограф, художник.
• Внук знаменитого энтомолога Жана-Анри Фабра, автора книги «Жизнь насекомых». Учился в муниципальном институте декоративных искусств и в Королевской Академии изящных искусств. Как художник участвует во многих выставках по всему миру. Работы есть в самых престижных музеях, в частности, в Лувре. В 1986 году основал группу Troubleyn в Антверпене. В 1982‑м приобрел всемирную славу благодаря постановке «Театр, каким мы его ждем и предвидим». В 1984‑м подтвердил успех постановкой «Сила театрального безумия», созданной специально для Венецианской биеннале. В 2009‑м приезжал в Москву на фестиваль NET со спектаклем «Оргия толерантности». Cм. подробно в статьях Марины Давыдовой «Mount Olympus: революция без конца» и Ольги Гердт «Contemporary dance: история трех смертей»

Форсайт, Уильям

William Forsythe

• Родился в 1949 году в Нью-Йорке (США). Хореограф, перформер, художник.
• Изучал историю искусств и театр в университете Флориды. Учился танцу в университете Джексонвиля. Получил стипендию на обучение в Joffrey Ballet School в Нью-Йорке, где впервые познакомился с балетами Баланчина.
• Дебютировал в Чикаго в 1971 году. С 1973‑го работал в Штутгартском балете, где при поддержке руководителя балетной труппы Джона Крэнко выпустил спектакль «Изначальный свет» (1976). Поставил «France / D ance» (1983) с юной Сильви Гиллем по приглашению Рудольфа Нуреева для балета Парижской оперы, «Шаги» (Steptext) —для Aterballetto (1985), «In the Middle Somewhat Elevated» с Сильви Гиллем и Лораном Хилэром для Парижской оперы (1987).
• С 1984‑го в течение двадцати лет руководил Франкфуртским балетом, для которого создал такие постановки, как «Artifact» (1984), «Impressing the Czar» (1988), «Limb’s Theorem» (1990), «The Loss of Small Detail» (1991, в соавторстве с композитором Томом Виллемсом и дизайнером Исси Мияке), «A L I E / N A © TION» (1992), «Eidos: Telos» (1995), «Endless House» (1999), «Kammer / Kammer» (2000), «Decreation » (2003). Cтавил балеты для New York City Ballet («Behind the China Dogs», 1988 и «Herman Schmerman. Часть 1», 1992), Королевского балета («Firstext», 1995), Нидерландского театра танца («Say Bye-Bye», 1980, «Mental Model», 1983, «Marion, Marion (NDT III)», «Four Point Counter», 1995), Балета Джоффри («Square Deal», 1983), Национального балета Канады («The second detail», 1981).
• После окончания контракта с Франкфуртским балетом в 2004 году основал независимую труппу Forsythe Company, существующую при поддержке земель Саксония и Гессен, городов Дрезден и Франкфурт, а также частных спонсоров.
• Ранние балеты Форсайта можно найти в репертуаре многих театров мира: Мариинского театра, Парижской оперы, Королевского театра Ковент-Гарден, New York City Ballet, Балета Сан-Франциско и Национального балета Канады. Форсайт создавал архитектурные объекты и инсталляции по заказам архитектора и художника Даниэля Либескинда, арт-групп AR TANGEL (Лондон) и Creative Time (Нью-Йорк), а также парижского муниципалитета.
• Его инсталляции и кинофильмы демонстрировались во многих музеях и на различных выставках, в том числе на Биеннале Уитни (Нью-Йорк), на Венецианской биеннале, в Лувре и в токийской галерее 21_21 Design Sight.
• Его компьютерная программа «Improvisation Technologies: A Tool for the Analytical Dance Eye» («Технологии импровизации: инструмент аналитического взгляда на танец»), разработанная в 1994 году совместно с Ц ентром искусств и медиатехнологий (Карлсруэ, Германия), используется в учебном процессе профессиональных танцевальных трупп, консерваторий, университетов, аспирантур и колледжей всего мира. В 2009‑м в сотрудничестве с университетом штата Огайо был запущен интернет-проект «Synchronous Objects for One Flat Thing» («Синхронные объекты для одной плоскости»), раскрывающий организационные принципы хореографии и возможности ее применения в рамках других дисциплин. Регулярно проводит лекции и семинары в различных университетах.
• Форсайт и его труппа — обладатели многих наград, среди которых Bessie Awards (Нью-Йорк, 1988, 1998, 2004 и 2007) и премия Лоуренса Оливье (Лондон, 1992, 1999 и 2009). В 1999году французское правительство наградило Уильяма Форсайта титулом Кавалера ордена Искусств и литературы. Удостоен Креста «За выдающиеся заслуги» от правительства Германии (1997), «Золотого льва» на Венецианской биеннале (2010), премии американского танцевального фестиваля ADF Сэмюэла Скриппса «За достижения в области хореографии» (2012). См. подробнее в статье Ольги Гердт «Contemporary dance: история трех смертей».

Хан, Акрам

Akram Khan

• Родился в 1974 году в Лондоне. Танцовщик и хореограф, первым скрестивший индийский танец катхак с contemporary dance.
• Сын эмигрантов из Бангладеш, Хан начал заниматься национальным танцем (название которого переводится как «искусство рассказывать истории») в семь лет под руководством Шри Пратап Павара. Дебютировал на сцене в 13 лет в «Махабхарате» Питера Брука. Участвовал в «Книге джунглей» ситариста Рави Шанкара. Изучал современный танец в лучших танцевальных школах Великобритании, причем в Лидсе стал самым блестящим учеником за всю историю. В 1990‑е, работая в X-Group Анны Терезы де Кеерсмакер, поставил первые сольные работы, своеобразный гибрид древнего индийского и современного танца.
• В 2000‑м создал собственную танцевальную компанию. За 15 лет Компания Акрама Хана добилась огромного успеха. Новые спектакли хореографа постоянно получают премии и приглашения на фестивали. С ним сотрудничают лучшие современные художники, композиторы и дизайнеры. Хан работал с Сильви Гиллем, делал хореографию для шоу Кайли Миноуг, сочинял спектакль вместе с Ханифом Курейши, играл в «Гамлете» Питера Брука, вывел Жюльет Бинош на сцену Королевскогонационального театра. В 2012 году компания Хана выступала на открытии Олимпиады в Лондоне.
• Участники его труппы владеют всеми танцевальными стилями: от классики до брейк-данса, от фламенко до буто. Автобиографические спектакли Хана экстремальны и традиционны одновременно, они сочетают танец и ритуал, сближают Восток и Запад. В Великобритании его называют «танцующим гуру», учителем новой духовности. Постоянный композитор Хана Нитин Соуни, лауреат престижной музыкальной премии Mercury Award, признается, что их цель — создать индозападное направление в музыке и танце, исследующее религию, политику и весь англоазиатский опыт.
• Наиболее значимые работы: «Если бы?» (на музыку Соуни), «Мать» (на музыку Нова), «Нулевые степени» (совместно с Сиди Ларби Шеркауи, на музыку Соуни), «Священные чудовища» и «In-I» (на музыку Шеппарда), «Вертикальная дорога» (на музыку Соуни) «DESH» (на музыку Пук), «iTMOi» (на музыку Фроста, Соуни и Пук), «Торобака» (совместно с Израилем Галваном, на музыку Азурзы, Лебутт).
  Ника Пархомовская

Харрел, Треджал

Trajal Harrell

• Родился 1968 году в Дугласе, штат Джорджия (США). Хореограф.
  Выпускник Йельского университета, учился танцу и хореографии в Брауновском университете, в школе Марты Грэм, институте хореографии Сан-Франциско, школе Триши Браун и в центре Movement Research в Нью-Йорке.
• Треджал был одним из первых, кто привез технику вогуинга из Нью-Йорка в Европу. В его работах часто затрагивается тема субкультуры квир, особенно в работе «Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church», которую он сделал в качестве резидента Театра танца Джадсон в Нью-Йорке. «Я был поражен, узнав, что вогуинг и „джадсон эра“ танца постмодерн начались примерно в один и тот же исторический период, в 1960‑е — первый в Гринич Виллидж, в даунтауне, сторой в Гарлеме, в аптауне. Поэтому начиная с 2001 года я в своих работах представлял, что эти две вещи вступили друг с другом в диалог, чтобы и в политическом аспекте и в собственно художественном проблематизировать друг друга». См. подробнее в статьях Сони Левин «Мужское и женское в современном танце» и Евгения Борисенко «Зрительский вопрос: Субъектность зрителя в современном танце».

Чайлдс, Люсинда

Lucinda Childs

• Родилась в 1940 году в Нью-Йорке. Танцовщица, хореограф, режиссер, актриса.
• В 1963–1969 годах работала в Judson Dance Theater по приглашению Ивонн Райнер, с которой познакомилась на занятиях у Мерса Каннингема. В этот период поставила тринадцать хореографических работ, а также танцевала у Ивонн Райнер, Стива Пакстона, Робера Морриса. Ее ранние работы — в основном соло для себя, без музыки, сделанные в стиле концептуализма. Например, номер «Гвоздика» (1964) был сделан в духе «комбинированных картин» Роберта Раушенбаха с «найденными объектами» — бигуди, дуршлаг, пластиковый пакет, носок. С 1973‑го после основания собственной танцевальной компании Чайлдc поставила более 50 работ как для себя, так и для ансамбля, ее стиль эволюционировал от концептуализма к минимализму.
• Хореографический метод Чайлдс, базирующийся на повторяющихся фрагментах и простых танцевальных шагах и движениях, балетный обозреватель «Нью-Йоркера» Арлин Кроче назвала «доисторическим балетом». «Танец» (1979) и «Доступный свет» (1983) — типичные образцы этого периода, производившие не драматический, но гипнотический эффект: мерцающая игра узоров как световые блики на воде.
• В 1976 году Люсинда Чайлдс участвовала в опере «Эйнштейн на пляже» Роберта Уилсона и Филипа Гласса как сопостановщик, хореограф и основной исполнитель. В дальнейшем принимала участие в таких важных постановках Роберта Уилсона, как «Смертельная болезнь» Маргерит Дюрас, «Квартет» Хайнера Мюллера, «Белый ворон» Филипа Гласса.
• С 1980‑х Чайлдс начала использовать пуанты и расширила выбор музыки, тем и композиционных принципов. Однако в главном ее метод уже неизменен: простота изложения и сложность конструкций, интерес к формированию паттернов в большей степени, чем к партнерству, акцент на форме, ясность.
• С 1981 года осуществила более 30 хореографических работ для крупных балетных компаний, в частности для Парижской оперы, Балета Монте-Карлои White Oak Dance Company Михаила Барышникова. Работала в качестве хореографа и режиссера на 16 оперных постановках, в том числе с Люком Бонди.
  По материалам Википедии

Шармац, Борис

Boris Charmatz

• Родился в 1973 году в Шамбери (Франция). Танцовщик и хореограф, один из лидеров движения «не-танец».
• В 1989 году закончил балетную школу Парижской оперы, учился в Лионе, в Национальной консерватории музыки и танца. Танцевал в постановках Одиль Дюбок, Режин Шопино, Мег Стюарт. В 1992‑м совместно с танцовщиком Димитрием Шамбла создал ассоциацию Edna. В 1993‑м в соавторстве с ним же как хореограф осуществил свою первую постановку À bras le corps, в которой выступил и как исполнитель. Подобно многим представителям движения «не-танец» Борис Шармац сосредоточился на радикальных поисках нового места танцовщика в театре. Его работы отличаются импровизационным началом и порой нарочитым минимализмом.
• В 2009‑м, став директором Национального хореографического центра Ренна и Бретани, Шармац предложил преобразовать его в Музей танца. В 2014 году «Музей» попал в фокус внимания берлинского фестиваля Foreign Affairs: он был представлен в пяти форматах и пяти пространствах: на сцене Haus der Berliner Festspiele, в церкви St. Agnes, в музее Martin-Gropius, в квартирах Kunstsaele Berlin и на территории монумента Воину-освободителю в Трептов-парке. Танцовщики показывали и комментировали фрагменты, движения и техники выдающихся хореографов ХХ века.
• В 2011 году Шармац был приглашенным худруком (Artiste Associé) Авиньонского фестиваля.
  Один из последних спектаклей Шармаца «Manger», название которого можно перевести как «есть» или «поглощать», стал значимым событием фестивальной жизни и был показан как в лучших театрах Европы, так и музейных пространствах — например, в Тейтгалерее в Лондоне. Разыгрываемый на почти пустой сцене, освещенной подвешенными под колосники узкими лампами, он начинается с того, что 14 танцовщиков стоят поодаль друг от друга, сжимая в руках листы бумаги формата А4 (сделанные, по всей видимости, из рисовой муки). Один за другим они начинают поглощать эту малопригодную для еды субстанцию. Кто‑то проделывает это спокойно, кто‑то падает на пол и начинает корчиться и издавать утробные звуки. Действие перемежается пением классических произведений (например, Седьмой симфонии Бетховена). Трактовать своеобразный пир можно по‑разному — в пожирающих рисовую бумагу танцовщиках мерещатся и офисные работники, и обитатели консюмеристского рая, поглощающие все, что можно поглотитт. Но, кажется, впервые в истории танца Шармац предлагает задействовать в нем весь организм танцовшиков. Не только ноги, руки, плечи, но даже рот становится у него средством танцевальной выразительности.
  Марина Давыдова

Шеркауи, Сиди Ларби

Sidi-Larbi-Cherkaoui

• Родился в 1976 году в Антверпене (Бельгия). Танцовщик и хореограф.
• Сын эмигранта из Марокко. Учился в медресе, при этом увлекался живописью и копировал фламандских мастеров. Начал заниматься танцем с шестнадцати лет, отдал дань хип-хопу и джазу и позже работал в компании the Bang Gang Dance Company. Закончил школу танца P. A . R . T.S, основанную Анной Терезой Де Кеерсмакер.
• В 1995 году получил первую премию за сольный танец на балетном конкурсе в Генте. В 1998 году Платель пригласил его работать над постановкой «Iets op Bach» в его компании Les Ballets C de la B. Позже Шеркауи также сотрудничал с труппой Саши Вальц и Акрамом Ханом. В 2010 году основал собственную компанию Eastman.
• Одной из самых известных работ Шеркауи стал спектакль «Сутра», в котором заняты монахи из монастыря «Шаолинь». Соавторами балета были польский композитор Шимон Бжуска и британский скульптор Энтони Громли — лауреат престижной премии Тернера. Последний создал деревянные конструкции, ставшие неотъемлемой частью визуального образа «Сутры». В этом спектакле движения кунг-фу вдруг обретали новый — философский и поэтический смысл, а вместе с монахами на сцене танцевали и сами деревянные кубы, придуманные Громли.
• Лауреат The Fringe First Award Эдинбургского фестиваля (1999), премии за лучшую хореографию на Movement Awards в Вольфсбурге, Германия (2000), премии Нижинского (2002).
  По материалам Википедии

Эк, Матс

Mats Ek 

• Родился в 1945 году в Мальмё (Швеция). Танцовщик, хореограф и режиссер.
  Сын знаменитого актера, любимца Ингмара Бергмана Андерса Эка и известной танцовщицы, хореографа Биргит Куллберг, Матс поначалу никак не мог выбрать, по чьим стопам ему пойти. В итоге он учился и танцу модерн в стиле Марты Грэм, и драматическому искусству. Последнее поначалу победило: в 1966–1973 годах Эк работал режиссером в Королевском драматическом театре и Театре марионеток в Стокгольме. Но в 27 лет снова занялся танцем — на сей раз в Стокгольмской академии балета.
• В 1973‑м дебютировал в труппе своей матери («Балет Куллберг»), а в 1974‑1975 годах танцевал в Немецкой опере на Рейне (Дюссельдорф). В 1976‑м поставил спектакль «Денщик» по мотивам пьесы «Войцек» (на музыку Белы Бартока), соединив классический танец с модерном. После этого начал активно ставить балеты на современные темы. В 1980— 1981 годах работал в Нидерландском театре танца под руководством Иржи Килиана, в 1980— 1984 делил пост артистического директора «Балет Куллберг» с матерью, а в 1985–1993 стал его единоличным руководителем.
• В 1982 году создал свою версию «Жизели» — первый из череды балетов, по‑новому открывающих балетную классику (далее последовали «Весна священная», «Лебединое озеро», «Кармен», «Спящая красавица»).
• После 1993 года Эк целиком сосредоточился на постановочной деятельности — он ставил балеты практически во всех ведущих театрах (Королевский шведский балет, Нидерландский театр танца, Парижская национальная опера, Ла Скала, Королевский балет Ковент-Гарден, Штутгартский балет, Метрополитен-опера, Гамбургский балет, Государственный баварский балет, Американский театр балета). Кроме того, Эк продолжает работать и в драматическом театре, где ставит в основном классические пьесы мирового репертуара от «Дон Жуана» Мольера и «Андромахи» Расина до «Венецианского купца» Шекспира и «Вишневого сада» Чехова. В 2007‑м поставил в Королевской шведской опере «Орфея» Глюка. Стиль Эка отличается черным юмором и безжалостным гротеском, чувственной хореографией с активной жестикуляцией. Хореографический почерк Эка предельно лаконичен, при этом его балеты полны цитат и самопародий.
• Эк постоянно работает со своей женой Аной Лагуной, которая станцевала главные партии в большинстве его балетов. Тесно сотрудничает с Сильви Гиллем — с ней он поставил фильмы «Промокшая женщина», «Дым» (с участием своего брата Никласа Эка, известного шведского танцовщика) и танцпьесу «Прощание» (на музыку Бетховена). Для Михаила Барышникова Эк сочинил балеты «Место» (на музыку «Флэшквартета») и «Другой» (на музыку Эрика Сати). Другие значимые работы: «Бернарда» (на музыку Баха, ВиллаЛобоса, Альбениса, Тарреги и испанскую гитарную), «Времена года» (на музыку Вивальди), «Путешествие» (на музыку Стива Райха), «Что‑то вроде» (на музыку Гурецкого), «Воспоминания юности» (на музыку Белы Бартока), «Соло для двоих» (на музыку Арво Пярта), «Квартира» (на музыку «Флэшквартета» — вошла в репертуар Большого театра в 2013), «Алюминий» (на музыку Джона Адамса), «Редька» (на музыку Брамса), «Ickea» (на музыку «Флэшквартета»).
  Ника Пархомовская