Энциклопедия современной оперной режиссуры

Василий Бархатов
Оперный, телевизионный и кино-режиссер, сценарист, актер.
Родился в 1983 году в Москве. Окончил в 2005 факультет музыкального театра Российской академии театрального искусства (ГИТИС). Первая постановка — «Дневник исчезнувшего» Леоша Яначека (2004, Геликон-опера, также художник-постановщик). В 2004 поставил дилогию «Директор музыки» («Сначала музыка, потом слова» Антонио Сальери, «Директор театра» Моцарта, Ростовский музыкальный театр). Стал самым молодым режиссером оперы Мариинского театра, с которым сотрудничал с 2006 по 2013. В сезоне 2013—2014 был художественным руководителем оперной труппы Михайловского театра. С 2012 начал работать в европейских театрах, в последние годы ставит в основном в Германии и Литве (Литовский национальный театр, Венская камерная опера, Немецкая опера, Берлин). Параллельно с работой в опере ставил драмати­ческие спектакли («Новые страдания юного В.», МХТ им. Чехова, «Коварство и любовь», «Приют комедианта», «Разбойники», Театр им. Пушкина, Москва), мюзиклы («Призрак замка Кентервиль» Баскина, Иркутский музыкальный театр им. Н. Загурского, «Шербурские зонтики» Леграна, детский музыкальный театр «Карамболь», Санкт-Петербург) и был режиссером на телевидении. Среди спектаклей — «Енуфа» Яначека, «Отелло» Верди, «Братья Карамазовы» Александра Смелкова, «Мертвые души» Родиона Щедрина, «Сказки Гофмана» Оффенбаха (2007, 2008, 2011, все — Мариинский театр), «Летучая мышь» Рихарда Штрауса (2010, Большой театр), «Летучий голландец», «Евгений Онегин» (2013, 2014, Михайловский театр), «Хованщина» (2015, Театр Базеля). Постоянно сотрудничает с художником Зиновием Марголиным, чьи сценографические решения не только визуализируют концепции Бархатова, но часто сами задают эти концепции. Так, в «Русалке» (2013), одном из самых интересных спектаклей Мариинского театра в минувшем десятилетии, двойная жизнь главного героя была эффектно представлена разделенной на параллельные миры системой подвижных стен.

Дмитрий Бертман
Оперный и телевизионный режиссер, педагог, основатель московского театра «Геликон-опера».
Родился в 1967 году в Москве. В 1988 окончил как режиссер музыкального театра Государственный институт театрального искусства им. А. Луначарского, курс Г. Анисимова. Первые спектакли делал еще в студенческие годы в музыкальных и драматических театрах. В 1990 создал в Москве театр «Геликон-опера», в котором по сей день занимает должности генерального директора и художественного руководителя и ставит спектакли. «Геликон» быстро стал заметным явлением, ставка в котором часто делается на малоизвестные или новые партитуры. В частности, Бертман был режиссером российских премьер опер «Туда и обратно» Хиндемита (1990), «Аполлон и Гиацинт» Моцарта (1992), «Лулу» Берга (2002), «Средство Макропулоса» Яначека (2003), «Диалоги кармелиток» Пуленка (2004). Также среди постановок: «Кармен» (1994), «Царская невеста» (1997), «Сказки Гофмана» (1998), «Леди Макбет Мценского уезда» (2000), «Упавший с неба» по «Повести о настоящем человеке» Прокофьева (2005), «Турандот» (2017). Кроме «Геликона» сотрудничал со многими зарубежными театрами, среди которых Канадская опера, Торонто, Королевская опера, Стокгольм, Норрландская опера, Умео, Опера Мальмё, Швеция, Немецкая опера на Рейне, Дюссельдорф. Также ставил спектакли в Детском музыкальном театре им. Н. Сац, Москва, и в Мариинском театре, Санкт-Петербург. В 1994 начал преподавать, сначала в Оперной студии Берна, Швейцария. В 1996 стал мастером курсов, в 2003 заведующим кафедрой режиссуры и мастерства актера музыкального театра ГИТИСа. Ведет мастер-классы в Московской консерватории.

Дэвид Бёш / David Bosch
Оперный и драматический режиссер.
Родился в 1978 году в Любеке, Германия. Учился в Школе музыки и драмы в Цюрихе, Швейцария, на программе Young Directors Project Зальцбургского фестиваля. Начал театральную карьеру, работая штатным режиссером в театре Шаушпильхаус, Эссен (2005—2006). В 2010—2011 был главным режиссером театра Шаушпильхаус, Бохум, в 2013—2014 — главным режиссером Бургтеатра, Вена. Также сотрудничал с театром Шаушпильхаус, Цюрих, и Международным фестивалем Шиллера в Маннергейме («Коварство и любовь» Шиллера), театром «Талия», Гамбург, театром Шаушпильхаус, Франкфурт («Эмилия Галотти» Лессинга). В последние годы работает преимущественно в опере. Первые оперные спектакли — «Неистовый Роланд» Вивальди во Франкфуртской опере и «Любовный напиток» Доницетти в Баварской государственной опере, Мюнхен, сезон 2009—2010. Также, среди прочего, ставил «Митридата, царя Понтийского» Моцарта, «Орфея» Монтеверди, «Лисичку-плутовку» Яначека, «Идоменея» Моцарта, «Симона Бокканегру» и «Трубадура» Верди, «Альцину» Генделя и «Электру» Штрауса. Часто отправляет героев опер в условно-современный мир, нечто среднее между антиутопией и маргинальными районами. В «Трубадуре» это вагончик-трейлер, в «Проданной невесте» деревенская местность, в раннем «Любовном напитке» — футуристическое полуразрушенное пространство.

Каликсто Биейто / Calixto Bieito
Оперный и драматический режиссер.
Родился в 1963 году в Миранда‑де-Эбро, Испания. Рос в музыкальной семье и с дет­ства учился музыке. Получил образование в католическом иезуитском колледже. Изучал филологию и историю искусства в Барселонском университете, театральное искусство — в Школе драматического мастерства, Таррагон, и Институте театра, Барселона. Начал карьеру во время учебы с постановок Шекспира и Гольдони на Летнем фестивале в Барселоне. Получил стипендию от испанского правительства, которая позволила ему путешествовать, познакомиться с именитыми режиссерами 1980‑х (среди них Питер Брук, Ежи Гротовский, Джорджо Стрелер) и пробовать себя в работе с актерами. В 1990‑е годы ставил в драматических театрах, где сформировался его режиссерский стиль. С нулевых больше работает в опере, хотя периодически делает драматические спектакли. Первая музыкальная постановка — «Лунный Пьеро» Шенберга. Десять лет работал в Театре Ромеа, Барселона. Организовал Barcelona International Theatre, платформу для театров и артистов. В 2010—2012 — приглашенный режиссер на Международном фестивале искусств в Кастилия-Леон. С 2013—2015 — резидент Театра Базеля. В 2017 стал художественным руководителем театра Арриага, Бильбао. Cреди постановок: «Бал-маскарад» (2002, Английская национальная опера, Лондон), «Дон Жуан» (2002, Английская национальная опера), «Похищение из сераля» (2004, «Комише-опер», Берлин), «Воццек» (2006, Королевский театр, Мадрид), «Летучий голландец» (2008, Штутгартская опера), «Кармен» (2012, Парижская опера), «Джезуальдо!» (2017, камерная сцена Гамбургской государственной оперы). Сюжеты опер Биейто интерпретирует, делая акцент на властных взаимоотношениях, унижении и фрустрациях, которые заставляют одних быть угнетателями, других жертвами. Также он ищет прямые современные эквива­ленты для явлений, которые выводятся в произведениях (например, девушек-шансоньеток из «Летучей мыши» Биейто показал как работниц секс-индустрии, а «Кармен» перенес на военную базу). В спектаклях часто демонстрируются гипернасилие и обнаженное тело.

Андреа Брет / Andrea Breth
Театральный режиссер.
Родилась в 1952 году в Риден-ан-Форгензее, Германия. Изучала немецкий и английский язык и литературу в Гейдельбергском университете. В это же время была ассистентом режиссера в Гейдельбергском театре. В 1975 в Бременском театре сделала первую самостоятельную поста­новку. Около десяти лет работала в театрах Берлина, Гамбурга, Бохума и Висбадена, после чего в 1981 начала изучать актерское искусство в Цюрихе. В 1983—1985 была штатным режиссером нескольких театров в Цюрихе. После спектакля «Дом Бернарды Альбы» получила приглашение на берлинский фестиваль «Театртреффен» и звание «режиссера года». В 1986—1989 работала в драматическом театре Бохума. В свой первый сезон там поставила «Юг» Жюльена Грина, с которым вновь участвовала в «Театртреффен» и получила несколько наград. До 1992 работала как независимый постановщик. В 1992 стала художественным руководителем театра «Шаубюне», Берлин, занимала должность до 1997. В 1999—2019 была штатным режиссером Бургтеатра, Вена. Сотрудничала с Зальцбургским фестивалем. Большая часть постановок — драматические спектакли. Во время работы в театре «Шаубюне» и Бургтеатре ставила в том числе русские названия, среди которых «На дне» Горького, «Прошлым летом в Чулимске» Вампилова, пьесы Чехова. В нулевые начала работать в опере. Первая постановка — «Кармен», фестиваль «Искус­ство Штирии», Грац. Среди проектов — «Орфей и Эвридика» Глюка (Лейпцигская опера), «Лулу» и «Воццек» Берга, «Медея» Луиджи Керубини (Берлинская государственная опера), «Катя Кабанова» Леоша Яначека, «Травиата» (Королевский оперный театр «Ла Монне», Брюссель), «Евгений Онегин» (Зальцбургский фестиваль), «Макбет» (Голландская национальная опера, Амстердам), «Якоб Ленц» Вольфганга Рима (фестиваль в Экс-ан-Провансе). Брет ставит оперы, помещая их в антураж жизни upper-middle class. Во многих ее спектаклях центром истории становится сильная женщина — она может быть такой в силу характера, а может и вынужденно взвалить на себя эту роль.

Питер Брук / Peter Brook
Театральный и кинорежиссер, сценарист, теоретик театра, автор книг.
Родился в 1925 году в Лондоне. Учился в колледже Магдалины, Оксфорд. В театре работал с 1943. В 1947 стал ассистентом режиссера в театре в Стратфорде-на-Эйвоне, с 1947 по 1950 — режиссер-постановщик Королевского театра, Лондон (ROH). Избранные постановки раннего периода — шекспировский цикл «Мера за меру» (1950), «Зимняя сказка» (1951), «Тит Андроник» (1955), «Гамлет» (1955), «Буря» (1957), «Король Лир» (1962). В 1964 вместе с Чарльзом Маровицем инициировал в Королевской шекспировской компании так называемый «Сезон жестокости» под влиянием театральных теорий Антонена Арто. Постановки этого периода — «Балкон» (1960), «Ширмы» (1964) Жана Жене и «Марат/Сад» Петера Вайса. В 1968 вышла книга «Пустое пространство» — теоретизация эстетической позиции Брука и одна из самых влиятельных книг по теории театра. С 1970‑х годов работает во Франции, где в 1970 основал Международный центр театральных исследований с базой в театре «Буфф дю Нор», Париж. Избранные спектакли в «Буфф дю Нор» — «Тимон Афинский» (1974), «Убю в Буфф» (1977), «Махабхарата» (1985), «Буря» (1990), Warum Warum по текстам Антонена Арто, Эдварда Гордона Крэга, Шарля Дюллена, Всеволода Мейерхольда, Дзэами Мотокиё, Уильяма Шекспира (2010), «Поле битвы» по «Махабхарате» и текстам Жана-Клода Каррьера (2015). В музыкальном театре (за исключением времени работы в Ковент-Гарден) ставит нерегулярно, с большими перерывами. Постановки — «Богема» Пуччини (1948, ROH), «Борис Годунов» Мусоргского (1948, ROH), «Свадьба Фигаро» Моцарта (1949, ROH), «Саломея» Рихарда Штрауса (1949, ROH), «Олимпийцы» Артура Блисса (1949, ROH), «Фауст» Гуно (1953, Метрополитен-опера, Нью-Йорк), «Евгений Онегин» Чайковского (1957, Метро­политен-опера), «Трагедия Кармен» по мотивам оперы Жоржа Бизе (1981, театр Вивиан Бомон в Линкольн-центре, Нью-Йорк, 1983, киноверсия), «Впечатления Пеллеаса» по опере «Пеллеас и Мелизанда» Дебюсси (1992, театр «Буфф дю Нор»), «Дон Жуан» Моцарта (1998, оперный фестиваль в Экс-ан-Провансе), «Волшебная флейта» Моцарта (2010, театр «Буфф дю Нор»). «Трагедия Кармен», у которой было две формы существования, спектакль и киноверсия, стала одним из важных этапов на пути соединения оперы и современной режиссуры. Композитор Мариус Констан сделал новую музыкальную редакцию, убрав партии хора и редуцировав действие до линий четырех основных персонажей. «Кармен» в этой версии стала камерной драмой, сконцентрированной на особенностях характеров героев и их инстинктах, что для своего времени было революционно. В более поздних оперных работах, следуя принципу «пустой сцены», Брук пользуется минимумом выразительных средств и концентрируется на актерской игре. Так, его «Волшебная флейта» чуть похожа на самодеятельный спектакль или semi-stage: сценографическое решение ограничивается черным планшетом сцены и грудой бамбуковых палок, артисты одеты в повседневную одежду. Ощущение «наивного театра» усиливается тем, что часть сцен решена открытым приемом, когда не задействованные в них артисты подносят реквизит и как бы импровизируют, «собирая» спектакль на глазах у зрителей.

Саша Вальц / Sasha Waltz
Хореограф, танцовщица, театральный и оперный режиссер, основательница театральной компании Sasha Waltz & Guests.
В 1993 году вместе с театральным менеджером Йоханом Сандигом создала компанию Sasha Waltz & Guests, которой руководит и сейчас. В 1996 вошла в группу артистов, которые организовали в центральном Берлине площадку Sophiensäle (Софийский зал) для независимых театральных коллективов, где позже поставила спектакль «Аллея космонавтов». В 1999—2004 вместе с Томасом Остермайером возглавляла театр «Шаубюне», Берлин. В 2019 стала одним из художественных руководителей Государственного балета, Берлин. В 2005 дебютировала как режиссер музыкального театра, поставив «Дидону и Энея» Перселла в Берлинской государственной опере. В последующие годы вышли «Медея» Паскаля Дюсапина (2007, Гранд театр де ля Вилль, Люксембург, 2012, Театр Елисейских полей, Париж), «Ромео и Джульетта» Берлиоза (2007, Парижская опера, 2018, Немецкая опера, Берлин), Passion Дюсапина (2010, Театр Елисейских полей, Париж, 2012, Королевский оперный театр «Ла Монне», Брюссель), «Орфей» Монтеверди (2014, Голландская национальная опера, Амстердам, 2018, Берлинская государственная опера), «Тангейзер» (2014, Берлинская государственная опера). Музыкальные спектакли Вальц (как и Анны Терезы де Кеерсмакер, еще одного хореографа на оперной сцене) называют хореографической оперой. В них есть два параллельных действия: певцы с конвенциональными актерскими задачами и профессиональные танцовщики, которые «разбавляют» статуарные мизансцены. Подробную биографию Вальц-хореографа см. в журнале Театр. №20/2015.

Кшиштоф Варликовский / Krzysztof Warlikowski
Драматический и оперный режиссер, создатель Нового театра, Краков, Польша.
Родился в 1962 году в Щецине, Польша. Изучал историю, философию и романские языки в Ягеллонском университете, Краков, философию, французский язык и литературу в Сорбонне, Париж, режиссуру в Национальной академии театрального искусства в Кракове, где учился в том числе у режиссера Кристиана Люпы. Позже был ассистентом Люпы, Питера Брука (с которым работал над спектаклем «Впечатления Пеллеаса» по «Пеллеасу и Мелизанде» Дебюсси, театр «Буфф дю Нор», Париж), Ингмара Бергмана и Джорджо Стрелера. Первая самостоятельная постановка — 1993, «Маркиза фон О» Генриха Кляйста в Старом театре, Краков. Позже сотрудничал с Новым театром, Познань, театром «Студия», Варшава, Драматическим театром, Варшава. С 1999 — режиссер театра TR Warszawa. В 2008 основал и по сей день руководит Новым театром в Варшаве. Также ставит за пределами Польши. Среди значимых драматических проектов — «Роберто Зукко» (1995, Новый театр, Познань), «Диббук» Семена Ан-ского (2003, Авиньонский фестиваль), «Крум» по пьесе Ханоха Левина (2005, копродукция TR Warszawa и Старого театра, Краков), «(А)поллония» (2009, на территории варшавского ликеро-водочного завода «Конезер»), «Африканские сказки Шекспира» (2011, Новый театр, Варшава). С 2000 ставит музыкальные спектакли. Среди постановок — «Король Убю» Кшиштофа Пендерецкого (2003, Большой театр — Национальная опера, Варшава), «Воццек» Альбана Берга (2006, Национальная опера, Варшава), «Ифигения в Тавлиде» Глюка (2006, Парижская опера), «Средство Макропулоса» Леоша Яначека (2007, Парижская опера), «Лулу» Берга (2012, Королевский оперный театр «Ла Монне», Брюссель), «Женщина без тени» Рихарда Штрауса (2013, Баварская государственная опера), «Триумф Времени и Разочарования» Генделя (2016, Авиньонский фестиваль), «Из мертвого дома» Яначека (2018, Королевская опера, Лондон). Стал первым польским режиссером, ставящим Вагнера в Европе после Второй мировой войны. В оперных спектаклях пользуется «кинематографической» ретро-эстетикой и комбинирует «реальных» персонажей и фигуры-метафоры. Так, в считающуюся изначально сложной по сюжету оперу «Женщина без тени» Варликовский вводил дополнительных безмолвных персонажей, а в «Танце семи покрывал» в «Саломее» участвовала и Саломея — Марлис Петерсон, и танцовщик, изображающий внесценического персонажа — Смерть.

Грэм Вик / Graham Vick
Оперный режиссер, преподаватель, основатель Бирмингемской оперной компании.
Родился в 1953 году в Биркенхеде, Великобритания. Учился в Королевском Северном колледже музыки. Молодым человеком собрал небольшую гастролирующую труппу при Шотландской опере, которая ездила с постановками по Северо-Шотландскому нагорью, позже, в 1980‑е, ставил «Вестсайдскую историю» Бернстайна с безработной молодежью. Важным для Вика годом стал 1987, когда он основал Бирмингемскую оперную компанию, которой руководит по сей день. В 1984—1987 — режиссер-постановщик Шотландской оперы, Глазго. После постановки «Фальстафа» Верди в Королевской опере, Лондон, получил приглашение от оперного фестиваля в Глайдборне и сотрудничал с ним в 1994—2000. В нулевые начал преподавать, в 2002—2003 и 2014—2015 был приглашенным профессором оперного искусства в Оксфорде. Имеет почетные степени Бирмингемского университета и Королевского Северного музыкального колледжа, Манчестер, почетный член Королевского филармонического общества. Среди постановок — «Леди Макбет Мценского уезда» (1994, Метрополитен-опера, Нью-Йорк), «Тристан и Изольда» (2011, Немецкая опера, Берлин), «Борис Годунов» (2012, Мариинский театр, первая редакция оперы), мировая премьера оперы «Среда» из цикла Карлхайнца Штокхаузена «Свет» (2012, Бирмингемская опера). Антураж спектаклей Вика напоминает ТВ-шоу или телевизионные сериалы, оперы переводятся на язык популярных форматов. Часто отправляет персонажей в пространство, напоминающее американские фильмы о жизни людей с невысоким достатком, и использует в постановках символы массовой культуры.

Йосси Вилер и Серджио Морабито / Jossi Wieler, Sergio Morabito
Артистический тандем, занимаются музыкальным театром.
Йосси Вилер — оперный и драматический режиссер, интендант. Родился в 1951 году в Кройцлингене, Швейцария. Изучал режиссуру в департаменте театра Университета Тель-Авива, Израиль. Работал в театре «Габима», Тель-Авив, и в Шаушпильхаусе, Дюссельдорф. 1983—1985 — постоянный режиссер Гейдельбергского театра. Поставленный им «Амфитрион» Кляйста в 1985 включен в программу фестиваля «Театртреффен», Берлин. В 1988—1993 — постоянный режиссер театра в Базеле, в 1993—2000 перешел в том же качестве в Шаушпильхаус, Гамбург. Поставил там, среди прочего, «Облака. Дом» Эльфриде Елинек, спектакль вошел в программу
фестиваля «Театртреффен» и был назван критиками «спектаклем года». С 1994 ставит в музыкальном театре. С 2011 по 2018 — интендант Штутгартской оперы.
Серджио Морабито — оперный режиссер, драматург (в немецкой интерпретации термина). Родился в 1963 году во Франкфурте-на-Майне, Германия. Изучал театроведение под руководством Ханса-Тиса Лемана в Гисенском университете имени Юстуса Либиха. Был драматургом театра «Талия», Гамбург. В разное время сотрудничал с Рут Бергхаус, Кристофером Нелем, Мартином Кушеем, Хансом Нойен­фельсом, Андреа Брет. Вилер и Морабито работают вместе с 1994, в постоянную команду входит также художница Анна Фиброк. Один из основных этапов — проекты для Штутгартской оперы. Среди них — «Милосердие Тита» (1994), «Альцина» Генделя (1998), «Норма» (2002). Среди спектаклей в других оперных домах — «Ариадна на Наксосе» (2001, Зальцбургский фестиваль), «Пеллеас и Мелизанда» (2003, Опера Ганновера, участник Эдинбургского фестиваля), полный цикл опер Моцарта — Да Понте в три вечера (2006, Голландская национальная опера, Амстердам), «Бал-маскарад» (2008, Берлинская государственная опера, 2014, Канадская опера, Торонто). В 2011—2018 Вилер и Морабито входили в команду руководителей Штаатсоперы Штутгарта, в это время работали преимущественно там. Среди проектов — «Счастливая рука/Судьба» Арнольда Шенберга и Леоша Яначека, «Пена дней» Эдисона Денисова, «Фиделио» Бетховена, «Пуритане» Беллини, премьера оперы «Землетрясение. Сны» Тосио Хосокавы. Работа со смысловыми матрицами произведений, намеренное разрушение их сценической мифологии, политизация — отличительные черты постановок тандема. Несмотря на то, что в европейских оперных домах драматурги постоянно участвуют в спектаклях, стабильное сотрудничество Вилера и Морабито и переход драматурга на положение соавтора спектакля, такого же полноценного, как и режиссер, можно назвать уникальным.

Барбара Высоцка / Barbara Wysocka
Актриса, театральный режиссер, скрипачка, соосновательница театра.
Родилась в 1978 году в Варшаве. Окончила Консерваторию в Фрейберге по классу скрипки, актерский и режиссерский факультет Высшей театральной школы Людвига Сольского, Краков. Дебютировала на сцене в 2004, сыграла роль Паскаля в спектакле «Камни и пепел» по пьесе Даниэля Даниса (Польский театр Иеронима Конечка, Быдгощ). Позже присоединилась к труппе Старого театра, Краков, где работала до 2008. Получила известность, играя в спектаклях Михала Задары. Среди постановок — «Ифигения. Новая трагедия» (2008, Старый театр, по сценарию Михала Задары и Павла Демирского), «Скоро наступит утопия» (2010, Старый театр, по текстам Павла Демирского и Адама Мицкевича), «Шопен без фортепиано» (2013, театр Centrala, Варшава, драматург и режиссер Михал Задара). Также участвовала в «Трилогии» Яна Кляты (2009, Национальный театр, Краков), играла Клитемнестру в спектакле Янниса Ксенакиса «Орестея» (2010, Большой театр — Национальная опера, Варшава) и была приглашенной актрисой в спектаклях Театра Максима Горького, Берлин, и театра «Шаубюне», Берлин. В 2000‑е начала сама ставить спектакли. Среди проектов — «Проклятие» (2007, Старый театр, Краков; пьесу Станислава Выспяньского Высоцка решила как журналистское расследование), «Пьяницы» Францишка Богомольца (2009, Старый театр, Краков), «Волоколамское шоссе» Хайнера Мюллера (2010, Польский театр, Вроцлав; в постановке использовалось документальное кино), «Шапочников. Состояние невесомости» (2014; проект посвящен Алине Шапочников, одному из важнейших польских скульпторов XX века, а также проблеме «мужского взгляда» на историю искусства), «1984» по роману Оруэлла (2018, Театр Повшехны, Варшава), «Смерть Дантона» (2018, Национальный театр, Варшава), «Дон Карлос» Шиллера (2018, Фолькстеатр, Вена). В 2009 начала сотрудничать с Большим театром — Национальной оперой, Варшава. Поставила там «Падение дома Ашеров» Филипа Гласса (2009), «Медеяматериал» Паскаля Дюсапена (2012; также исполнительница главной роли), «Моби Дика» Евгениуша Кнапника (2014, мировая премьера), «Тоску» (2019). В 2015 выпустила первый музыкальный спектакль за пределами Польши — «Лючию ди Ламмермур» (Баварская государственная опера, Мюнхен). Также сотрудничала с Брегенцским фестивалем (2016, «Дон Жуан»). Работает на пересечении театра, кино, медиа и перформанса. В драматическом театре интерпретирует тексты как музыкальные партитуры, уделяя внимание ритму и звучанию голоса. Акцентирует внимание на устаревших социальных нормах в сюжетах опер и подбирает время для переноса действия, исходя из критики этих норм (например, действие «Лючии ди Ламмермур», где политик решает, за кого выйдет замуж его сестра, перенесено в эпоху Кеннеди).

Клаус Гут / Claus Guth
Оперный режиссер.
Родился в 1964 году во Франкфурте-на-Майне, Германия. Изучал философию, немецкую литературу и театральное искусство в Мюнхенском университете Людвига-Максимиллиана, режиссуру в Высшей школе Август Эвердинг, Мюнхен. С 1989 работал в немецких театрах и культур­ных институциях (Мюнхенская биеннале, Баварская опера, Гамбургская опера и другие). В 1999 поставил оперу Лучано Берио Cronaca del luogo («Хроника места») на Зальцбургском фестивале, с этого началась его международная карьера. Интересуется современными операми и делает их мировые премьеры. Среди проектов — Pnima… Ins Innere Хаи Черновин (2000, Мюнхенская биеннале), «Береника» Микаэля Жаррера (2004, Парижская опера), Aschemond or The Fairy Queen Хельмута Эринга и Генри Перселла (2013, Берлинская государственная опера), «Фиолетовый снег» Беата Фуррера (2019, Берлинская государственная опера). Другие проекты: трилогия Моцарта — Да Понте (2006, «Свадьба Фигаро», 2008, «Дон Жуан», 2009, «Так поступают все женщины», Зальцбургский фестиваль), «Пелеас и Мелизанда» (2012, Франкфуртская опера), «Богема» (2017, Парижская опера), «Женщина без тени» (2013, Ла Скала, Милан, и Королевская опера, Лондон). Также известен вагнеровскими постановками, среди которых цикл «Кольцо нибелунга» (2008—2010, Гамбургская государственная опера), «Тристан и Изольда» (2008, Цюрихская опера), «Тангейзер» (2010, Венская государственная опера), «Лоэнгрин» (2012, «Ла Скала», Милан). Частый мотив — отстраненность героев друг от друга и от окружающего мира, продиктованная внутренними обстоятельствами или внеш­ними условиями (как в «Богеме», действие которой было перенесено на орбитальную станцию). При помощи дизайна Кристиана Шмидта создает сценические пространства и мизансцены, в которых герои даже визуально разделены.

Вилли Декер / Willy Decker
Оперный режиссер.
Родился в 1950 году в Пульхайме, Германия. Учился по классу скрипки в Рейнском музыкальном училище, Кельн. Изучал германистику, философию, театро- и музыковедение, вокал в Кельнском университете и Кельнской высшей школе музыки. Работал ассистентом режиссера в Кельнской государственной опере, сотрудничал в том числе с Гарри Купфером и Жаном-Пьером Поннелем. С 1986 был художественным руководителем труппы. Первые заметные постановки — 1970‑е. Работал во многих крупных оперных домах. С 1991 постоянно сотрудничает с Дрезденской государственной оперой, в частности, в 2001—2003 выпустил там «Кольцо нибелунга». В 2007 поставил «Травяное вино» Франка Мартена для Рурской триеннале. После успеха спектакля в 2009—2011 был художественным руководителем фестиваля. 2005 — почетный профессор музыкального театра в Высшей школе музыки Ганса Эйслера. Среди постановок — «Милосердие Тита», «Евгений Онегин», (1997, 2010, Парижская опера), «Лулу» (2000, двухактная версия, 2017, полная редакция, Венская государственная опера), «Борис Годунов», «Электра» (2001, 2011, Голландская национальная опера, Амстердам), «Питер Граймс» Бриттена (2004, Королевская опера, Лондон), «Моисей и Аарон» (2009, Рурская триеннале). Самый узнаваемый и тира­жируемый спектакль Деккера — «Травиата» (2005, Зальцбургский фестиваль, 2009, Метрополитен-опера, Нью-Йорк; в разных составах постановки участвовали Натали Дессей, Анна Нетребко, Дмитрий Хворостовский, Томас Хэмпсон). Делает акцент на ярких визуальных метафорах-камертонах. Так, в «Борисе Годунове» доминантами были позолоченный стул-переросток посреди сцены, преследующий Бориса мертвый мальчик и преувеличенно торжественный царский венец. В «Милосердии Тита» ту же функцию выполняет каменная глыба, которая сначала постепенно превращается в скульптурный портрет, а позже разрушается.

Кирстен Дельхольм / Kirsten Dehlholm
Художница, оперный режиссер, писательница, преподавательница, основательница театральной группы Hotel Pro Forma.
Родилась в 1945 году в Вайле, Дания. Изучала работу с текстилем в Школе искусств и ремесел, Крефельд, училась в Школе художественных ремесел, Копенгаген. В 1970‑е была сценографом театральной группы «Римфакс». В 1977 основала первую собственную театральную группу — Billedstofteatret, легенду датского альтернативного искусства, которая существовала до 1985. В 1985 организовала компанию Hotel Pro Forma, которой руководит до настоящего времени. Среди проектов компании — «Почему приходит ночь, мама?» (1989, в пространстве Городской ратуши Орхуса), Operation: Orfeo (1993, шел на сцене Королевского театра Дании; спектакль представлял собой оперу без оркестра), jesus_c.odd_size (2000, в Университете искусств Мальмё, Швеция), «Теремин» (2004; спектакль посвящен Льву Термену), «Смех в темноте» (2014). Занимается музыкальными проектами как в Hotel Pro Forma, так и в классических оперных домах. Среди спектаклей — War Sum Up (мировая премьера, 2011, Латвийская национальная опера, Рига), «Парсифаль» (2013, Большой театр им. Станислава Монюшко, Познань), «Риенци. Взлет и падение» по опере Вагнера (2014, Латвийская национальная опера), «Тройка» Сергея Рахманинова, «Мадам Баттерфляй» (2015, 2017, Королевский оперный театр «Ла Монне», Брюссель), Vespertine (мировая премьера оперы, основанной на песнях Бьорк, 2017, Национальный театр Мангейма). Как художница занималась перфомансами на стыке художественных практик и изучения звука. На нее повлияли работы Тадеуша Кантора и Роберта Уилсона. Сотрудничает с артистами из разных сфер, привлекает в проекты писателей, архитекторов, компо­зиторов, за что получила репутацию обновительницы сценографического искусства. Называет себя мастером изобразительного искусства. В опере работает с противопоставлением музыкальной и сценической составляющих. Так, в «Мадам Баттерфляй» ритм существования артистов намеренно замедляется, их действия превращаются в подобие ритуала или «живой картины».

Дорри Дёрри / Doris Dorrie
Кинорежиссер, постановщица опер, писательница.
Родилась в 1955 году в Ганновере, ФРГ. Училась на факультете драмы University of the Pacific в Калифорнии и в Новой школе в Нью-Йорке. Закончила образование в Университете телевидения и кино в Мюнхене. Начинала с документальных и короткометражных фильмов (первый — в 1983), много работала на телевидении. В общей сложности сняла почти три десятка фильмов, став одним из самых известных и уважаемых режиссеров Германии. Лауреат многочисленных наград, в том числе двух призов Берлинского кинофестиваля. Автор нескольких книг (рассказы и роман «Синее платье» переведены на русский язык). К опере обратилась в 2001, поставив в Берлин­ской городской опере «Так поступают все женщины» Моцарта (дирижер Даниэль Баренбойм). На оперной сцене Дёрри продолжила исследование тех же проблем, которые поднимала в фильмах. Не будучи радикальной феминисткой, она придерживалась выраженной демократической позиции, ее занимала судьба современной женщины, поиск ею своего места в жизни, свободы и гармонии. Ее героини получились куда интереснее и объемнее, чем это принято в комической опере. Вместе с тем Дёрри удалось сохранить моцартовскую легкость, создать красочную, праздничную картинку. Принципа «то, что я делаю, должно быть личным, острым и популярным» она придерживается и в следующих работах — «Турандот» Пуччини в Берлинской городской опере (2003, дирижер Кент Нагано), «Риголетто» Верди в Баварской опере (2005, дирижер Зубин Мета). Для Зальцбургского фестиваля в 2006 поставила «Мнимую садовницу» Моцарта. На протяжении многих лет Дёрри интересовала восточная традиция и тема взаимовлияния Востока и Запада. Неслучайно ее обращение к опере Пуччини «Мадам Баттерфляй» (2005, Мюнхенский театр на Гартнер плац). Восточная стилистика заметна в некоторых ее фильмах (например, в «Цветении сакуры») и особенно в постановке «Адмета, царь Фессалии» Генделя (2009, Геттингенский фестиваль). Действие оперы перенесено в Японию, декорации минималистичны, герои и героини, облаченные в кимоно, поют и исполняют танцы в стиле буто, поставленные Тадаши Эндо.

Ричард Джонс / Richard Jones
Оперный и театральный режиссер.
Родился в 1953 году в Лондоне, Великобритания. Изучал антропологию в Университете Халла, Кингстон-на-Халле, учился в Университете Лондона. В 1988 поставил «На всякого мудреца довольно простоты» (Too Clever by Half) Островского в театре «Олд Вик». В разные время ставил в таких театрах, как «Янг Вик», «Ройял Корт», Королевская Шекспировская компания и Национальный театр, Лондон. C 1990‑х сотрудничал с бродвейскими и офф-бродвейскими театрами. Среди проектов — «Все хорошо, что хорошо кончается» (1993), «Титаник» (1993), «Волосатая обезьяна» (2017), «Конец игры» (2020). В 1989 дебютировал в музыкальном театре, поставив в Английской национальной опере, Лондон, «Любовь к трем апельсинам» Прокофьева. Работал в Уэльской национальной опере, Кардифф, с Глайндборнским оперным фестивалем, Шотландской оперой, Глазго, Метрополитен-опера, Нью-Йорк, театром «Ла Скала», Милан, Голландской национальной оперой, Амстердам, Баварской государственной оперой, Мюнхен, Парижской оперой, фестивалем в Брегенце. Среди постановок — «Ночь в китайской опере» Джудит Уир (1987, мировая премьера, Кент-опера, Ашфорд, Великобритания), «Кольцо нибелунга» (1994, Королевская опера, Лондон (ROH), «Лисичка-плутовка» Леоша Яначека (2006, Голландская национальная опера, Амстердам), «Гензель и Гретель» Энгельберта Хампердинка (2007, копродукция Уэльской национальной оперы, Кардифф, и Лирической оперы Чикаго), «Анна Николь», мировая премьера оперы Марка-Энтони Терниджа (2011, ROH), «Роделинда» Генделя (2014, копродукция Английской национальной оперы, Лондон, и Большого театра, Москва), «Катя Кабанова» Яначека (2019, ROH). В опере занимается «визуальной режиссурой» — в его спектаклях решение передается через целостное восприятие всей сценической среды. Важную роль играют костюмы, их детали, особенности грима и соотношение объемов и пропорций. Психологические характеристики персонажей выражаются через пластику и внешний вид.

Франко Дзеффирелли / Franco Zeffirelli (Gian Franco Corsi Zeffirelli)
Режиссер театра и кино, сценограф.
Родился в 1923 году во Флоренции, умер в 2019 в Риме. В 1941 окончил Академию изящных искусств Флоренции. Карьеру начал ассистентом у Лукино Висконти и Роберто Росселлини. Делал декорации и костюмы для театральных постановок Висконти. После успеха оформления «Трех сестер» Чехова (1952) приглашен оформить постановку оперы Россини «Итальянка в Алжире» (1953, театр «Ла Скала», Милан). Режиссер Коррадо Паволини по болезни не смог завершить репетиции, спектакль выпустил Дзеффирелли. Директор театра Антонио Гирингелли после премьеры предложил режиссеру осуществить самостоятельную постановку оперы Россини «Золушка» (1954) с Джульеттой Симионато в заглавной партии. Важной вехой становится знакомство с Марией Каллас на постановке оперы Россини «Турок в Италии» (1955). Основные постановки в «Ла Скала» — «Богема» Пуччини (1963), «Аида» Верди (1963, 2006), «Травиата» Верди (1964), «Бал-маскарад» Верди (1972), «Отелло» Верди (1976), «Сельская честь» Масканьи и «Паяцы» Леонкавалло (1981), «Турандот» Пуччини (1983), «Дон Карлос» Верди (1992), «Дочь полка» Доницетти (1996). Работал в крупнейших оперных театрах мира: Королевской опере, Лондон (1958, «Манон Леско» Пуччини; 1960, «Лючия ди Ламмермур» Доницетти; 1961, «Фальстаф» Верди; 1962, «Дон Жуан» Моцарта и «Альцина» Генделя; 1964, «Тоска» Пуччини — в этом спектакле в последний раз на сцену вышла Каллас, «Риголетто» Верди и «Пуритане» Беллини); Венской государственной опере (1963, «Богема» Пуччини; 1972, «Дон Жуан» Моцарта, 1978, «Кармен» Бизе,). В Метрополитен-опере дебютировал в 1964 («Фальстаф» Верди). Мировой премьерой оперы Барбера «Антоний и Клеопатра» (1966) в постановке режиссера было открыто новое здание Метрополитен-оперы в Линкольн-центре. В дальнейшем поставил там оперы Масканьи (1970, «Сельская честь»), Верди (1972, «Отелло»,), Пуччини (1981, «Богема»; 1985, «Тоска», 1987, «Турандот»), Моцарта (1992, «Дон Жуан»), Бизе (1996, «Кармен»). С конца 1940‑х работал в кино. Дебютом стала экранизация «Укрощения строптивой» Шекспира (1967) с Элизабет Тейлор и Ричардом Бёртоном. В 1968 Дзеффирелли снял «Ромео и Джульетту» по Шекспиру. Фильм был удостоен двух «Оскаров», трех «Золотых глобусов» и других кинопремий. Как кинорежиссер работал с жанром фильма-оперы. Огромный зрительский успех принесли режиссеру экранизации опер «Травиата» (1982, в главной роли — Тереза Стратас), «Сельская честь» / «Паяцы» (1982, в главных ролях — Елена Образцова, Пласидо Доминго, Тереза Стратас, Хуан Понс) и «Отелло» (1986, в главной роли — Пласидо Доминго). Работал со всеми крупнейшими дирижерами и певцами ХХ столетия, в том числе с Гербертом фон Караяном, Леонардом Бернстайном, Карло Марией Джулини, Клаудио Аббадо, Карлосом Кляйбером, Жоржем Претром, Томасом Шипперсом, Джеймсом Ливайном, Джузеппе Синополи, Джанандреа Гаваццени, Джоан Сазерленд, Миреллой Френи, Лучано Паваротти, Леонтиной Прайс, Геной Димитровой, Пьеро Каппуччилли. Тремя главными потрясением своей артистической жизни называл Анну Маньяни, Марию Каллас и Елену Образцову. Ко многим операм Дзеффирелли обращался не один раз, при этом сохраняя основные мизансцены и сценографическое оформление и фактически цитируя собственные спектакли. Его постановки отличались подробной разработкой ролей, но еще более — гипертрофированной и продуманной до деталей пышностью декораций и костюмов.

Андрий Жолдак / Андрiй Жолдак
Театральный режиссер, теоретик.
Родился в 1962 году в Киеве, УССР. Учился в Национальной художественной школе им. Т. Шевченко. Получил два режиссерских образования: Киевский государственный институт искусств им. И. Карпенко-Карого и Государственный институт театрального искусства им. А. Луначарского, курс А. Васильева. С 1989 работал в украинских театрах (Национальный драматический театр им. И. Франко, театр Леси Украинки). С 1995 стал президентом Международного фонда Ukraine-Culture-Europe, выпускал спектакли на базе фонда. После больших гастролей со спектаклями «Кармен» и «Швейк» стал больше сотрудничать с европейскими и российскими театрами (Театр наций, «Балтийский дом»). В 2002—2005 руководил Харьковским драматическим театром им. Т. Шевченко, вернул ему историческое название «Березiль». Театр за недолгое время стал важной точкой на театральной карте Европы. В 2005 спектакль «Ромео & Джульетта. Фрагменты» после нескольких показов был закрыт (предположительно за демонстрацию обнаженного тела) по требованию властей, Жолдак был вынужден уйти из театра. После этого перестал работать в украинском театре (исключение — «Ленiн LOVE, Сталiн LOVE» и «Войцек» в Областном музыкально-драматическом театре им. Т. Шевченко, Черкассы). Сейчас ставит в России и в Европе (в том числе в Румынии, Германии, Финляндии). В опере дебютировал в 2012 в Михайловском театре, Санкт-Петербург. Среди постановок — «Евгений Онегин», «Иоланта» (2012, 2018, Михайловский театр), «Мирандолина» Богуслава Мартину (2014, Городской театр Гиссена), «Царь Кандавл» Александра фон Цемлинского (2016, Фламандская опера, Антверпен и Гент, Бельгия), «Любовный напиток» Доницетти (2018, Большой театр им. Станислава Монюшко, Познань), «Чародейка» Чайковского (2019, Лионская национальная опера). Оперные спектакли Жолдак решает в сновидческом ключе, соединяет «реальное» действие и фантазийный мир. Так, «Евгения Онегина» он населил персонажами из других произведений Пушкина и сна Татьяны, а само действие сделал закольцованным, добавив в финале повторное исполнение увертюры.

Георгий Исаакян
Оперный режиссер, педагог.
Родился в 1968 году в Ереване. Учился по классу скрипки, теории музыки и композиции в специальной музыкальной школе при Ереванской консерватории. В 1991 окончил факультет музыкального театра Государственного института театрального искусства им. Луначарского. Поставил дипломный спектакль по опере «Ануш» А. Тиграняна в оперной студии Ереванской консерватории, после чего в 1989—1991 работал там как режиссер и педагог. С 1991 по 2010 работал в Пермском театре оперы и балета, с 1996 — главный режиссер, с 2001 — художественный руководитель театра. Среди постановок — «Борис Годунов» Мусоргского, «Пир во время чумы» Цезаря Кюи, «Каменный гость» Даргомыжского, «Скупой рыцарь» Рахманинова, «Моцарт и Сальери» Римского-Корсакова. Также ставил в других российских театрах, среди которых «Геликон-опера» («Кейстут и Бирута» Скрябина), Мариинский театр, Камерный музыкальный театр им. Б. Покровского («Мелкий бес» Александра Журбина). Придумал и до 2011 руководил фестивалем «Дягилевские сезоны», Пермь. С 2010 — художественный руководитель Детского музыкального театра им. Сац. Частично обновил оперный репертуар Театра им. Сац, в частности, поставил барочные оперы «Игра о душе и теле» (2012), «Альцина, или Волшебный остров» (2014), а также «Любовь к трем апельсинам» Прокофьева (2011), «Лисичка. Любовь» по «Лисичке-плутовке» Леоша Яначека (2015), «Упражнения и танцы Гвидо» Владимира Мартынова (2017). Пригласил в театр художника Ксению Перетрухину и выпустил с ней «Орфея» Монтеверди (2018), где действие переместилось в ротонду театра, а также российскую премьеру «Жестоких детей» Филипа Гласса (2020). Работает как с классическими названиями, так и с новыми или редкими партитурами. Был режиссером российских премьер опер «Золушка» Массне, «Лолита» Родиона Щедрина, «Альцина» Генделя, «Орфей» Монтеверди (2001, 2003, 2005, 2007, все — Пермский театр оперы и балета), мировых премьер опер «Христос, или Семь попыток познания Божественного» Антона Рубинштейна (2008, Пермский театр оперы и балета), «Один день Ивана Денисовича» Александра Чайковского (2009, Камерный музыкальный театр им. Б. А. Покровского).

Роберт Карсен / Robert Carsen
Оперный и театральный режиссер, художник по свету в собственных постановках.
Родился в 1954 году в Торонто, Канада. Театром увлекался с детства, играл в спектаклях в колледже. Учился в Университете Йорк, Торонто. Бросил учебу в Канаде, изучал актерское искусство в театральной школе «Бристоль Олд Вик», Великобритания, где заинтересовался режиссурой. Работать в опере начал в 1980, когда стал ассистентом режиссера (волонтером) на фестивале в Сполето. Также был ассистентом режиссера на спектаклях Глайндборнского фестиваля, работал в Королевской опере, Лондон (ROH). Первые самостоятельные постановки — «Маяк» Питера Максвелла Дэйвиса и «Блудный сын» Бриттена на Весеннем фестивале Guelph, Онтарио. Стал известен после работы над «Мефистофелем» Арриго Бойто (1988, Женевская опера и Опера Сан-Франциско) и «Сном в летнюю ночь» Бриттена (1991, фестиваль в Экс-ан-Провансе, позже переносился на другие сцены). В Женеву Карсена пригласил Хьюго Галль, в тот момент генеральный директор театра. Позже, перейдя в Парижскую оперу, Галль перенес туда несколько постановок Карсена и заказывал новые оригинальные постановки (всего 12 спектаклей). Среди них — «Каприччио» (2004), в котором частью спектакля становилась вся сцена Опера Гарнье вместе с задним Танцевальным фойе, обычно скрытым от публики. Работает с большинством крупных оперных домов в Европе и США. Среди постановок — «Евгений Онегин» (1997, Метрополитен-опера, Нью-Йорк), «Альцина», «Русалка» (1999, 2002, Парижская опера), «Травиата» (2002, театр «Ла Фениче», Венеция), «Тоска» (2000, Гамбургская государственная опера), «Кольцо нибелунга» (2006, Кельнская опера), «Фальстаф» (2012, Английская национальная опера, Лондон, Метрополитен-опера, Нью-Йорк). Также ставит драматические спектакли (Комеди Франсез, Париж, Пикколо театро ди Милано) и мюзиклы. Спектакли можно поделить на две группы: близкие к режиссерской опере и компромиссные, относящиеся скорее к мейнстримному оперному театру. Во вторых ход либо банален (мир-театр и его изнанка в «Дон Жуане»), либо отсутствует вовсе, акцент переносится на отдельные удачные мизансцены и находки для артистов («Фальстаф», «Кавалер розы», 2004, Зальцбургский фестиваль). В спектаклях первой группы Карсен часто переносит действие в современность. Генеральный прием педалируется на протяжении всего спектакля. Например, перенос действия в цирк в «Риголетто» и «Ричарде III», (театр «Ла Фениче», Венеция). Или противопоставление «фальшивого» мира Виолетты, изображенного как светский салон, идиллической, «натуральной» жизни с Альфредо, символом которой становятся фотообои с изображением леса («Травиата»).

Ромео Кастеллуччи / Romeo Castellucci
Драматический и оперный режиссер, драматург, эссеист, автор сценографии, костюмов и световых решений к своим спектаклям, основатель компании «Общество Рафаэля».
Родился в 1960 году в Чезене, Италия. Изучал живопись и сценографию в Академии изящных искусств, Болонья. В 1981 стал одним из основателей театральной компании Socìetas Raffaello Sanzio («Общество Рафаэля»). В 1999 поставил для фестиваля современной музыки Holland Festival, Амстердам, спектакль Genesis. From the Museum of Sleep по библейским текстам. Среди значимых постановок в драматическом театре — трилогия «Ад / Чистилище / Рай» по мотивам «Божественной комедии» Данте Алигьери в пространстве Почетного двора Папского дворца в Авиньоне (2008, Авиньонский фестиваль), «Project J. О концепции лика сына Божьего» (2011, Авиньонский фестиваль). Сотрудничал с крупными европейскими фестивалями: руководитель театрального направления Венецианской биеннале (2005), приглашенный худрук (associated artist) Авиньонского фестиваля (2008). С 2011 выпускает спектакли отдельно от «Общества Рафаэля». В опере дебютировал в 2011, первые постановки — «Парсифаль» Вагнера и «Орфей и Эври­дика» Глюка, Королевский оперный театр «Ла Монне», Брюссель. Позже параллельно выпускал условно-драматические и музыкальные спектакли. Сотрудничал с Парижской оперой, Баварской государственной оперой, Мюнхен, Гамбургской государственной оперой, Зальцбургским фестивалем, фестивалем в Экс-ан-Провансе. Среди музыкальных постановок — «Весна священная» (2014, Рурская триеннале искусств), «Моисей и Аарон» Шенберга (2015, Парижская опера), «Жанна на костре» Артюра Онеггера (2017, Лионская национальная опера, спектакль также показывался в Пермском театре оперы и балета на Дягилевском фестивале-2018), «Тангейзер» Вагнера (2017, Баварская государственная опера), «Саломея» Рихарда Штрауса (2018, Зальцбургский фестиваль), Реквием Моцарта (2019, фестиваль в Экс-ан-Провансе). Режиссерский стиль Кастеллуччи предполагает создание тотального художественного простран­ства, соединяющего разные виды искусств, и отказ от главенства литературной основы и нарративности в пользу визуальной образности. Из-за этого проводить границу между его проектами в драме и опере можно в основном по месту выпуска спектакля. В условно-музыкальных спектаклях он исследует сценический потенциал ритуализированных действий (девушки мерно стреляют из луков на протяжении всей увертюры к «Тангейзеру»), природу ритуала и сам театр как ритуал (особенно выделяется «Волшебная флейта», 2018, «Ла Монне», где система правил барочного театра трактуется как один из видов ритуала). Часто работает (хотя в опере реже, чем в драматических проектах) с проблемой рецепции христианских догм и символов, в особенности с концепцией жертвенности и связанными с ней телесными практиками.

Анна Тереза де Кеерсмакер / Anne Teresa de Keersmaeker
Хореограф, основательница танцевальной компании Rosas.
Родилась в 1960 году в Мехелене, Бельгия. В детстве училась музыке, специализировалась на флейте. Во время обучения в школе «Мудра» продолжала заниматься музыкой. Основала в 1983 танцевальную компанию Rosas, в которой часто работала как хореограф с современной музыкой (минимализм) и произведениями первой половины XX века. В 1992—2007 вместе со своей компанией — резидентка Королевского оперного театра «Ла Монне», Брюссель. С 1998 эпизодически ставит оперные спектакли. В основном работает с классикой первой половины XX века (Бела Барток) и современной академической музыкой (Тосио Хосокава). Спектакли — «Замок Синей бороды», «Двое Фоскари», «Ханьо» Хосокавы (1998, 2003, 2004, все — Королевский оперный театр «Ла Монне»), «Так поступают все женщины» (2018, Парижская опера). Делает «хореографические оперы», где танцовщики «комментируют» действия певцов посредством движений и выступают как двой­ники героев.
Подробную биографию Кеерсмакер-хореографа см. в журнале Театр. №20, 2015.

Уильям Кентридж / William Kentridge
Художник, кино-, телевизионный и оперный режиссер.
Родился в 1955 году в Йоханнесбурге, ЮАР. Изучал политологию и африканистику в Витватерсрандском университете, Йоханнесбург, ЮАР, живопись в Фонде искусств Йоханнесбурга. В 1980‑е изучал актерское мастерство и пантомиму в Международной театральной школе Жака Лекока, Париж. Хотел быть актером, позже отказался от мысли об исполнительской карьере. В 1970‑е зарабатывал в ЮАР как художник, рисуя агитационные плакаты для рабочих и проф­союзов. В 1975—1991 был актером и режиссером в театральной компании Junction Avenue, Йоханнесбург. Также в 1980‑е работал на телевидении как художник и режиссер. В это время перешел от рисования пастелью и офортов к переносу изображений на экран. Кентридж начал делать фильмы, состоящие из переснятых на пленку рисунков углем. Стал известен как художник после падения режима апартеида в ЮАР. Кентридж участвовал в двух биеннале, которые прошли в Йоханнесбурге, после чего был приглашен на биеннале современного искусства в Сиднее, Австралия, и на «Документу Х», Кассель, 1997. В опере ставит сам, также работает как автор сценической среды. Среди проектов — «Возвращение Улисса на родину» Монтеверди, версия для кукольного театра (1998, Handspring Puppet Company, ЮАР), «Волшебная флейта» (2005, Королевская опера «Ла Монне», Брюссель), «Нос» Шостаковича (2010, Метрополитен-опера, Нью-Йорк) и «Телеграммы от Носа» Франсуа Сарана (2009), «Зимний путь» по песенному циклу Франца Шуберта (2014, премьера на фестивале Wiener Festwochen, Вена), «Лулу» (2015, копродукция Метрополитен-опера, Нью-Йорк, и Английской национальной оперы, Лондон), «Воццек» (2017, Зальцбургский фестиваль). В музыкальном театре Кентридж использует как часть постановки графику, выполненную в его характерном стиле, который называют «анимационным палимпсестом». Как и в других своих работах, в опере он склонен к политическим высказываниям, критике капитализма и различных форм нетерпимости.

Петер Конвичный / Peter Konwitschny
Оперный режиссер, преподаватель.
Родился в 1945 году во Франкфурте-на-Майне, Германия. Сын дирижера Франца Конвичного. Изучал режиссуру в Высшей школе Ганса Эйслера, Берлин. 1971—1979 — ассистент режиссера в театре «Берлинер ансамбль», Берлин, работал под руководством последовательницы Бертольта Брехта Рут Бергхаус. С 1980 стал работать самостоятельно, сначала как независимый режиссер. В 1986—1990 был режиссером-резидентом в Галльском оперном театре, поставил там три оперы Генделя («Ринальдо», «Галатея и Полифем», «Тамерлан»), «Орфея и Эвридику» Глюка и «Кармен» Бизе. После объединения Германии начал международную карьеру. В 1990‑е сотрудничал с Оперой Граца и Дрезденской государственной оперой. С 1998 по 2005 активно работал в Гамбургской государственной опере, выпустил такие спектакли, как «Моисей и Аарон» Шенберга, «Нюрнбергские мейстерзингеры», «Лоэнгрин» Вагнера. С 2008 по 2012 был главным режиссером Лейпцигской оперы. Член-учредитель Свободной академии искусств в Лейпциге, член Саксонской академии искусств и Академии искусств Берлин-Бранденбург. Единственный режиссер, получивший пять раз звание «Лучший режиссер года» по версии немецкого журнала Opernwelt (1995, 1998, 1999, 2000, 2001). Среди постановок — «Гибель богов» (2000, Штутгартская опера), «Нетерпимость» Луиджи Ноно (2001, Немецкая опера, Берлин), «Летучий голландец» (2004, Большой театр, Москва), «Электра» Рихарда Штрауса (2005, Королевская датская опера, Копенгаген). Конвичный наследует традиции немецкого политического театра и настаивает, что в опере важны не только музыка, но и трезвое рассмотрение сюжета и его социальной детерминированности. Например, в финале «Нюрнбергских мейстерзингеров» Вагнера Конвичный на время останавливал оркестр и устраивал между персонажами дискуссию о шовинистских и националистических идеях, которые содержатся в либретто.

Барри Коски / Barrie Kosky
Оперный и драматический режиссер.
Родился в 1967 году в Мельбурне, Австралия. Начал интересоваться театром в школе, в частности, играл в спектаклях и пробовал ставить, занимался в Молодежном центре искусств Сен-Мартинс. Изучал фортепиано и историю музыки в Мельбурнском университете. Первая постановка — 1989, австралийская премьера оперы «Сад-лабиринт» Майкла Типпетта. В 1990 организовал театр «Гилгуд» и до 1997 был его художественным руководителем. Ставил там драматические спектакли, среди которых «Трилогия изгнания» (The Exile Trilogy, 1991—1993) по текстам еврейских авторов. В это же время работает как оперный режиссер с австралийскими театрами. Среди них Оперный театр Виктории, Мельбурн, Опера Квинсленда, Австралийская опера, Сидней. В 1996 провел как художественный руководитель фестиваль искусств в Аделаиде, став самым молодым его руководителем. До 2001 ставил музыкальные и драматические спектакли в Австралии. В 2001 начал работу в Европе, приняв должность содиректора театра Шаушпильхаус, Вена. Руководил им до 2005, параллельно сотрудничал с немецкими оперными домами, например, Берлинской и Венской государственными операми. В это же время начал сотрудничать с «Комише-опер», Берлин, где в 2003 дебютировал «Великим мертвиархом» Дьердя Лигети. До сезона 2012—2013 работал параллельно в драматическом и музыкальном театре. С 2012 стал главным режиссером «Комише-опер». В 2017 стал первым режиссером еврейского происхождения, которого пригласил Байройтский фестиваль. Поставил там «Нюрнбергских мейстерзингеров», сделав героями самого Вагнера и его окружение. Среди постановок — «Поппея» по опере Клаудио Монтеверди с использованием песен Кола Портера (2009, Австралийская опера, Сидней), «Кастор и Поллукс» Жана-Филиппа Рамо (2011, Английская национальная опера, Лондон), «Волшебная флейта» (вместе с группой «1927», 2012, «Комише-опер»), «Нос» Шостаковича (2013, копродукция Королевской оперы, Лондон, Австралийской оперы, Сидней, и «Комише-опер»), «Огненный ангел» Прокофьева (2015, Баварская государственная опера, Мюнхен), «Жемчуга Клеопатры» Оскара Штрауса (2016, «Комише-опер»), «Кармен» (2017, Франкфуртская опера), «Макбет» (2018, Цюрихская опера). Спектакли Коски можно назвать карнавальными: в них часто встречаются элементы, отсылающие к drag queen и кабаре. Его «Поппею» описывали как «групповой секс разных жанров».

Андреас Кригенбург / Andreas Kriegenburg
Театральный режиссер, автор сценографии к своим постановкам.
Родился в 1963 году в Магдебурге, Германия. До того, как начал заниматься театром, был столяром. Работал в мастерских магдебургского театра Максима Горького. Специального театрального образования нет. С 1984 работал ассистентом режиссера в Театре Герхарта Гауптмана в Циттау. В 1988 пришел в Театр Клейста, Франкфурт-на-Одере, где помимо работы ассистентом стал пробовать себя как режиссер. 1991—1996 — постоянно работал в театре «Фольксбюне», Берлин, вместе с Франком Кастрофом обеспечивая обновление театра. Поставленный там «Войцек» Георга Бюхнера вошел в программу фестиваля «Театртреффен». Работал как режиссер-резидент с 1997 по 1999 в Государственной опере Ганновера в Нижней Саксонии и с 1999 по 2001 в Бургтеатре, Вена. В 2001 —  2009 был художественным руководителем театра «Талия», Гамбург. Параллельно сотрудничал с театром Каммершпиле, Мюнхен, где поставил в том числе «Орестею» Эсхила (2002), «Трех сестер» Чехова (2006) и «Процесс» по роману Кафки, который вошел в программу «Театртреффен» (2008). С 2009 по сезон 2013—2014 работал в Немецком театре, Берлин. С 2016 ставит как независимый режиссер. В опере дебютировал в 2005, поставил «Орфея и Эвридику» Глюка в оперном театре Магдебурга. Среди постановок — «Воццек» Альбана Берга (2008, Баварская государственная опера (BSO), Мюнхен), «Кольцо нибелунга» (2012, BSO), «Солдаты» (2014, BSO), «Отелло» Верди (Берлинская государственная опера), «Так поступают все женщины» и «Дон Жуан» Моцарта (2014, 2016, Дрезденская государственная опера), «Леди Макбет Мценского уезда» Шостаковича (2017, Зальцбургский фестиваль), «Гугеноты» (2018, Парижская опера). В отличие от многих других режиссеров, работающих в разных странах, не ставит за пределами немецкоязычного региона, в том числе потому, что ему важно работать на родном языке. Спектакли часто построены на нарочитом противоречии визуального и аудиального рядов, музыка и сценическое действие словно бы существуют отдельно друг от друга. Любит использовать в спектаклях некроэстетику, показывая персонажей как оживших мертвецов.

Тимофей Кулябин
Драматический и оперный режиссер.
Родился в 1984 году в Ижевске. Окончил в 2007 Российскую академию театрального искусства (ГИТИС), актерско-режиссерский курс Олега Кудряшова. Основная часть карьеры связана с новосибирским театром «Красный факел». Начал работу там как ассистент режиссера на спектакле «Порция Кохлан» (режиссер Марина Карр). В 2007 стал штатным режиссером труппы, с 2015 главный режиссер театра. Среди постановок — «Онегин», «KILL» по пьесе Фридриха Шиллера «Коварство и любовь», «Процесс» и «Три сестры», которые произвели в 2016 фурор на Wiener Festwochen, а затем были триумфально сыграны в разных странах мира. Также сотрудничал с Театром наций, Москва, Резиденц-театром, Мюнхен, театром «Шаушпильхаус», Цюрих. Дебют в опере — «Князь Игорь» в Новосибирском театре оперы и балета (2009). После перерыва в несколько лет поставил там же спектакль «Тангейзер» (2014), который после премьерного блока стал поводом для судебного процесса — Кулябина и директора Новосибирской оперы Бориса Мездрича обвинили в «осквернении религиозных символов». Спектакль просуществовал несколько месяцев, был снят с репертуара
новым директором театра Владимиром Кехманом и остался в новейшей истории российского театра как первый прецедент судебного преследования за режиссерское решение и одно из антисобытий 2010‑х. После этого Кулябин был приглашен в Большой театр, где выпустил две постановки — «Дона Паскуале» Доницетти (2016) и «Русалку» Дворжака (2019). Также работал с Оперным театром Вупперталя, где поставил «Риголетто» Верди (2017) и «Царь Эдип/Свадебка» Стравинского (2019). Один из немногих российских режиссеров, который работает в опере в тандеме с драматургом в немецком значении термина (в основном с Ильей Кухаренко).

Гарри Купфер / Harry Kupfer
Оперный режиссер, преподаватель.
Родился в 1935 году и умер в 2019 в Берлине, Германия. Изучал театральное искусство в Театральной школе в Лейпциге. Первый спектакль, «Русалку» Дворжака, поставил в 1958 в Галльском оперном театре, где также работал ассистентом режиссера. В 1960‑е работал в театре «Штральзунд» и театре в Карл-Маркс-штадт (сейчас Хемниц). С 1966 по 1972 — оперный режиссер в Национальном театре Веймара. В это же время начал преподавать, первое место работы — Высшая школа музыки Франца Листа, Веймар. В 1972—1982 работал в Дрезденской государственной опере. В 1981 стал главным режиссером «Комише-опер», Берлин, занимал позицию до 2002. Многократно был постановщиком немецких и мировых премьер оперных сочинений, среди которых «Моисей и Аарон» Арнольда Шенберга (1975, премьера в ГДР), «Черная маска» Кшиштофа Пендерецкого, в которой также стал соавтором либретто (1986, мировая премьера на Зальцбургском фестивале; 1988, американская премьера в Опере Санта-Фе), «Антигона против города» Георга Катцера (1991, «Комише-опер», Берлин). Много ставил оперы Рихарда Вагнера, среди значимых опытов — «Летучий голландец», в котором события оперы трактовались как галлюцинации Сенты (1978, Байройтский фестиваль), и «Кольцо нибелунга» (1988, Байройтский фестиваль). Также среди спектаклей — цикл моцартовских опер в порядке их создания (1980‑е, «Комише-опер»), «Богема» Пуччини (1982, Венская народная опера), «Борис Годунов» Мусоргского
(1983, «Комише-опер»), «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии» Римского-Корсакова (1995, фестиваль в Брегенце), «Поворот винта» Бриттена (2002, «Комише-опер»). Для постановок Купфера характерен индустриальный дизайн.

Мартин Кушей / Martin Kusej
Оперный и театральный режиссер, препода­ватель.
Родился в 1961 году в Волфсберге, Австрия. Изучал немецкий язык, литературу и спортивную медицину (sports science) в Университете Граца и там же, в Университете музыки и театрального искусства, режиссуру. Получил степень магистра. В 1986 стал ассистентом режиссера Ландестеатра, Зальцбург, позже работал в этом же качестве в Словенском национальном театре, Любляна. В 1990 вместе со сценографом Мартином Цехентгрубером и литературным агентом Сильвией Брандил основал компанию My friend Martin («Мой друг Мартин»), которая играла спектакли в Граце. В 1992 выпустил первый спектакль в Германии, Irrlichter — Schrittmacher в Национальном театре Мюнхена. В 1993 начал сотрудничать с Государственным театром Штутгарта, где поставил в том числе «Коварство и любовь» Шиллера и «Очищенных» Сары Кейн. В 1999 его спектакль «Сказки Венского леса» по Эдёну фон Хорвату (Гамбург) вошел в программу фестиваля «Театртреффен», Берлин. Работал как приглашенный режиссер в Бургтеатре, Вена, и театре «Талия», Гамбург. В 2004—2006 занимался планированием программы драматических спектаклей Зальцбургского фестиваля. В 2011—2019 — художественный руководитель Национального театра Мюнхена, где поставил в том числе «Гедду Габлер», «Фауста», «Кто боится Вирджинию Вулф?». С сезона 2019—2020 — художественный руководитель Бургтеатра, Вена. 2013 — приглашенный преподаватель режиссуры на семинаре Макса Рейнхардта в Институте театра и театральной режиссуры при Венском университете музыки и исполнительского искусства. Дебют в музыкальном театре — 1996, «Король Артур» Перселла и Джона Драйдена в Штутгартской опере (участник фестиваля «Театртреффен»). В 2014 поставил «Идоменея» Моцарта в Королевской опере, Лондон, который вызвал неоднозначную реакцию. В 2015 его остросоциальная версия «Похищения из сераля» Моцарта для фестиваля в Экс-ан-Провансе была отредактирована руководством фестиваля (убраны арабские надписи на флагах, напоминающие знаки террористических организаций, и муляжи отрубленных голов). Также среди проектов — «Кармен» (Берлинская государственная опера), «Милосердие Тита» и «Дон Жуан» (Зальцбургский фестиваль), «Электра» и «Волшебная флейта» (Цюрихская опера), «Саломея» (Опера Граца), «Леди Макбет Мценского уезда» (копродукция Голландской национальной оперы, Амстердам, Парижской оперы и Королевского театра, Мадрид), «Русалка» (Баварская государственная опера, Мюнхен).

Бенджамен Лазар / Benjamin Lazar
Оперный режиссер, актер.
Родился в 1977 году. Барочный жест и декламацию изучал у Эужена Грина, позже учился актерскому мастерству, игре на скрипке и вокалу в школе Клода Матье. В 2004 поставил балет-комедию «Мещанин во дворянстве» (театр Le Trianon, Париж). С 2004 по 2012 играл в этом спектакле роли Клеонта и Учителя философии. «Мещанин» также стал первым опытом сотрудничества Лазара с дирижером Венсаном Дюместром, художественным руководителем ансамбля La Poeme Harmonique. В том же году основал компанию The Theater of the Incredulous. В 2008 переносит на сцену «Государства Луны», роман Сирано де Бержерака (театр «Атеней Луи Жуве», Париж). После этого начинает активнее заниматься театром барокко и на драматической сцене. Среди постановок — La Vita humana Марко Мараццоли (2006, фестиваль старинной музыки Holland Festival Oude Muziek, Утрехт), Il Sant’Alessio Стефано Ланди (2007, Театр де Кан, версия для контртеноров), Riccardo Primo Генделя (2014, Генделевский фестиваль в Карлсруэ), «Фаэтон» Жана-Батиста Люлли (2018, Королевская опера в Версале и Пермский театр оперы и балета им. Чайковского). Также работает с операми и драмой рубежа XIX—XX веков. Среди постановок — «Золушка» Жюля Массне (2011, Опера-Комик, Париж), «Ариадна на Наксосе» (2013, театр «Атеней»), «Диббук, или Два мира» Семена Ан-ского (2015, фестиваль Printemps des Comédiens, Монпелье), «Травиата. Ты заслуживаешь лучшее будущее» (Traviata, Vous méritez un avenir meilleur, 2016, «Буфф дю Нор», Париж), «Пелеас и Мелизанда» Дебюсси (2016, Опера Мальмё, Швеция). В 2010—2013 был резидентом Théâtre de Cornouaille, Кемпер, где ставил оперы современных композиторов (Cachafaz Оскара Страсного, 2010, «Пантагрюэль» Оливье Мартен-Салвана, 2013). Постановки барочных опер Лазар делает в ключе «исторически информированного исполнения» (Historically Informed Performance, HIP, по‑русски также аутентизм, термин, который обычно относится к музыкантам). Сочетает «аутентичные» сценические приемы и жесты, принятые в XVIII веке, со стилизацией и фантазиями на тему барокко.

Николаус Ленхофф / Nikolaus Lehnhoff
Оперный режиссер.
Родился в 1939 году в Ганновере, умер в 2015 в Берлине. Изучал театроведение и музыку в Мюнхенском и Венском университетах. Защитил докторскую диссертацию на тему «Средства изображения похоти, юмора и гротеска в «Нюрнбергских мейстерзингерах» Вагнера». В 1960‑х начал работать как режиссер, первая площадка — Немецкая опера, Берлин. В это же время был ассистентом Виланда Вагнера, художника, режиссера, который своими минималистичными постановками, отказом от натурализма и романтизации мифов начал менять облик Байройтского фестиваля. Вагнер-внук оказал на Ленхоффа большое влияние, с которым связывают, например, тягу режиссера к символизму в постановках. В 1967 пришел в Метрополитен-опера, Нью-Йорк, работал там как режиссер возобновлений в 1970‑е. Первый самостоятельный спектакль — «Женщина без тени» Рихарда Штрауса (1972, Парижская опера). Повторил этот спектакль в Опере Сан-Франциско (1976), начав сотрудничество с этим театром, которое продлилось около тридцати лет. В Опере Сан-Франциско (SFO) выходили или повторялись многие заметные спектакли Ленхоффа, среди которых «Саломея» Штрауса (1982; в 1989 вышла версия в Метрополитен-опера, Нью-Йорк), «Кольцо нибелунга» (первая постановка 1983—1985), «Валькирия» (1995), «Парсифаль» (1999, первые показы — Английская национальная опера, Лондон (ENO); спектакль называют хитом режиссера, он многократно воспроизводился на разных сценах), «Летучий голландец» (2004). В Великобритании известен по работам на Глайндборнском фестивале, где Ленхофф поставил три оперы Леоша Яначека (1988, «Катя Кабанова», 1989, «Енуфа», 1995, «Средство Макропулоса») и «Тристана и Изольду» (2003, первая постановка этой оперы в Глайндборне). Ленхофф активно работал с вагнеровскими операми, поставил все основные названия композитора, некоторые («Парсифаль», «Летучий голландец», «Тристан и Изольда», первая постановка 1973, оперный фестиваль «Хорегии Оранжа», «Кольцо нибелунга», впервые для SFO) повторялись в разных оперных домах. Также среди постановок — «Электра» Рихарда Штрауса (2010, Зальцбургский фестиваль), «Турандот» Пуччини (2015, «Ла Скала», Милан). Хотя Ленхофф сам не занимался дизайном и сценической средой спектаклей, его можно определить как режиссера-художника: для разных его работ характерны лаконичные и метафоричные решения пространства и костюмов: например, Святой Грааль в «Парсифале» он показал в виде слепящего света, источник которого не виден из зала. Это трактовали как намек на ядерную катастрофу: Грааль — ее центр, вокруг которого сложился новый культ.

Робер Лепаж / Robert Lepage
Театральный и кинорежиссер, актер, драматург, сценарист, основатель театральной компании Ex Machina.
Родился в 1957 году в Квебеке, Канада. Учился в Консерватории музыки и драматического искусства, Квебек, посещал семинары театральной школы Алена Кнаппа, Париж. В 1980 стал актером, драматургом и режиссером в театре Repère, Квебек, где работал до распада труппы в 1994. Поставил здесь первые известные спектакли — Circulations («Круговорот») и «Трилогию драконов». В 1989—1993 параллельно работал как художественный руководитель Французского театра Национального центра искусств, Оттава. В 1994 организовал и возглавил театральную компанию Ex Machina, в которой работает до сих пор. В 1997 создал Междисциплинарный продюсерский центр «Казарма», Квебек. Среди постановок — «Семь притоков реки Ота» (1994), «Эльсинор» (моноспектакль, 1995), «Обратная сторона Луны» (2000), «Липсинк» (2007). Также сотрудничает с Цирком дю Солей и ставит концертные туры. Первая постановка в опере — «Замок герцога Синяя борода / Ожидание» Белы Бартока и Арнольда Шенберга (1993, Канадская опера, Торонто). Среди проектов — «Осуждение Фауста» Берлиоза (1999, Метрополитен-опера, Нью-Йорк), «Похождения повесы» Стравинского (2007, Королевский оперный театр «Ла Монне», Брюссель), «Соловей и другие небылицы» по камерным операм Стравинского (2009, Канадская опера), «Кольцо нибелунга» (2010—2012, Метрополитен-опера), «Волшебная флейта» (2018, Оперный фестиваль в Квебеке). Концептуально и актерски оперные постановки Лепажа традиционны. Основной интерес представляют в них технологии: работа со светом и мультимедиа. Так, круговая система подвижных лопастей в «Кольце нибелунга», единственный большой элемент сценографии, показывает с помощью света все многочисленные локации четырех опер этого цикла.

Кристоф Лой / Christof Loy
Оперный режиссер, преподаватель.
Родился в 1962 году в Эссене, Германия. Изучал режиссуру музыкального театра в Университете искусств Фолькванг, Эссен, позже в Мюнхенском университете изучал философию, историю искусства и филологию (италистика). В 1984—1986 работал ассистентом режиссера в Рурском музыкальном театре. В 1986 перешел в Государственную оперу Висбадена. В 1990 начал работать как независимый режиссер. Часто сотрудничает с Королевским театром «Ла Монне», Брюссель, Гамбургской государственной оперой, Баварской государственной оперой, Мюнхен, Немецкой оперой на Рейне, Дюссельдорф. Среди постановок — «Свадьба Фигаро» (1998, «Ла Монне», Брюссель), «Дон Жуан» (1999, Опера Граца), «Ифигения в Авлиде» Глюка (2002, Глайндборнский фестиваль), «Ариадна на Наксосе», «Тристан и Изольда» (2002, 2010, Королевская опера, Лондон), «Так поступают все женщины» (2010, Франкфуртская опера), «Женщина без тени», «Ариодант» (2011, 2017, Зальцбургский фестиваль), «Тоска» (2018, Финская национальная опера, Хельсинки). Работает с произведениями разных периодов от барокко до новой музыки. Не имеет четко определяемых общих приемов. Тем не менее можно говорить об узнаваемой манере Лоя. Он всегда тщательно подходит к деталям: его спектакли отличаются особенной поэтичностью и похожи на изящные гравюры, которые хочется долго и подробно рассматривать. Часто используются чуть приглушенный свет и теплые, смягченные тона, элементы ретро-эстетики, отчего картинка еще больше напоминает старые фото или кино на пленке.

Саймон МакБерни / Simon McBurney
Актер, продюсер, писатель и театральный режиссер, основатель театра Complicite, Лондон.
Родился в 1957 году в Кембридже, Великобритания. Изучал английскую литературу в Петерхаус, Кембридж, и актерское искусство в Международной театральной школе Жака Лекока, Париж. Основал собственную театральную компанию Complicite («Соучастие»), спектакли которой идут по всему миру. В начале деятельности, в 1989, компанию на четыре месяца приютил режиссер Пьер Оди, позволив играть в его театре «Алмейда». Среди постановок МакБерни в Complicite — «Улица крокодилов» (1992), «Исчезающее число» (2007), «Собачье сердце» (2010), «Мастер и Маргарита» (2011). Также делал независимые проекты. Впервые поставил оперный спектакль, мировую премьеру оперы «Собачье сердце» композитора Александра Раскатова, по настоянию Оди (проект театра Complicite, показы в Голландской национальной опере, на Holland Festival, Амстердам, в «Ла Скала», Милан, Английской национальной опере — ENO, Лондон). Также ставил «Волшебную флейту» (2013, ENO, Лондон), «Похождения повесы» (2017, фестиваль в Экс-ан-Провансе и Музыкальный театр им. Станиславского и Немировича-Данченко, Москва), «Семь смертных грехов» (2020, Филармонический оркестр Лос-Анджелеса). В музыкальном театре часто использует визуальные метафоры и открытые сценические приемы, обнажая механизмы создания спектакля. Самый удачный проект — «Волшебная флейта»: опера Моцарта трактуется как черная комедия и временами фарс, действие перенесено в условно современный маргинальный мир. Вспоминая о зрелищности театра XVII—XVIII веков, МакБерни изобретает современные эквиваленты театральной машинерии того времени, а часть аттракционов буквально собирается на глазах у зрителей.

Дэвид МакВикар / David McVicar
Оперный режиссер.
Родился в Глазго, Шотландия. Учился в Академии музыки и драмы, Глазго, как актер, режиссер и театральный художник. Работает как независимый режиссер. Среди постановок — «Агриппина» (2000, Королевский оперный театр «Ла Монне», Брюссель, также Театр Елисейских полей, Париж, Английская национальная опера, Лондон), «Риголетто» (2001, Королевская опера, Лондон), «Поругание Лукреции» (2001, фестиваль в Олдборо), «Волшебная флейта» (2003, Королевская опера, Лондон (ROH), «Поворот винта» (2006, Мариинский театр, также Английская национальная опера, Лондон), «Трубадур» (2009, Метрополитен-опера и Лирическая опера Чикаго), «трилогия Тюдоров» — «Анна Болейн», «Мария Стюарт», «Роберто Деверё» (2011, 2012, 2016, Метрополитен-опера, Нью-Йорк), «Тоска» (2017, Метрополитен-опера, Нью-Йорк), «Смерть в Венеции» Бриттена (2019, ROH). Один из немногих востребованных сегодня режиссеров, который по преимуществу ставит принципиально конвенциональные спектакли (исторические костюмы, соблюдение времени действия, встроенность в систему звезд и работа с «примами»).

Кристоф Марталер / Christoph Marthaler
Театральный и оперный режиссер, композитор, музыкант.
Родился в 1951 году в Эрленбахе, Цюрих. Изучал игру на флейте, гобое и духовных инструментах XIV—XVIII веков в Институте искусств, Цюрих, позже в Париже. Окончил Международную театральную школу Жака Лекока, Париж. В 1970‑х работал как артист оркестра и композитор в театре Ноймаркт, Цюрих, и в независимых коллективах. Писал музыку для различных театров и собственных проектов. 1974—1978 — участвовал в экспериментальной театральной группе «Таро», которую осно­вал вместе с Додо Хугом и Пепе Зольбахом. 1988—1993 — режиссер и композитор Городского театра Базеля. Поставил там «Место прибытия. Вокзал» (1988), «ПроШвейцарию» (Prohelvetia) (1993). В Базеле начал работать с художницей Анной Фиброк и литературным агентом Штефани Карп, которые стали его постоянной командой. 1993—2000 — режис­сер в театре «Шаушпильхаус», Гамбург, и «Фольксбюне», Берлин. Спектакли этого периода — «Фауст Гёте, корень из 1+2» (1993, Гамбург, по собственной пьесе), «Час ноль, или Искусство сервировки» (1995, Гамбург), «Захватчик — юбилейный концерт в двух действиях по мотивам Карла Валентина и Мориса Метерлинка» («Фольксбюне»), «Три сестры» (1997, «Фольксбюне») и, пожалуй, самый известный спектакль Марталера «Убей европейца!» (1993, «Фольксбюне»; спектакль шел до 2007), обеспечивший ему репутацию одного из самых радикальных режиссеров и породивший культ вокруг его имени. До 1991 не ставил спектакли, основанные на драматургических текстах. 2000—2004 — режиссер театра «Шаушпильхаус», Цюрих, ушел из‑за разногласий с городскими властями по поводу финансирования театра. Здесь поставлен (в том числе) спектакль «Прекрасная мельничиха» по песенному циклу Франца Шуберта (2001). С 2004 — независимый режиссер. Сотрудничает с европейскими фестивалями: 2010 — приглашенный художественный руководитель Авиньонского фестиваля, поставил там спектакль «Папперлапапп». Дебютировал в оперном театре в 1994, поставил «Пеллеаса и Мелизанду» Дебюсси во Франкфуртской опере. С этого времени постоянно работал с дирижером Сильвеном Камбренгом. В 1997 стал музыкальным руководителем Венского ансамбля исполнителей современной академической музыки Klangforum. Среди постановок — «Лунный Пьеро» Шенберга, «Свадьба Фигаро», «Средство Макропулоса» (1996, 2001, 2011, Зальцбургский фестиваль), «Тристан и Изольда» (2005, Байройтский фестиваль), «Фама. Аудиотеатр для большого ансамбля, восьми голосов, актрисы и безопасных методов строительства» Беата Фуррера (2005, фестиваль новой музыки «Дни музыки в Донауэшингене»), «Травиата» (2007, Парижская опера), «Сказки Гофмана» Оффенбаха (2014, Королевский театр, Мадрид), «Лулу» Берга (2017, Гамбургская государственная опера). Оперные спектакли Марталера, как и его работы в драматическом театре, отмечены фирменными приемами: действие перенесено в пространство, одновременно напоминающее Германию до объединения страны и поздний СССР, но при этом не имеющее конкретных примет времени. Персонажи трактуются как «обычные люди», при этом в актерском рисунке могут быть использоваться приемы буффонады. Еще один частый прием — статичность исполнения как маркер отключенности, отрешенности героев, их отсутствия.

Кэти Митчелл / Katie Mitchell (Katrina Jane Mitchell)
Режиссер драматического и музыкального театра, преподаватель, автор книг.
Родилась в 1964 году в Беркшире, Великобритания. Училась в Оксфордском университете, изучала английскую филологию. Работает в театре с 1986. Карьеру начинала как ассистент и второй режиссер в нескольких британских театральных компаниях, среди которых театр «Голова короля», Лондон, Королевская шекспировская компания, Стратфорд-на-Эйвоне (RSC), Королевская опера, Лондон (ROH). В 1990 основала собственную компанию Classics on a Shoestring, в которой ставила драматические спектакли. С 1994 сотрудничала с Королевским национальным театром (RNT), Лондон. 1996—1998 — режиссер-постановщик RSC, с 1997 — программный директор «Другого места», одной из сцен этого театра. В 2000—2004 — режиссер-постановщик театра «Ройял Корт», Лондон. Среди спектаклей в драматическом театре — «Финикиянки» Еврипида (RSC), «Волны» по роману Вирджинии Вулф (RNT), «Фрау Жюли» по пьесе Августа Стриндберга, «Дыхание» Д. Макмиллана и «Орландо» по роману Вирджинии Вулф (театр «Шаубюне», Берлин), «Психоз 4.48» Сары Кейн и «Кольца Сатурна» по роману В. Г. Зебальда (театр «Шаушпильхаус», Кельн). В 2016—2017 была приглашенной заведующей кафедрой оперных исследований в Оксфордском университете. Дебютный оперный спектакль — «Дон Жуан» (1996, Уэльская национальная опера (WNO), Кардифф. Среди проектов — «Енуфа» Леоша Яначека (впервые поставила в 1998, WNO), «После Дидоны» по «Дидоне и Энею» Перселла (2007, Английская национальная опера, Лондон), «Под жарким солнцем любви» Луиджи Ноно (2009, Зальцбургский фести­валь), «Траурная ночь» на музыку Баха, «Альцина», «Пеллеас и Мелизанда», «Ариадна на Наксосе» (2014, 2015, 2016, 2018, фестиваль в Экс-ан-Провансе), «Травяное вино» Франка Мартена (2013, Берлинская государственная опера), «Лючия ди Ламмермур» (2016, Королевская опера — ROH), «Миранда» Перселла (2017, Опера-Комик, Париж), «Замок герцога Синяя Борода» (2020, Баварская государственная опера, Мюнхен). Работает с современными композиторами, среди которых Джеймс МакМиллан («Партеногенез», 2009, ROH, Лондон, «Милосердие», 2011, ROH2), Манфред Троян («Орест», 2011, мировая премьера, Голландская национальная опера, Амстердам), Джордж Бенджамин («Написано на коже», 2012, мировая премьера, ROH, «Уроки любви и жестокости», 2018, мировая премьера, ROH) и Вашку Мендонса («Захваченный дом», 2013, мировая премьера, фестиваль в Экс-ан-Провансе). В драматических и оперных спектаклях Митчелл подробная психологическая игра актеров и натурализм изображения сочетаются с использованием мультимедиа. В опере особенно заметна склонность к феминистскому дискурсу: центром постановок становится женщина, которой разрешены неконвенциональные проявления гнева, отчаяния, излишней властности. Митчелл переформулирует произведения с позиций героинь, которым раньше отводилось либо место страдалицы, либо подчиненная позиция.

Ханс Нойенфельс / Hans Neuenfels
Оперный режиссер, писатель, поэт, кинопродюсер, либреттист.
Родился в Крефельде, Германия. Изучал актерское мастерство и режиссуру на семинаре Макса Рейнхардта, Школа драмы в Университете музыки и исполнительских искусств, Вена. Был личным секретарем художника Макса Эрнста. Первое место работы в качестве режиссера — Театр ам Нашмаркт, Вена. После этого сотрудничал с региональными театрами, например, театром в Трире. Устраивал там хэппенинги и акции, среди которых были антинацистские (символический снос городского кафедрального собора). В последующие годы ставил в крупных европейских театрах (среди них Бургтеатр, Вена, драматический театр во Франкфурте-на-Майне). В 1986—1990 — интендант театра «Фольксбюне», Берлин. Дебют в опере — 1974, «Трубадур» Верди в Нюрнберге. Следующий крупный спектакль — «Аида» (1980, Франкфуртская опера), в котором заглавная героиня была показана как уборщица. Среди постановок — «Так поступают все женщины» (2000, Зальцбургский фестиваль, спектакль подвергался критике за демонстрацию сексуальных фетишей), «Летучая мышь» (2001, Зальцбургский фестиваль), «Идоменей» (2003, Немецкая опера, Берлин), «Тангейзер» (2010, Байройтский фестиваль), «Пиковая дама» (2018, Зальцбургский фестиваль). Спектакли Нойенфельса часто провоцировали скандалы и возмущение публики, в том числе из‑за переноса действия в современность, социальной тематики и откровенных эротических сцен. Блок показов «Идоменея», в котором демонстрировались отрубленные головы пророка Мухаммеда, Иисуса и Будды, руководство театра Немецкой оперы, Берлин, попыталось отменить, чтобы не рисковать безопасностью зрителей и сотрудников (в автобиографии «Книга бастарда» режиссер указывает, что это произошло в 2006, через три года после премьеры). В результате общественной дискуссии о самоцензуре и потенциальной угрозе агрессии исламских радикалов, в которую включилась канцлер Ангела Меркель, спектакли все же состоялись.

Анту Ромеро Нуньес / Antu Romero Nunes
Драматический и оперный режиссер.
Родился в 1983 году в Тюбингене, Германия. После окончания школы начал работать как режиссер и актер в театре «Линденхоф», Тюбинген. Уехал в Чили, был режиссером и продюсером в театре и кино, позже вернулся в Германию. Учился в Академии театрального искусства Эрнста Буша, Берлин. Во время учебы ставил в театрах Дюссельдорфа, Берлина и Шверина. Получил за ранний спектакль «Духовидец» по Фридриху Шиллеру в Театре Максима Горького, Берлин, приглашение на фестиваль Radikal jung. В 2010 начал работать в Театре Максима Горького, где стал самым молодым режиссером-резидентом. В том же качестве в 2014 начал работать в театре «Талия», Гамбург. С сезона 2020—2021 в составе команды возглавит Театр Базеля. Избранные постановки в драматическом театре — «Не хочу умереть, смотря «Человека-паука-3» (2009, Баденский государственный театр, Карлсруэ), «Вторжение!» (2009, театр «Талия», Гамбург), «Мерлин, или пустынная страна» (2011, театр «Талия», Гамбург), «Рокко и его братья» (2011, Театр Максима Горького, Берлин), «Одиссея» (2017, театр «Талия», Гамбург; спектакль участвовал в фестивале «Театртреффен», Берлин).
В 2014 поставил первый музыкальный спектакль, «Вильгельм Телль» Джоакино Россини, в Баварской государственной опере (BSO), Мюнхен. Постановки в опере — «Вампир» Генриха Маршнера (2016, «Комише-опер», Берлин), «Сицилийская вечерня» Верди (2018, BSO), «Волшебная флейта» Моцарта (2020, театр Гейдельберга — Theater und Orchester Heidelberg). Переносит в оперу эстетику мюзиклов с акцентом на зрелищность, сделал из «Сицилийской вечерни» в буквальном смысле бал зомби.

Пьер Оди / Pierre Audi
Оперный режиссер, театральный менеджер.
Родился в 1957 году в Бейруте, Ливан. В семнадцать лет из‑за начавшейся гражданской войны уехал из страны в Великобританию. Изучал историю в Эксетер-колледже, Оксфорд. В 1979 основал в Лондоне театр «Алмейда», в котором значительное место отводилось современной музыке, и около десяти лет руководил им. Уже в это время начал не только ставить сам, но и работать с приглашенными режиссерами. В 1988 стал руководителем и режиссером Голландской национальной оперы, Амстердам (DNO, до 2013 De Nederlandse Opera). Сделал театр одним из важных оперных домов в Европе. Впервые в Нидерландах поставил полностью «Кольцо нибелунга» Вагнера. Работал с современными композиторами, в частности, инициировал мировую
премьеру «Жизни с идиотом» Альфреда Шнитке в DNO. Среди других постановок — трилогия Моцарта — Да Понте, «Диалоги кармелиток» Пуленка, цикл опер Монтеверди, «Письма к Вермееру» Луи Андриссена, «Алиса в стране чудес» Александра Кнайфеля. Благодаря ему в DNO работали дирижеры Саймон Рэттл, Марк Альбрехт, Мстислав Ростопович, режиссеры Клаус Михаэль Грубер, Питер Селларс и Саймон МакБерни, для которого сотрудничество с этим оперным домом стало первым опытом в музыкальном театре. Руководил в 2005—2014 фестивалем современного искусства Holland Festival. В 2015 году стал художественным руководителем проекта «Оружейная палата Парк-авеню», Нью-Йорк. В 2018 завершил тридцатилетнее сотрудничество с DNO и стал новым интендантом фестиваля в Экс-ан-Провансе. В отличие от предыдущих мест, в Эксе не собирается ставить крупные вещи сам. Поставил в 2018 в театре «Ла Скала», Милан, мировую премьеру оперы Дьердя Куртага «Конец игры» по Сэмюэлю Беккету, считает это своим главным спектаклем. В интервью говорит, что принципиальное отличие фестиваля от репертуарного театра для него заключается в возможности больше рисковать, выпускать проекты-события, инициировать новые тренды.

Дэвид Олден / David Alden
Оперный и кинорежиссер.
Родился в 1949 году в Нью-Йорке, США. Брат режиссера Кристофера Олдена. Рос в артистической семье, с детства интересовался театром и музыкой. В раннем возрасте решил стать оперным режиссером. Окончил университет Пенсильвании. Первая постановка в Опере Омахи. В отличие от брата чаще ставит в европейских театрах. Интерес начался с поездки в 1976, во время которой Дэвид узнал о спектаклях режиссеров немецкой школы, среди которых были последователи Брехта. Европейский дебют — «Риголетто» в Шотландской опере, Глазго. В 1984 по приглашению нового руководства театра, решившего пересмотреть репертуар и художественную политику, поставил в Английской национальной опере (ENO), Лондон, «Мазепу» Чайковского. Спектакль отличался жестокостью, был прозван «бензопилой Мазепы» и соответствовал тому, что хотели видеть на сцене директор Питер Йонас и режиссер Дэвид Паунтни. С этого времени Олден стал одним из основных режиссеров ENO. Поставил там, среди прочего, «Енуфу» Леоша Яначека, «Билли Бадда» и «Питера Граймса» Бенджамина Бриттена. В 1993 Питер Йонас ушел в Баварскую государственную оперу, Мюнхен, куда позвал и Олдена. До ухода Йонаса в 2006 режиссер активно ставил в этом оперном доме. Среди спектаклей: «Коронация Поппеи» и «Возвращение Улисса на родину» Монтеверди, «Тангейзер» и «Кольцо нибелунга» Вагнера, «Пиковая дама» Чайковского, «Лулу» Берга. Вместе с братом поставил полусценическую версию трилогии Моцарта — Да Понте для Симфонического оркестра Чикаго и дирижера Даниэля Баренбойма. На стиль Олдена повлияло его знакомство с наследниками театрального экспрессионизма. Его постановки 1980‑х сравнивали с фильмами Роберта Вине. Склонен к политическому заострению и карикатуре.

Кристофер Олден / Christopher Alden
Оперный и драматический режиссер.
Родился в 1949 году в Нью-Йорке, США. Брат режиссера Дэвида Олдена. Рос в артистической семье, с детства интересовался театром и музыкой. В детстве, как и брат, решил стать оперным режиссером. Окончил Пенсильванский университет. Начал театральную карьеру как актер. Был ассистентом оперного режиссера Жана-Пьера Поннеля, работал с ним в Европе. Первые самостоятельные постановки — «Груди Терезия» Франциска Пуленка (1974, Manhattan Theater Club, Нью-Йорк), «Травиата» и «Севильский цирюльник» (1974, Опера Омахи). В 1970‑х ставил в оперных театрах Санта-Фе и Сент-Луиса, Опере Далласа, продолжал сотрудничать с Оперой Омахи. В 1982 был приглашен в Оперу Лонг-бич, Калифорния, с которой сотрудничал в течение долгого времени. Здесь он взялся за «Смерть в Венеции» Бенджамина Бриттена. Постановка стала важной и для артиста, и для оперного дома, идея Олдена показать персонажей как тени была оценена критикой. В 1990‑е пришел в Оперу Лос-Анджелеса, в которой также много ставил. Среди проектов — опера «Харви Милк» о первом открытом гее в американской политике, написанная композитором Стюартом Уоллесом и либреттистом Майклом Кори. Также в США делал спектакли для многих оперных компаний, среди них — Нью-Йорк сити опера (с 1979), Лирическая опера Чикаго, Гранд-опера Хьюстона, Опера Питтсбурга. В Европе сотрудничал с Английской национальной оперой, Лондон (ENO), Шотландской оперой, Глазго, Опера-комик, Париж, Мангеймской оперой, Большим театром Женевы. Также среди постановок — «Богема» (1982, Опера Лонг-бич), «Коронация Поппеи» Монтеверди (1984, Опера Лонг-бич), «Партенопа» Генделя (2008, копродукция
ENO и Австралийской оперы, Сидней), «Сон в летнюю ночь» Бриттена (2011—2012, копродукция ENO и Музыкального театра им. Станиславского и Немировича-Данченко, Москва), «Норма» Беллини (2012, Opera North, Лидс), «Три сестры» Петера Этвёша (2019, «Урал опера балет», Екатеринбург). Акцент в постановках — на психологическую проработку (например, в «Похождениях повесы» Стравинского ввел двух исполнителей партии Тома, чтобы показать разность проявлений персонажа, его буквальную раздвоенность).

Алекс Олле (группа La Fura dels Baus) / Alex Ollé
Театральный режиссер, один из художественных руководителей каталонской театральной группы La Fura dels Baus.
Родился в 1960 году в Барселоне, Испания. В 1979 вошел в театральную группу La Fura dels Baus. До 1983 вместе с другими участниками проводил уличные представления. В 1996 вместе с сооснователем La Fura dels Baus Карлушем Падрисса, скульптором Хауме Пленса и видеохудожником Франком Алеу поставил первые музыкальные спектакли — «Атлантиду» Мануэля де Фальи и «Смерть святого Себастьяна» Дебюсси. Позже был режиссером спектаклей «Волшебная флейта» (2003, Рурская триеннале, Парижская опера и Королевский театр, Мадрид), «Великий мертвиарх» Дьердя Лигети (вместе с Валентиной Карраско, 2009, оперный театр «Лисео», Барселона, Королевский оперный театр «Ла Монне», Брюссель, Английская национальная опера, Лондон, Римская опера), «Возвышение и падение города Махагони» Курта Вайля (вместе с Карлушем Падрисса, 2010, Королевский театр, Мадрид), «Квартет» Луки Франческони (2010, дебют Олле в театре «Ла Скала», Милан, копродукция с фестивалем Wiener Festwochen), «Аида» (вместе с Карлушем Падрисса, 2013, открытие Арена-ди-Верона, Италия), «Трубадур» Верди (2015, Голландская национальная опера, Амстердам, Парижская опера), «Мефистофель» Арриго Бойто (2018, Лионская национальная опера, Штутгартская опера). Как участник La Fura dels Baus ставит драматические спектакли и крупномасштабные шоу. Среди них — церемония открытия Олимпийских игр в Барселоне, 1992, открытие Биеннале в Валенсии, 2001, тематическое шоу для Экспо-2010, Шанхай (все вместе с Карлушем Падрисса). Оперные спектакли, связанные с La Fura dels Baus, устроены по принципу крупномасштабных шоу — основное внимание постановщик уделяет дизайну и эффектной картинке.

Кристоф Оноре / Christophe Honoré
Кино- и оперный режиссер, сценарист, актер.
Родился в 1970 году в Карэ-Плугер, Франция. Изучал литературу в Университете Ренна II и кинематограф в киношколе Ренна. В 1995 переехал в Париж. Публиковался в легендарном киножурнале Les Cahiers du Cinéma, писал романы и пьесы. В это же время вышла его книга «Рядом с Лео», в которой затрагивались темы СПИДа и гомосексуальности. В 2002 снял одноименный телефильм. Впервые его театральный текст поставлен в 1998 на Авиньонском фестивале (офф-программа). В 2000 снял дебютный короткий метр, Nous deux, в 2002 — первый полнометражный фильм, Dix-sept fois Cécile Cassard. Считается наследником французской «новой волны» и относится к режиссерам-авторам (auteur). Музыкальный фильм «Песни любви» был отобран в программу Каннского кинофестиваля-2007. Многие фильмы и сценарии посвящены проблеме гомосексуальных отношений. Эпизодически работает в театре. В опере дебютировал в 2013, поставил «Диалоги кармелиток» Пуленка в Лионской национальной опере (ONL). Выпустил спектакли «Пеллеас и Мелизанда» Дебюсси (2015, ONL), «Так поступают все женщины» Моцарта (2016, фестиваль в Экс-ан-Провансе), «Дон Карлос» Верди (2018, ONL), «Тоска» (2019, фестиваль в Экс-ан-Провансе). Активно внедряет в спектакли видео (в «Тоске» — живая съемка), использует его как акцент (вывести на экран нужное лицо и дать наблюдать зрителям за эмоциями — монтаж крупных планов по принципу эффекта Кулешова) и как средство остранения сюжета.

Дэвид Паунтни / David Pountney
Оперный режиссер, либреттист и переводчик оперных либретто.
Родился в 1947 году в Оксфорде, Великобритания. В детстве получил музыкальное образование, изучал игру на трубе и пел в хоре. Окончил Рэдли колледж в Оксфорде и Сент-Джонс колледж в Кембридже. Специального театрального образования нет. Первая знаменитая постановка — «Катя Кабанова» Леоша Яначека, сделанная для оперного фестиваля в Уэксфорде, Ирландия. В 1975—1980 был режиссером-постановщиком в Шотландской опере, Глазго, затем с 1982 по 1993 занимал аналогичную должность в Английской национальной опере, Лондон (ENO), куда пришел в составе новой команды руководителей вместе с интендантом Питером Йонасом и дирижером Марком Эдлером. После ухода из ENO до 2004 был независимым постановщиком. В сезоне 2003—2004 стал интендантом оперного фестиваля в Брегенце, для которого ставил с 1989 (в том числе «Летучего голландца» Вагнера на Озерной сцене и «Греческие пассионы» Богуслава Мартину в Фестшпильхаусе). Занимал должность до 2014. В 2011 стал руководителем Уэльской национальной оперы, Кардифф, покинул пост в 2019. Часто работает с новыми или малоизвестными операми. Поставил более десяти мировых премьер, в числе которых «Сатьяграха» (1980, Роттердам) и «Путешествие» Филипа Гласса. Сотрудничал с композитором Питером Маквеллом Дейвисом, был соавтором либретто к трем его операм и режиссером мировых премьер. Часто обращается к операм славянских авторов, ставил Бедржиха Сметану, все оперы Леоша Яначека (многие в Шотландской опере, Глазго), Богуслава Мартину, также Петра Чайковского (в том числе редкие в Европе «Черевички» и «Ночь перед Рождеством», «Чародейку» в Мариинском театре) и Дмитрия Шостаковича. Часть постановок Паунтни близки к политическому театру (например, трактовки опер Верди). Сам режиссер говорил, что «вытаскивает» политику только из произведений, в которых она заложена изначально.

Оливье Пи / Olivier Py
Оперный и театральный режиссер, писатель, актер.
Родился в 1965 году в Грасе, Франция. Учился в Национальной консерватории театрального искусства, Париж. Изучал философию и теологию в Парижском католическом институте. В 1988 основал театральную компанию L’inconvénient des boutures. В том же году режиссер Дидье Лафайе поставил спектакль по первой пьесе Пи «Апельсины и ногти». С сезона 1997—1998 по 2007 был режиссером Национального центра драмы в Орлеане. Руководил театром «Одеон», Париж, в 2007—2011, был снят с должности по решению правительства. Постоянно сотрудничает с Авиньонским фестивалем. Среди проектов — 24‑часовой спектакль The Servant, an endless story (1995) и The Vilar Enigma (2006) в Почетном дворе Папского дворца в Авиньоне, посвящение Жану Вилару, который долгое время руководил фестивалем. В сезоне 2013—2014 возглавил фестиваль, став первым режиссером на этой позиции после Жана Вилара, и занимает эту позицию сейчас. В конце 1990‑х начал ставить в музыкальном театре, первый спектакль — «Вольный стрелок» фон Вебера, Опера Нанси. Среди проектов — «Сказки Гофмана» Оффенбаха, «Осуждение Фауста» Берлиоза, «Тристан и Изольда», «Тангейзер», «Лулу» (2001, 2003, 2005, 2010, все — Женевская опера), Le Vase de parfums на музыку Сюзанн Жиро (2004, Опера Нанта; Пи был автором либретто), «Похождения повесы», «Художник Матис» Пауля Хиндемита, «Аида» (2007, 2010, 2013, все — Парижская опера), «Идоменей» (2009, фестиваль в Экс-ан-Провансе), «Ромео и Джульетта» Гуно (2010, Голландская национальная опера, Амстердам), «Гугеноты» Мейербера, «Лоэнгрин», «Джоконда» Амилькаре Понкьелли (2011, 2018, 2019, все — Королевский оперный театр «Ла Монне», Брюссель), «Кармен» (2012, Лионская национальная опера), «Диалоги кармелиток» (2013, Театр Елисейских полей, Париж). Одни из магистральных тем постановок — католицизм и сексуальность (в том числе квир-культура и фетиши).

Борис Покровский
Оперный режиссер, педагог, автор книг о музыкальном театре, основатель Московского камерного музыкального театра.
Родился в 1912 году в Москве, умер в 2009 там же. Занимался музыкой у Елены Гнесиной. Окончил в 1937 режиссерский факультет Государственного института театрального искусства им. Луначарского, курс Юрия Завадского. До поступления в ГИТИС учился в школе ФЗУ и работал на химическом заводе. Начал работать как оперный режиссер уже в институте. Поставил дипломный спектакль «Кармен» в Горьковском театре оперы и балета (сейчас — Нижегородский театр оперы и балета), позже стал художественным руководителем театра. С 1943 работал режиссером в Большом театре, с 1952 по 1982 — главный режиссер. Среди спектаклей в БТ — «Проданная невеста» Бедржиха Сметаны (1948), «Садко» Римского-Корсакова (1949), «Евгений Онегин» Чайковского (1944, 1968, 1991), «Война и мир» (1959), «Сон в летнюю ночь» Бриттена (1965, премьера в Большом), «Игрок» Прокофьева (1974), «Отелло» Верди (1978), «Млада» Римского-Корсакова (1988, премьера в Большом), «Орлеанская дева» Чайковского (1990), «Франческа да Римини» Рахманинова (1998). В 1972 создал Московский камерный музыкальный театр и до смерти оставался его художественным руководителем. Здесь, как и в Большом, неоднократно был режиссером премьер опер в СССР (1978, «Похождения повесы» Стравинского) или ставил редкие названия (1974, «Нос» Шостаковича, 1982, «Ростовское действо», 1998, «Коронация Поппеи» Монтеверди). Был режиссером «Великой дружбы» Вано Мурадели (1947, Большой театр), с которой началась травля «композиторов-формалистов» в СССР. Режиссер всех первых постановок опер Сергея Прокофьева. Покровский-режиссер прошел все стадии эволюции постановщика — от новатора до постановщика спектаклей, которые сами стали классическими и сформировали новый канон. Его можно назвать одним из первых русских (советских) режиссеров-авторов.

Питер Селларс / Peter Sellars
Театральный и оперный режиссер, преподаватель.
Родился в 1957 году в Питтсбурге, США. С детства интересовался музыкой и театром, участвовал в спектаклях кукольного театра. Позже вступил в Международный союз артистов кукольного театра. Среднее образование получил в академии Филлипс, Массачусетс, также учился в Гарвардском университете. Там продолжал заниматься театром, в частности, ставил «Кольцо нибелунга» в версии для кукольного театра. Окончив колледж, изучал азиатский театр. В 1984—1986 — режиссер и директор Американского национального театра, Вашингтон. Опыты в музыкальном театре начал с семи-стейдж версий кантат Баха. Среди подобных проектов — «Страсти по Матфею» Баха (2010, Берлинский филармонический оркестр, дирижер Саймон Рэттл).
Работает с современными композиторами, в частности, был соавтором и режиссером мировых премьер многих опер композитора Джона Адамса (1985—1990, «Никсон в Китае», 1991, «Смерть Клингхоффера», 1995, «Я смотрел на потолок и увидел небо», 2000, «Младенец Христос», 2005, «Атомный доктор», 2006, «Цветущее дерево», 2013, «Евангелие от другой Марии», 2017, «Девушки золотого Запада»). Также ставил оперы Оливье Мессиана (1992, «Святой Франциск Ассизский», Зальцбургский фестиваль, позже Парижская опера), Дьердя Лигети (1997, «Великий мертвиарх», Зальцбургский фестиваль), Пауля Хиндемита («Художник Матис»), Освальдо Голихова, Джорджа Крама. Руководил несколькими театральными фестивалями, в числе которых фестиваль искусств в Лос-Анджелесе (дважды), фестиваль искусств в Аделаиде, Австралия, New Crowned Hope в Вене, Австрия, приуроченный к 250‑летию Моцарта. Также среди постановок — «Дон Жуан» (1980, Монаднокский музыкальный фестиваль, Манчестер; действие перенесено в городское гетто), «Заида», неоконченная опера Моцарта (2006, фестиваль Mostly Mozart, Линкольн-центр, Нью-Йорк; показы сопровождались дискуссиями о современных формах рабства), «Королева индейцев» Перселла (копродукция Пермского театра оперы и балета им. Чайковского, Королевского театра, Мадрид, Английской национальной оперы, Лондон, получившая «Золотую маску» сразу в нескольких номинациях), «Милосердие Тита» Моцарта (2017, Зальцбургский фестиваль). Имеет репутацию эксцентрика. В 1980‑е прославился постановкой полной трилогии Моцарта — Да Понте, в частности, «Свадьбой Фигаро» (1988) в декорациях «Трамп Тауэр», в которой акцентировалось пренебрежительное отношение богатого мужчины к женщинам. Также для Селларса важна тема мультикультурности и диалога культур: по первоначальной идее в «Королеве индейцев» он хотел совместить два оркестра, играющие барочную музыку (партитуру Перселла) и музыку майя, и дополнить либретто древними пророчествами майя (в виде партий для хора).

Кирилл Серебренников
Режиссер театра, кино и ТВ, педагог, куратор, арт-директор фестиваля «Территория».
Родился в 1969 году в Ростове-на-Дону. Окончил физический факультет Ростовского государственного университета. Специального театрального образования не имеет. Первый любительский спектакль поставил, учась в школе, сам же в нем играл. В университете продолжил театральные опыты. Первые профессиональные постановки сделал в 1990‑е. С 1995 сотрудничал с ростовским ТЮЗом. В 1998 переехал в Москву. Вскоре после спектакля «Пластилин» в Центре драматургии и режиссуры и «Откровенных полароидных снимков» в Драматическом театре им. Пушкина Олег Табаков пригласил режиссера в МХТ им. Чехова. Также работал в театре «Современник», Театре-студии п/р О. Табакова. В 2008—2012 был мастером экспериментального актерско-режиссерского курса в Школе-студии МХАТ, известного также как «Седьмая студия». В 2011—2014 руководил мультижанровым проектом «Платформа» на Винзаводе, Москва. Среди направлений «Платформы» было музыкальное, для которого заказывались новые сочинения академической музыки. Среди проектов — оперы Autland Сергея Невского, «Четыре квартета» и «Страсти по Никодиму» Александра Маноцкова. С 2012 — художественный руководитель Театра им. Гоголя, который преобразовал в «Гоголь-центр» (2013). Ставит музыкальные спектакли с 2006. Сотруд­ничал с Мариинским и Большим театрами, театром «Геликон-опера», «Комише-опер», Берлин, Цюрихской оперой, Гамбургской государственной оперой, Авиньонским фестивалем. Среди постановок — «Станция» Алексея Сюмака, «Богини из машины» Андреаса Мустукиса (2008, фестиваль современного искусства «Территория»), «Золотой петушок» (2011, Большой театр), «Охота на Снарка» Юрия Лобикова (2012, проект «Платформа»), «Чаадский» Александра Маноцкова (2017, «Геликон-опера», мировая премьера), Cosi fan tutte (2018, Цюрихская опера), «Набукко» (2019, Гамбургская государственная опера), а также балеты Ильи Демуцкого «Герой нашего времени» и «Нуреев» (2015, 2017, Большой театр, хореограф Юрий Посохов). Опыты в музыкальном театре стали логичным продолжением работы Серебренникова в драме: многие его спектакли устроены по законам, схожим с оперными схемами, в частности, в финалах Серебренников часто использует музыку и строит их по типу хоровых сцен. Основная характеристика оперных постановок — политизация сюжета (часто на грани с карикатурой).

Джорджо Стрелер / Giorgio Strehler
Театральный режиссер, актер, автор книг, основатель Пикколо театро ди Милано.
Родился в 1921 году в Баркола, Триест, умер в 1997 в Лугано. Окончил Академию любителей драматического искусства, Милан. Работал как актер в нескольких итальянских труппах. Во время Второй мировой был выслан в Швейцарию, организовал в Женеве Театр масок. Первые спектакли — «Убийство в соборе» по роману Томаса Элиота и «Калигула» Камю. Во второй половине 1940‑х был театральным критиком, в это же время вступил в Итальянскую социалистическую партию. К 1947 прекратил работать в газете, стал заниматься исключительно театром. Вместе с Паоло Грасси основал Пикколо театро ди Милано, который стал первым стационарным театром страны. Театр открылся спектаклем «На дне» по Горькому. Вторая постановка — «Арлекин — слуга двух господ» — идет до сих пор, стала символом «Пикколо» и одним из основных спектаклей Стрелера. Режиссер покидал «Пикколо» в 1968—1972, организовав в это время молодежную «Группо театро ационе». С 1972 руководил «Пикколо» единолично, так как соруководитель Грасси ушел в театр «Ла Скала», Милан.
1974 — публикация книги «Театр для людей». В 1982 назначен директором Театра Европы, Париж, куда в том числе переносил спектакли из «Пикколо». В 1989 стал руководителем Союза театров Европы. Стрелер поставил более 200 спектаклей, среди которых «Дачная трилогия» Гольдони, «Вишневый сад» Чехова, «Король Лир» Шекспира, «Счастливые дни» Беккета, «Гиганты горы» Пиранделло, «Трехгрошовая опера» и «Добрый человек из Сезуана» Брехта. С 1946 работал в музыкальном театре. Первый спектакль — «Жанна на костре» Онеггера (1946, театр «Ла Скала», Милан). Поставил в этом оперном доме большинство своих оперных спектаклей (как на основной сцене, так и в «Пиккола Скала»). Среди постановок: «Травиата» (1947, «Ла Скала»), «Тайный брак» Чимарозы (первая версия 1949, «Ла Скала»; 1955, «Пиккола Скала»), «Лулу» Берга (1949, театр «Ла Фениче», Венеция), «Огненный ангел» Прокофьева (1955, «Ла Фениче», 1956, «Ла Скала»), «Похищение из сераля» (1965, Зальцбургский фестиваль; спектакль неоднократно возобновлялся), «Свадьба Фигаро» (1973, Придворный театр, Версаль; 1981, «Ла Скала»). Много ставил оперы Моцарта, которого называл любимым композитором. Интерес Стрелера к комедии дель арте и, соответственно, актерскому театру распространился и на оперу. Его постановки достаточно традиционны концептуально и визуально. При этом на сцене не «концерт в костюмах», а подробно разработанный спектакль, где много внимания уделено характерам персонажей, а в рисунке ролей можно увидеть предвестие более поздних задач, которые ставит для артистов Regieoper.

Александр Титель
Оперный режиссер, педагог.
Родился в 1949 году в Ташкенте. В 1980 окончил Государственный институт театрального искусства им. Луначарского (мастерская Л. Михайлова). 1980—1991 — главный режиссер Свердловского академического театра оперы и балета (сейчас — Урал опера балет). Cовместно с дирижером Е. Бражником и сценографами Ю. Устиновым, В. Левенталем и Э. Гейдебрехтом создал уникальную творческую атмосферу — театр той поры назывался «свердловским феноменом», его спектакли гастролировали по СССР, выдвигались на престижные театральные премии. Основные постановки этого периода: «Сказка о царе Салтане» Римского-Корсакова, «Сказки Гофмана» Оффенбаха, «Борис Годунов» Мусоргского. С 1991 — художественный руководитель и главный режиссер оперной труппы Московского академического Mузыкального театра им. К. Станиславского и Вл. Немировича-Данченко (МАМТ). Среди постановок — «Богема» Пуччини, «Обручение в монастыре» Прокофьева (совместно с Л. Налетовой), «Так поступают все, или Школа влюбленных» Моцарта, «Евгений Онегин» Чайковского, «Гамлет (датский) (российская) комедия» Владимира Кобекина (мировая премьера), «Война и мир» Прокофьева, «Дон Жуан» Моцарта, «Хованщина» Мусоргского, «Медея» Луиджи Керубини, «Влюбленный дьявол» Александра Вустина (мировая премьера). Как художественный руководитель пригласил к сотрудничеству с театром ведущих российских и западных режиссеров: А. Бородина, Б. Покровского, М. Бычкова, О. Пи, А. Шапиро, Д. Крымова, Е. Писарева, К. Олдена, А. Жагарса, П. Штайна, Р. Туминаса, К. Гинкаса, А. Кончаловского. Создавал спектакли с дирижерами Ф. Коробовым, В. Гореликом, А. Лазаревым, В. Юровским, сценографами Д. Боровским, С. Бархиным, В. Арефьевым, А. Яцовскисом. Преподает на факультете музыкального театра Российского института театрального искусства (ГИТИС). Осуществил более 60 постановок в России и за рубежом. Спектакли Тителя показывались на фестивалях в Москве, Санкт-Петербурге, Эдинбурге, Касселе, Риге, Эфесе. Разные спектакли Тителя можно причислить и к традиционному оперному театру, и к режиссерской опере. У него есть постановки, формально полностью отвечающие критериям Regioper. Cреди них «Борис Годунов» (2013, Екатеринбургский театр оперы и балета),
где действие перенесено в современный мир, а сценографической доминантой стала полукруглая стена в следах коррозии и ржавчины, метафора испорченности «властных» персонажей и разрушения мира. Большую часть спектаклей можно частично считать «режиссерской оперой». В некоторых спектаклях удачное художественное решение отдельных сцен заменяет большое режиссерское решение. Например, сцена казни в «Хованщине» (2015, МАМТ), в которой раздетые до светлых нижних рубах стрельцы укладываются головами на только что снятые алые кафтаны.

Венсан Уге / Vincent Huguet
Оперный режиссер, историк, искусствовед.
Родился в 1977 году в Монпелье, Франция. Изучал историю в Высшей нормальной школе Фонтене-Сен-Клод, Лион, и историю искусства в Амьенском университете. В 2001—2007 публиковал статьи и книги об искусстве, работал как художественный критик. В 2008, занимаясь выставкой на вилле Медичи в Риме, познакомился с Ричардом Педуцци (в то время — директор Французской академии, Рим) и режиссером Патрисом Шеро. С 2008 по 2013 был ассистентом Шеро, в том числе на его последней постановке «Электра» (2013, фестиваль в Экс-ан-Провансе). Параллельно с участием в проектах Шеро продолжал заниматься искусством, в частности, вел передачу на радио France Culture. В 2011 принял участие в лаборатории композитора Петера Этвёша Opéra en Création в Академии фестиваля в Экс-ан-Провансе. 2012 — первая самостоятельная оперная постановка, «Лакме» Лео Делиба (Национальная опера Монпелье). В 2013—2016 занимался гастрольными возобновлениями и вводами новых исполнителей в «Электру» Шеро, которая после смерти режиссера отправилась в большой мемориальный тур. Продолжал работать с другими режиссерами, среди которых Люк Бонди, Питер Селларс и Иво ван Хове. С 2015 активнее стал ставить сам, среди проектов — мировая премьера оперы Contes de la lune vague après la pluie («Сказки туманной луны после дождя») Ксавье Дайера (2015, Руанская опера и Опера-Комик, Париж), To Be Or Not To Be (2016, Руанская опера). В 2017 дебютировал на Авиньонском фестивале с постановкой Vaille que vivre («Мы должны прожить ту жизнь, которая нам досталась»). В 2018 занимался двумя проектами к 350‑летию Парижской оперы, в том же году на фестивале в Экс-ан-Провансе вышла его версия «Дидоны и Энея», позже перенесенная в Большой театр, Москва, и «Ромео и Джульетта» Гуно (Театр Люцерна). Пересобирает сюжеты опер, пытаясь придать им актуальное звучание. В некоторых случаях это происходит несколько механически, а сюжет, сочиненный Уге, существует параллельно сюжету оперы, не всегда учитывая его. Так, в «Дидоне и Энее» любовная драма превратилась в историю про бунт угнетенных и борьбу против социального неравенства.

Роберт Уилсон / Robert Wilson
Театральный режиссер, автор сценографии и световых решений к своим спектаклям, драматург, продюсер.
Родился в 1941 году в Уэйко, штат Техас, США. Изучал управление бизнесом в Техасском университете, Остин, позже архитектуру и дизайн интерьера в Институте Пратта, Нью-Йорк, в это же время учился живописи у художника Джорджа МакНила. Позже в Аризоне продолжил изучение архитектуры у Паоло Солери. Окончив Институт Пратта, основал экспериментальную театральную труппу Byrd Hoffman School of Byrds. К 1970‑м его проекты уже шли по всей Европе. В 1970 поставил «Взгляд глухого» (Университетский театр Центра театральных искусств, Айова, США), который принес ему известность. Среди известных проектов: «Гамлет-машина» Хайнера Мюллера (1986, театр «Талия», Гамбург, и Нью-Йоркский университет, США), «Гамлет: Монолог» (1995, Театр Аллей, Хьюстон; Уилсон был драматургом, режиссером, художником и единственным исполнителем), трилогия для театра «Талия», Гамбург (1990, «Черный всадник», 1992, «Алиса», 1996, «Разрушитель времени»), «Трехгрошовая опера», «Сонеты Шекспира», «Лулу» Франца Веденкинда (2007, 2009, 2011, все для театра «Берлинер ансамбль», Берлин), «Жизнь и смерть Марины Абрамович» (2011, Манчестерский международный фестиваль), «Старуха» по Даниилу Хармсу (2013, Манчестерский международный фестиваль, совместно с Уиллемом Дефо и Михаилом Барышниковым), «Письмо человеку» по дневникам Вацлава Нижинского (2015). В 2000—2002 поставил «Кольцо нибелунга» Вагнера в Цюрихской опере. В разное время работал с операми Луиджи Ноно, Клода Дебюсси, Игоря Стравинского, Белы Бартока, Арнольда Шенберга, Луи Андриссена (мировая премьера оперы «Материя», 1989, Голландская национальная опера, Амстердам), Рихарда Штрауса, Вирджила Томсона («Четыре святых в трех актах» на тексты Гертруды Стайн, 1996, Хьюстон гранд-опера). Соавтор нескольких опер: 1976 — «Эйнштейн на пляже», вместе с композитором Филипом Глассом, Авиньонский фестиваль, 1997 — Saints and Singing, вместе с композитором Хансом Петером Куном, театр «Геббель», Берлин; 1998 — Monsters of Grace: A Digital Opera in Three Dimensions, вместе с композитором Филипом Глассом, Калифорнийский университет, США. Автор нескольких собственных оперных проектов: «Жизнь и времена Иосифа Сталина» (1974, оперный театр Бруклинской академии музыки, Нью-Йорк; 12‑часовая опера, в которую вошли сцены из «Жизни и времен Зигмунда Фрейда», 1969, и «Взгляда глухого», 1970), «Лютер, танцующий с богами», опера на музыку Иоганна Себастьяна Баха, Кнута Нюстедта, Стива Райха (2017, Зал Пьера Булеза, Берлин), Garrincha — Uma opera de rua (2016, Театр Пауло Аутран, Сан-Паулу, Бразилия, вместе с Даррелом Пинкни). Также среди постановок — «Гора Ка и сторожевая терраса» (1972, Международный фестиваль искусств в Ширазе, Иран), «Мадам Баттерфляй» (1993, Парижская опера), «Пеллеас и Мелизанда» (1997, Парижская опера), Aadama Passioon («Страсти по Адаму») Арво Пярта (2015, Noblessner Foundry, Таллинн, Эстония). Уилсон создал узнаваемый театральный стиль, парадоксально совместив в нем наследие традиционного японского театра и немецкого экспрессионизма. Этот стиль характерен и для оперных постановок режиссера, где он переосмысляет и превращает в особые выразительные приемы исторически присущие жанру условность жеста и статуарность поз.

Юрген Флимм / Jurgen Flimm
Драматический, оперный и телевизионный режиссер, актер, интендант, профессор, писатель.
Родился в 1941 году в Гиссене, Германия. Изучал теорию драмы, литературу и социологию в Кельнском университете. Начал работать в театре как ассистент режиссера в 1968 в театре «Каммершпиле», Мюнхен. Параллельно с 1970‑х до 2000‑х был режиссером на телевидении и снимался сам. Был режиссером Национального театра Мангейма. В сезоне 1973—1974 занимал пост главного режиссера театра «Талия», Гамбург. Позже сотрудничал с театрами как независимый режиссер. В 1985 вернулся в театр «Талия», был основным режиссером труппы следующие пятнадцать лет. Сделал «Талию» одним из самых успешных немецких театров, сам ставил спектакли. Карьеру в музыкальном театре начал в 1978, поставив во Франкфуртской опере «Под жарким солнцем любви» Луиджи Ноно. До 1990 поставил еще две оперы — «Сказки Гофмана» в Гамбургской государственной опере и «Так поступают все женщины» в Голландской национальной опере, Амстердам. Последнюю сделал вместе с дирижером Николаусом Арнонкуром, с которым позже многократно сотрудничал. В последующие годы активно работал как в опере, так и в драме, его приглашали в театр «Ла Скала», Милан, Королевскую оперу, Лондон, Берлинскую государственную оперу, Метрополитен-опера, Нью-Йорк. В 1990‑е началась деятельность Флимма — театрального менеджера. В 1999—2003 он был президентом Немецкой театральной ассоциации, в 2002—2004 занимался драматической программой Зальцбургского фестиваля, в 2005—2007 руководил Рурской триеннале искусств вместе с Жераром Мортье. Две крупнейшие должности — художественный руководитель Зальцбургского фестиваля в 2007—2010 и интендант Берлинской государственной оперы в 2010—2018, в годы, когда компания из‑за реконструкции не могла работать на своей основной сцене в Театре Унтер-ден-Линден.

Ахим Фрайер / Achim Freyer
Режиссер, художник, сценограф, автор костюмов.
Родился в 1934 году в Берлине, ГДР. Получил художественное образование в Школе прикладной графики и театральное в Берлинской академии искусств. Ученик Бертольта Брехта. После его смерти несколько лет не работал в театре, занимался только изобразительным искусством. С 1959 возвращается на сцену. Сотрудничал как сценограф с хореографом и режиссером Рут Бергхаус, вместе с ней сделал свой первый музыкальный спектакль — «Севильский цирюльник» Россини (1968). В это же время делает пластические хэппенинги и перформансы, среди которых «Разрушение это новый порядок» (1965). С 1972 живет в ФРГ, вскоре начинает сам ставить спектакли, не прекращая сотрудничать с другими режиссерами как художник. В 1991 основал труппу «Фрайер ансамбль», которая участвовала в том числе в его оперных постановках. В 1976—1999 преподавал сценографию в Берлинском университете искусств. Вместе со студентами делал перформансы, исследовавшие визуальную, пластическую и акустическую выразительность в театре. Как художник участвовал в выставках Documenta (1977, 1987, Кассель) и Пражской квадриеннале (1999).
В музыкальном театре работает с 1960‑х, сначала как художник, позже как режиссер. Вместе с режиссером Г. Ноегенбауэром поставил «Воццека» Бюхнера (1975), «Моисея и Аарона» Шенберга (1978). К некоторым спектаклям также делал инсталляции в теат­ральных фойе. Как режиссер сотрудничал с театрами в Мюнхене, Базеле, Амстердаме, Париже и Зальцбурге. Среди постановок — «Вольный стрелок» Карла Марии фон Вебера (1980, Штутгартская опера), «Орфей и Эвридика» Глюка (1982, Немецкая опера, Берлин), «Тристан и Изольда» Вагнера (1994, Королевский оперный театр «Ла Монне», Брюссель), «Турандот/Персефона» Бузони и Стравинского (1994, театр «Ла Фениче», Венеция). Избранные постановки: «портретная трилогия» Филипа Гласса — «Сатьяграха», «Эхнатон», «Эйнштейн на пляже» (1981, 1984, 1988, Штутгартская опера), «Волшебная флейта» (1982, Гамбургская государственная опера; один из самых востребованных спектаклей Фрайера — был перенесен в Вену, на Зальцбургский фестиваль, Шветцингенский фестиваль, Германия, Национальную рейнскую
оперу, Страсбург, театр «Новая опера им. Е. Колобова», Москва), «О Сэмюэле Беккете» на музыку Мортона Фелдмана (2005, Венецианская биеннале), «Кольцо нибелунга» (2010, Опера Лос-Анджелеса и Национальный театр Мангейма). Спектакли Ахима Фрайера относят к «театру художника». Сценическая среда, костюмы и в особенности «тяжелые», меняющие лицо артиста гримы — ключевые части его постановок.

Стефан Херхайм / Stefan Herheim
Оперный режиссер, преподаватель.
Родился в 1970 году в Осло, Норвегия. Начал ставить оперные спектакли с участием кукол в детстве. Учился играть на виолончели и пел в католическом хоре мальчиков. Организовал театральную компанию, которая играла оперные постановки с участием кукол и гастролировала по Норвегии. Изучал режиссуру в Университете музыки и театральных искусств, Гамбург. Работает как независимый режиссер. В 2022 станет руководителем Театра ам дер Вин, Вена. Приглашенный лектор в нескольких европейских институциях, среди которых университет Гумбольдта, Берлин, Высшая школа музыки Ханс Эйслер, Берлин, Высшая школа музыки и театра, Гамбург, Высшая школа музыки, Карлсруэ, Университет Ка-Фоскари, Венеция. Среди постановок — «Сила судьбы» Верди (2005, Берлинская государственная опера), «Похищение из сераля» Моцарта (2006, Зальцбургский фестиваль), «Дон Жуан» Моцарта (2007, Театр Аалто, Эссен), «Парсифаль» Вагнера (2008, Байройтский фестиваль), «Евгений Онегин» Чайковского (2011, Голландская национальная опера), «Русалка» Дворжака (2012, Королевский оперный театр «Ла Монне», Брюссель), «Ксеркс» Генделя (2012, «Комише-опер», Берлин), «Сицилийская вечерня» Верди (2013, Королевская опера, Лондон), «Лулу» Берга (2014, Королевская датская опера, Копенгаген), «Пиковая дама» Чайковского (2016, копродукция Голландской национальной оперы, Амстердам, и Королевской оперы, Лондон), «Кармен» Бизе (2016, Опера Граца). Работает в разных стилях. Часто делает гротескные стилизации, где обыгрываются или ломаются правила старинного театра («Ксеркс», «Свадьба Фигаро», 2017, Гамбургская государственная опера). Или спектакли в современных декорациях, где преувеличение, утрирование становится основным приемом. В то же время одной из его самых удачных постановок можно назвать «Парсифаля», где этих приемов нет, а история превращается в воспоминания стареющей Кундри.

Филипп Химмельман / Philipp Himmelmann
Оперный режиссер, преподаватель.
Родился в 1962 году в Бонне, Германия. Изучал музыковедение и языки в Боннском университете, режиссуру музыкального театра в Высшей школе музыки и театра, Гамбург, вокал в Высшей школе музыки, Гамбург, и в Гилдхоллской школе музыки и театра, Лондон. 1989 — режиссер в Театре Люцерна, Швейцария, с 1992 по 1996 — ассоциированный режиссер. В 1996—1998 работал старшим режиссером в Штаатсопере, Саарбрюккен. Среди постановок — «Тоска» Пуччини, «Дон Жуан» Моцарта (2008, 2013, Брегенцский фестиваль), «Свадьба Фигаро» и «Богема» (2012, 2017, Зал музыкальных фестивалей, Баден-Баден, Пермский театр оперы и балета), «Катя Кабанова» Яначека (2018, Национальная опера Лотарингии, Нанси), «Симон Бокканегра» Верди (2018, Дижонская опера), «Мертвый город» Корнгольда (2018, театр Капитолия, Тулуза). Самые запоминающиеся решения Химмельмана связаны с Озерной сценой Брегенцского фестиваля. Масштабные, близкие по размерам и характеристикам к эстрадным шоу декорации, которых требует пространство на открытой воде, — важная часть концептуального решения его спектаклей.

Дмитрий Черняков
Оперный режиссер, автор сценографии к своим спектаклям.
Родился в 1970 году в Москве. В 1993 окончил как режиссер факультет музыкального театра Государственного института театрального искусства им. А. Луначарского (ГИТИС). До начала активной работы в опере несколько раз оформлял музыкальные спектакли как художник. В 1990‑е ставил драматические спектакли в театрах России и СНГ. Среди мест работы — Тверской театр драмы, Русский театр Вильнюса, Самарский драматический театр, театр «Красный факел», Новосибирск, молодежный театр «Глобус», Новосибирск. Как режиссер дебютировал в музыкальном театре в 1998 — мировая премьера оперы «Молодой Давид» Владимира Кобекина (Новосибирский театр оперы и балета). С этого времени работает преимущественно над оперными постановками. До 2005 работал в России, ставил в Мариинском, Большом, Новосибирском оперном театрах. Первая постановка в Европе — «Борис Годунов» (2005, Берлинская государственная опера). С 2005 по 2011 работал как в России, так и за рубежом. Среди постановок этого периода — «Макбет» Верди (2008, копродукция Парижской оперы и Ново­сибирского театра оперы и балета), «Дон Жуан» (2010, копродукция фестиваля в Экс-ан-Провансе, Большого театра, Королевского театра, Мадрид, Канадской оперы, Торонто), «Диалоги кармелиток» Пуленка (2010, Баварская государственная опера, Мюнхен), «Руслан и Людмила» Глинки (2011, Большой театр). С 2011 ставил спектакли преимущественно в европейских оперных домах, среди которых Берлинская государственная опера, Баварская государственная опера, Парижская опера, театр «Ла Скала», Милан, Королевский оперный театр «Ла Монне», Брюссель, Гамбургская государственная опера, на фестивале в Экс-ан-Провансе, Франция. В феврале 2020 поставил оперу Римского-Корсакова «Садко» в Большом театре. Среди значимых постановок — «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии» Римского-Корсакова (2001, российская версия, Мариинский театр, 2012, европейская версия, Голландская национальная опера, Амстердам), «Тристан и Изольда», российская версия (2005, Мариинский театр), «Евгений Онегин», (2006, Большой театр), «Царская невеста» (2013, Берлинская государственная опера), «Парсифаль» (2015, Берлинская государственная опера), «Кармен» (2017, фестиваль в Экс-ан-Провансе), «Сказка о царе Салтане» (2019, театр «Ла Монне», Брюссель). В России работал с партитурами, не имеющими здесь значительной постановочной истории («Сказание о невидимом граде Китеже», а также «Похождения повесы» Стравинского, 2003, Большой театр, «Тристан и Изольда», «Воццек» Альбана Берга, 2009, Большой театр). Считается послом русской музыки, в разное время ставил малоизвестные в Европе русские оперы вроде «Игрока» Прокофьева (2008, Берлинская государственная опера), «Сказания о невидимом граде Китеже» и «Сказки о царе Салтане». Единственный российский режиссер, сотрудничавший практически со всеми важными оперными домами мира и имеющий мировое признание. В разные годы проекты Чернякова поддерживали один из крупнейших театральных менеджеров Европы Жерар Мортье, дирижер и музыкальный руководитель Берлинской государственной оперы Даниэль Баренбойм, интендант Парижской оперы Стефан Лисснер, руководители фестиваля в Экс-ан-Провансе Бернар Фоккруль и Пьер Оди. Среди наград — International Opera Awards, называемая «оперным Оскаром», и «Режиссер года-2017» по версии журнала Opernwelt. Все оригинальные оперные постановки Чернякова в России номинировались на национальную театральную премию «Золотая маска». Понятие «режиссерская опера» прочно вошло и стало активно осмысляться в русском критическом дискурсе именно в связи со спектаклями Чернякова. Часть российских постановок — «Китеж», петербургская версия, «Евгений Онегин» — со временем стали классикой новейшего оперного театра. Одна из фирменных черт — перенос действия оперы в условно-современное время, поиск для героев современных психологических мотиваций. Принципиально лишает оперные сюжеты любых элементов волшебства, заземляет их. Часто использует тему психологических манипуляций и ролевых игр. Если сюжет как таковой сложно перенести в современный мир без потерь, конструирует для него новую сюжетную рамку (современная свадьба и испытания в «Руслане и Людмиле», сеанс коллективной терапии в «Трубадуре» Верди, превращение событий оперы в сказку, рассказанную матерью мальчику, и его собственные фантазии в «Сказке о царе Салтане»).

Патрис Шеро / Patrice Chereau
Театральный и кинорежиссер, сценарист, актер, продюсер, автор книг.
Родился в 1944 году в Лезинье, Франция, умер в 2013 в Париже. Учился в Сорбонне, Париж. В это же время начал первые опыты в театре, после работы над любительским спектаклем по пьесе Виктора Гюго ушел из университета. C 1966 — художественный руководитель Публичного театра Сартрувиля, Париж, где поставил пьесы Мольера, Шекспира и Лабиша. C 1970 работал ассистентом режиссера у Джорджо Стрелера в Пикколо театро ди Милано, Италия. В 1970‑е вместе с Роже Планшоном и Робером Жильбером руководил Национальным народным театром, Виллербан, Франция. В 1982 — режиссер театра Нантер-Амандье, Франция. Дебютировал как оперный режиссер на фестивале в Сполето, поставил «Итальянку в Алжире» (1969). Параллельно с работой в драматическом театре работал в таких оперных домах, как Королевский оперный театр «Ла Монне», Брюссель, театр «Ла Скала», Милан (2007, «Тристан и Изольда»), на Зальцбургском фестивале (1994, «Дон Жуан») и на фестивале в Вене (2007, «Из мертвого дома»). Последняя постановка Шеро — «Электра» для фестиваля в Экс-ан-Провансе — после смерти режиссера отправилась в большой мемориальный тур, поддержанием спектакля в котором занимался многолетний ассистент Шеро Венсан Уге. Среди значимых постановок — «Лулу» Берга, премьера трехактной версии, дополненной Фридрихом Церха (1979, Парижская опера), «Воццек» Берга (1992—1998, копродукция театра «Шатле», Париж, и Лирической оперы Чикаго), «Тристан и Изольда» (2007, «Ла Скала», Милан), «Из мертвого дома» Яначека (2007, спектакль шел на Венском фестивале, Holland Festival, фестивале в Экс-ан-Провансе, в Метрополитен-опера, Нью-Йорк, и в «Ла Скала»). Важнейшая постановка Шеро — цикл «Кольцо нибелунга» на Байройтском фестивале-1976, которая может считаться первым образцом режиссерской оперы в современном понимании. Шеро перенес действие из древних времен в условный XIX век, что было новшеством в оперном театре 1970‑х, и придал мифологическому сюжету антибуржуазное и антимилитаристское звучание.

Борис Юхананов
Режиссер драматического и музыкального театра, кино и телевидения, продюсер, теоретик театра, автор текстов, преподаватель.
Родился в 1957 году в Москве. В 1979 окончил Воронежский институт искусств как актер, в 1986 — Государственный институт театрального искусства им. Луначарского (ГИТИС) как режиссер, курс А. Эфроса и А. Васильева. Был ассистентом режиссера на спектаклях «Буря» (режиссер А. Эфрос) и «Серсо» (режиссер А. Васильев). В 1985 создал независимую театральную группу «Театр-Театр». В 1986 стал одним из основателей движения «параллельное кино». Долгое время работал как независимый режиссер, ставил в московских театрах, среди которых «Школа драматического искусства», МТЮЗ, РАМТ, а также в СНГ и Европе. С 1988 преподает. Был мастером актерско-режиссерских курсов в ГИТИСе в 1997—2002. Основал собственные исследовательские проекты: Мастерская индивидуальной режиссуры (1988 — настоящее время), «Лаборатория ангелической режиссуры» (2002—2004), «ЛабораТория. Голем» (2002—2009). В 2013 стал художественным руководителем московского Драматического театра им. Станиславского. Полностью обновил репертуар и концепцию, придумал мультижанровый Электротеатр «Станиславский». Среди программ театра — единственная в Москве лаборатория современной музыки и оперы внутри государственного театра. Под руководством Юхананова в Электротеатре регулярно выходят российские премьеры новых сочинений, часто написанных по заказу. Оперные проекты Электротеатра (избранное) — «Проза» Владимира Раннева (2018, режиссер Владимир Раннев), «Книга Серафима» Александра Белоусова (2020, режиссер Александр Белоусов). Инициатор и режиссер театрального сериала «Сверлийцы», который состоит из пяти опер, написанных ведущими российскими композиторами. Первая версия «Сверлийцев» вышла на площадке Artplay в 2013. В 2015 цикл полностью поставлен в Электротеатре. Юхананов стал автором романа — литературной основы и режиссером всего проекта. Также поставил «Галилео. Опера для Скрипки и ученого» Сергея Невского, Кузьмы Бодрова, Дмитрия Курляндского, Кирилла Чернегина и Павла Карманова (2017, Электротеатр «Станиславский», мировая премьера), «Октавия. Трепанация» Дмитрия Курляндского (2017, Holland Festival, Амстердам, мировая премьера, 2019, Электротеатр «Станиславский», российская премьера).